miércoles, 30 de diciembre de 2009

Morisot, Berthe



Nació el 14 de enero de 1841 en Bourges (Francia) en el seno de una familia de la alta burguesía. Siguió junto a su hermana Edma los cursos de Eugene Benot Buichard, discípulo de Ingres y de Delacroix.

Su Abuelo paterno fue un arquitecto famoso y su padre, Tiburcio Morisot, estudió en la Escuela de Bellas Artes, visitando Italia y Grecia. Con influencias de Édouard Manet, al que conoció en el Louvre donde realizaba su tarea como copista.

Incluso fue la modelo de algunos de sus cuadros como en "En el Balcón". Se emparentó con él al contraer matrimonio con su hermano menor, Eugène.

Forjó un estilo impresionista caracterizado por la delicadeza y sutileza. Trabajó tanto la pintura al óleo como la acuarela, realizando paisajes y escenas de mujeres con niños. Entre su obra destaca Madame Pontillon sentada en la hierba (1873, Museo de Arte de Cleveland) y El espejo de vestir (1876, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid).

Falleció el 2 de marzo de 1896, en París. Fue enterrada en el sepulcro de los Manet en Passy.


fuente
buscabiografias.comm
http://www.culture.gouv.fr

jueves, 10 de diciembre de 2009

Palmaroli González Vicente



Era hijo de un litógrafo italiano, Gaetano Palmaroli. Estudió en la Escuela de San Fernando. En 1857 se fue a Roma a completar su formación. Allí vivió hasta 1866. Un año después acudió, con la delegación española, a la Exposición Universal de París. Conoció a Ernest Meissonier, que influyó en sus cuadros posteriores.

Entre los distintos cargos que ostentó están: académico de San Fernando, director de la Academia de España en Roma y director del Museo del Prado desde 1893 hasta su muerte. Sus restos se encuentran en el cementerio de San Justo de Madrid.

Obra

Trata temas históricos, imágenes de mujeres y retratos. Entre sus obras pueden citarse:

El tres de mayo de 1808 (1871)
Concepción Miramón (en el Museo del Prado)
En el estudio del pintor
Coquetería
Mal de amores

martes, 24 de noviembre de 2009

Daumier, Honore



Honoré Daumier (pronunciación aproximada del apellido: Domié), (*Marsella 26 de febrero de 1808- † Valmondois 10 de febrero de 1879). Caricaturista, pintor, dibujante y escultor francés.

Vida y obra

Honoré Daumier nació el año 1808 en la ciudad de Marsella, pero siendo niño debió trasladarse a París junto con su familia. En París, muy joven trabajo como ujier en un tribunal de justicia y cadete en una librería, luego se dedicó a estudiar pintura y dibujo. De este modo dio inicio a su carrera de artista realizando trabajos en xilografía y la ilustración de anuncios publicitarios en los que se nota el influjo de Charlet.

En 1828 comenzó sus primeras litografías para el diario La Silhouette (La Silueta).

En 1830 inició su labor en la revista humorística La Caricature en donde adquirió merecido renombre por sus grabados y dibujos llenos de sátira y crítica social (incluyendo escenas domésticas). En 1832 comenzó a trabajar en Le Charivari, periódico humorístico-político dirigido por Charles Philipon particularmente crítico al gobierno de Luis Felipe I de Orleans, allí tuvo como compañeros a otros señalados caricaturistas:Raffet, Devéria y Grandville. Daumier precisamente por haber realizado una caricatura en la cual ese monarca aparecía retratado como Gargantúa (el glotón personaje de Rabelais), sufrió una prisión de seis meses.

En 1835 debido a la instalación de la censura en Francia, Daumier evitó la caricatura política directa y en su lugar se dedicó a ridiculizar las convenciones y costumbres entonces imperantes.

Retornó a la sátira política con la Revolución de 1848. A partir de ese mismo año 1848 se apasionó por la pintura, teniendo entonces un estilo muy influido por Delacroix, Corot, Millet, Rousseau y -en sus últimas obras- por Fragonard (Estudio del pintor) y los impresionistas (por ejemplo: La lavandera). A medida que fue perdiendo vista, tuvo que dejar la litografía y centrarse en la pintura, que abordaba con una técnica directa y apenas retocada.

También son muy valoradas sus esculturas y bustos de yeso (escayola) y bronce que realizaba principalmente para que le sirvieran de modelos al realizar sus ilustraciones.

Sus grabados se destacan por la mordacidad descarnada y sin embargo de matices exquisitos y líneas nada exentas de sutileza, al trabajar sarcásticamente los rostros, las expresiones, los gestos, con precisas exageraciones logra dar noción de la personalidad de los sujetos representados.

Es interesante notar en sus litografías el sabio uso de las combinaciones cromáticas para lograr sus cometidos de expresar situaciones emotivas en un ámbito social (existe aquí un influjo -morigerado- desde la obra de Goya); sus litografías tienen una calidad muy próxima a la pintura, en cuanto a su menos conocida pintura, se caracteriza por un patetismo logrado con masas oscuras y contrastes de colores fríos y cálidos, es así que si en sus últimos tiempos Daumier recibió influjos de los impresionistas, él previamente había ya influido en ellos, pero no queda en esto la gravitación de Daumier, también ha influido sobre los expresionistas, por ejemplo en Nolde, Ernst Barlach y Ensor.

En 1865 conociendo la grave situación económica por la cual pasaban Daumier y su esposa, su amigo el escultor Geoffroy Dechaume les convenció para que fueran a vivir a Valmondois (en Val d'Oise) donde su otro amigo, Corot, les prestó una pequeña casa en el centro del pueblo; allí falleció Daumier.

martes, 17 de noviembre de 2009

Kauffmann,Angelica



Maria Anna Angelika/Angelica Katharina Kauffmann (30 de octubre de 1741 – 5 de noviembre de 1807) fue una pintora suizo-austriaca.

Nació en Chur (Cantón de los Grisones, Suiza), pero creció en Schwarzenberg en Vorarlberg (Austria), de donde era oriunda su familia. Su padre, Johann Josef Kauffmann, era pobre y un pintor bastante mediocre, pero aparentemente muy bueno enseñando a su precoz hija. Pronto aprendió varios idiomas, leía incesantemente, y mostraba un destacado talento como música. Su mayor progreso, no obstante, era en pintura; y al cumplir los doce años se había hecho famosa, de tal manera que obispos y nobles posaban para ella. En 1754 su padre se la llevó con él a Milán. Posteriormente se repitieron más visitas a Italia, de larga duración: en 1763 visitó Roma, regresando de nuevo en 1764. De Roma marchó a Bolonia y Venecia, siendo festejada en todos los lugares a los que iba, tanto por su talento como por su encanto personal.

En agosto de 1764 Winckelmann escribió desde Roma a su amigo Franke, y menciona la excepcional popularidad de la pintora. Estaba entonces Angelica pintando su retrato, de medio cuerpo, del que también hizo un aguafuerte. Hablaba italiano, además de alemán, dice Winckelmann; e igualmente se expresa con facilidad en francés e inglés, y como resultado de este último talento era una retratista popular entre los ingleses que visitaban Roma. «Puede considerársela bella», añade, «y cantando puede igualarse a nuestros mejores virtuosos».

Estando en Venecia, Lady Wentworth, la esposa del embajador inglés, le pidió que la acompañase a Londres. Una de sus primeras obras fue un retrato de David Garrick, expuesta el año de su llegada en el «gran salón del Sr. Moreing en Maiden Lane». El rango de Lady Wentworth le abrió las puertas de la sociedad, y fue bien recibida en todas partes, mostrándole especialmente un gran favor la familia real.

Su amigo más fiel, sin embargo, fue Sir Joshua Reynolds. En su cuaderno de notas, aparece con frecuencia el nombre de la pintora, como Miss Angelica o Miss Angel, y en 1766 él la pintó, un cumplido que ella devolvió con su Retrato de Sir Joshua Reynolds. Otra prueba de su intimidad con Reynolds se encuentra en su variación de la obra de Guercino titulada Et in Arcadia ego, un tema que Reynolds repitió unos años más tarde en su retrato de la Sra. Bouverie y la Sra. Crewe.

Cuando, alrededor de noviembre de 1767, ella fue cogida en una trampa para casarse clandestinamente con un aventurero que pasaba por ser un conde sueco (el Conde de Horn), Reynolds ayudó a liberarla. Es sin duda alguna debido a los buenos oficios de Reynolds que Angelica fuese una de las fundadoras de la Royal Academy, estando entre los firmantes de la famosa petición al rey para que estableciera una Academia Real de Pintura y Escultura. En su primer catálogo de 1769 ella aparece con «R.A.» después de su nombre (un honor que compartió con otra mujer, Mary Moser); y contribuyó con Entrevista de Héctor y Andrómaca, y otras tres composiciones clásicas.

Su amistad con Reynolds fue criticada en 1775 por el académico Nathaniel Hone en su cuadro satírico El prestidigitador, en el que atacaba la moda del arte renacentista italianizado; ridiculizaba a Reynolds, e incluía una caricatura desnuda de Kauffmann, más tarde Hone pintó por encima. La obra fue rechazada por la Royal Academy.

Desde 1769 hasta 1782, Angelica exhibió sus pinturas en la exposición anual, enviando a veces hasta siete cuadros, generalmente con temas clásicos o alegóricos. Una de las más notables fue Leonardo expirando en los brazos de Francisco I 1778. En 1773 fue escogida por la Academia, con otros, para decorar la Catedral de san Pablo, y fue ella quien, con Biagio Rebecca, pintó la antigua sala de lectura de la Academia en Somerset House.

Sus mejores trabajos eran los de pintura de historia, la categoría más lucrativa dentro de la pintura académica del siglo XVIII. Bajo la dirección de Sir Joshua Reynolds, la Academia hizo un gran esfuerzo para promocionar la pintura de historia entre un público, el inglés, que estaba más interesado en encargar y comprar retratos y paisajes. A pesar de la popularidad que Kauffmann disfrutaba en la sociedad inglesa y su éxito como artista, estaba decepcionada por la relativa apatía que los ingleses sentían hacia la pintura de historia. Al final, abandonó Inglaterra y marchó al continente, donde este género estaba mejor establecido, estimado y pagado.

Es probable que su popularidad declinase un poco como consecuencia de su desafortunado primer matrimonio; pero en 1781, después de la muerte de su primer marido (del que estuvo separada durante largo tiempo), se casó con Antonio Zucchi (1728–1795), un artista veneciano por entonces residente en Inglaterra. Poco después ella se retiró a Roma, donde se hizo amiga, entre otros, de Johann Wolfgang von Goethe, quien dijo que ella trabajaba más duro y lograba más que ningún otro artista que él conociese, pero siempre impaciente, quería hacer más (Viaje italiano de Goethe, 1786-1788) y vivió durante 25 años con gran parte de su antiguo prestigio.

En 1782 murió su padre; y en 1795 su marido. Siguió contribuyendo a la Academia de manera intermitente, exponiendo por última vez en 1797. Después de esto es poco lo que produjo, y en 1807 murió en Roma, siendo honrada con un espléndido funeral dirigido por Canova. Toda la Accademia di San Luca, con numerosos eclesiásticos y virtuosos, la siguieron hasta su tumba en San Andrea delle Fratte, y, como en el entierro de Rafael, dos de sus mejores pinturas fueron llevadas en procesión.

Valoración y crítica

Las obras de Angelica Kauffmann no han conservado su reputación. Tenía cierto talento para la gracia, y considerable habilidad en la composición. Pero sus figuras carecen de variedad y expresión; y sus hombres son mujeres masculinas (merece la pena destacar que, en aquella época, las artistas femeninas no tenían acceso a modelos masculinos). Su colorido, sin embargo, queda bastante bien definido por Gustav Friedrich Waagen como «alegre». En 1911 podían verse habitaciones decoradas por su pincel en varios alojamientos. En Hampton Court había un retrato de la duquesa de Brunswick; en la National Portrait Gallery, un autorretrato (NPG 430). Otros cuadros suyos se conservan en París, Dresde, en el Hermitage en San Petersburgo, y en la Alte Pinakothek de Múnich. El cuadro de Múnich es otro autorretrato; y hay un tercero en la Galería de los Uffizi en Florencia. Unas pocas obras suyas en colecciones privadas se exponen entre los Antiguos Maestros en Burlington House. Pero quizá sea conocida sobre todo por los numerosos grabados a partir de sus dibujos hechos por Schiavonetti, Bartolozzi y otros. Los de Bartolozzi especialmente aún encuentran un favor considerable entre los coleccionistas.

Charles Willson Peale (1741-1827), artista, patriota y fundador de una de las principales dinastías artísticas de los Estados Unidos, puso a sus hijos nombres de grandes artistas europeos, incluyendo a una hija, Angelica Kauffman Peale. Su vida fue escrita en 1810 por Giovanni de Rossi. También se ha usado como inspiración para una novela romántica de Leon de Wailly (1838) y provocó la encantadora novela con la que la Sra. Richmond Ritchie contribuyó a la revista Cornhill Magazine en 1875 titulada Miss Angel.

En 2007 el correo austríaco emitió un sello postal coincidiendo con el 200 aniversario de su fallecimiento, ilustrado con su Selbstbildnis in Wäldertracht ('Autorretrato con traje típico de Vorarlberg') de 1781, que se encuentra actualmente en el Museo Provincial del Tirol (Tiroler Landesmuseum Ferdinandeum), en Innsbruck.

No debe ser confundida con la pintora Angelika Kaufmann, que nació en 1935 en Carintia, Austria.

martes, 10 de noviembre de 2009

Roberto Aizenberg




Roberto Aizenberg, Bobby, (n. 22 de agosto de 1928 en Federal, Entre Ríos; m. 16 de febrero de 1996 en Buenos Aires) pintor y escultor considerado como el más importante surrealista de la Argentina. Es representado por la galeria Ruth Benzacar.

Roberto Aizenberg era hijo de un inmigrante ruso judío que se estableció en las colonias judías de Entre Ríos, en la localidad de Villa Federal, ahora conocida como Federal. Cuando tenía 8 años su familia se mudó a la ciudad de Buenos Aires, en el barrio de La Paternal. Allí realizó sus estudios secundarios en el Colegio Nacional Buenos Aires. Comenzó la carrera de arquitectura pero la abandonó para dedicarse a la pintura.

Sus comienzos fueron como alumno de Antonio Berni y luego más tarde conJuan Batlle Planas, quien le inculca el surrealismo, en la década del '50.




En 1969 el Instituto Torcuato Di Tella realizó una importante exposición retrospectiva de su obra (dibujos, collages, pinturas y esculturas).

Poco antes comenzó a convivir con la periodista y escritora Matilde Herrera y sus tres hijos. Luego de producido el golpe militar que dio origen a la dictadura conocida como Proceso de Reorganización Nacional, en 1976 y 1977, fueron secuestrados los tres hijos de su compañera y sus respectivas parejas; una de ellas, Valeria Belaustegui, estaba embarazada. Todos permanecen desaparecidos.

En 1977, a causa de la dictadura argentina de 1976-1983 debió exilarse en París. Una vez recuperada la democracia, volvió a Buenos Aires en 1984.

Murió en Buenos Aires el 16 de febrero de 1996 cuando preparaba una gran exposición retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes.


Obra

Aizenberg, como Giorgio de Chirico, admiraba la arquitectura, la idea de construcción, y en especial la arquitectura del Renacimiento. Su obra está permanentemente influida por esta fascinación sobre la que reflexionaba:

Me interesa mucho la arquitectura -me dijo-, todo lo que tiene que ver con el espacio tridimensional y no sólo con el espacio pictórico... que es bidimensional.
La obra de Aizenberg muestra torres aisladas, ciudades vacías, edificios misteriosos y deshabitados, raras construcciones poliédricas.[1]

Utilizaba óleos de secado lento para obtener acabados perfectos, una gran densidad y un brillo fuera de lo común en sus obras. Laura Feinsilber habla del "rojo Aizenberg, verde Aizenberg, azul Aizenberg".

Aizenberg utilizaba una técnica de pintura en dos fases:

la primera, utilizando el automatismo, librándose al azar;
la segunda, excluyendo todo azar, seleccionando unos pocos bocetos de entre decenas y analizando la información generado por la fase automatista.
Prestaba una gran atención a los avances científicos referidos a los procesos cerebrales relacionados con la creación. Estudiaba apasionadamente textos sobre genética y psicología y mantenía extensas conversaciones con científicos como el biólogo Daniel Goldstein.

En este sentido Aizenberg decía:

Pienso que tomamos muy por encima, abordamos todas las actividades de la especie humana sin reflexionar que primero está la especie, el macroorganismo cuyos designios no conocemos, que a lo sumo podemos sospechar vagamente...
Aizenberg criticaba severamente la utilización de modelos en la enseñanza del arte. Para él, el modelo implicaba una "rigidez total, anacrónica, totalitaria, en el sentido de la dependencia del artista al modelo, a la autoridad del modelo, es la enseñanza del arte". El modelo, para Aizenberg, era lo opuesto a la libre expresión. Sostenía que la esencia del arte moderno era la ausencia de un modelo para copiar o de una realidad exterior que debía ser imitada.

La influencia de Juan Battle Planas fue fundamental para Aizenberg. Batlle era un artista inclasificable destacaba la importancia del surrealismo y el psicoanálisis, y ubicaba la pasión en el centro de la actividad del artista, con el fin de utilizar el automatismo energético como agente catalizador del inconsciente colectivo.

martes, 3 de noviembre de 2009

Pacecco de Rosa



Giovanni Francesco de Rosa, conocido como Pacecco de Rosa (Nápoles, 17 o 27 de noviembre de 1607 - Nápoles, 1656), fue un pintor italiano activo en Nápoles durante el Barroco, muy cercano al círculo filoespañol de artistas que rodeó a José de Ribera, el Spagnoletto.

Hijo de un pintor napolitano, Tommaso de Rosa, del cual casi nada se sabe, quedó huérfano pronto, casándose su madre en segundas nupcias con Filippo Vitale, también pintor, que enseñó a su ahijado los rudimentos del oficio.

No conocemos con certeza datos de su juventud. Su primera obra documentada San Nicolás de Bari y el niño Basilio, data de 1636, y ya le muestra como un artista maduro, influido por Domenichino, que había residido en Nápoles en 1631. La estancia de Artemisia Gentileschi en la ciudad (1627) también parece haber sido importante para el arte de Pacecco. Sus ricos colores y su talento en el uso de la luz parecen indicarlo así.

Sin embargo, todavía existe confusión a la hora de adjudicar autoría a muchas obras de Pacecco. El hecho de que trabajara conjuntamente en diversos encargos con su suegro Vitale dificulta la tarea. De Rosa estuvo a sueldo en su taller hasta la muerte del padrastro en 1650. No obstante, parece que el alumno sobrepasó al maestro y llegó a influir en sus últimas obras de manera notable. Pacecco modificó la estaticidad típica de las obras de Filippo Vitale y suavizó las los contornos de las figuras, dulcificando la dureza del maestro.

Parece que su primer fase artística está cercana a los principios caravaggescos del claroscuro, probablemente por influencia de Ribera, para después enriquecer su paleta con colores más brillantes y variados. A partir de 1630 su principal fuente de inspiración será la obra de su colega Massimo Stanzione.

La década de 1650 es la de plenitud como artista. Sin embargo, el hecho de mantener un activo taller con numerosos ayudantes repercutirá en la calidad de su trabajo, que se industrializará en exceso. No obstante, datan de esta época de madurez algunos de los más ambiciosos encargos públicos, que ejecutó con brillantez.

Aunque no consta evidencia documental, parece que De Rosa pereció junto con su familia en la espantosa epidemia de peste que asoló Nápoles en 1656.

Alumno suyo fue Filippo Donzelli. Su hermana Grazia contrajo matrimonio con otro pintor valenciano establecido en la capital napolitana.

viernes, 23 de octubre de 2009

Tanning, Dorothea



Dorothea Tanning nace en 1912 en Galesburg (Illinois,Estados Unidos). Tras emprender sin terminarlos estudios artísticos, se instala en Nueva York en 1935.

Realiza unos dibujos publicitarios, pero Dorothea Tanning tiene una verdadera ‘revelación’ cuando visita la exposición ‘’Arte fantástico, dada y surrealismo’’ en el MOMA en 1936, y queda atrapada por la explosión de sentimientos que le produce, y decide sumergirse por completo en el arte surrealista, realizando magníficas pinturas llenas de símbolos y con una fuerte carga erótica.

Se relaciona con los surrealistas exiliados en Estados Unidos durante la segunda guerra mundial y se vuelve la compañera sentimental de Max Ernst en 1942, y finalmente su esposa en 1946, parece ser que se enamoraron en una partida de ajedrez...afición a la cual eran apasionados los dos.

En los años 40 realiza decorados y vestuarios para el Ballet de Balanchine. En 1955, Dorothea Tanning se lanza en la escultura; ejecuta unas esculturas paralelamente a su obra pictórica; crea humanóides extraños, mitad seres, mitad muebles, extraños fetiches de tela y piel que, según ella, son ‘’simbólicos de la violencia y de la ferocidad de los contactos’’.

Llega a París en 1953 y allí permanece durante casi veinte y ocho años, plasmando siempre su universo personal y femenino. En 1976 muere Max Ernst, y Dorotea decide irse a vivir Nueva York sin dejar de pintar y crear, siempre evolucionando y demostrando en cada nueva obra su extraordinario talento.

Dorothea Tanning vive y trabaja actualmente en Nueva York. Expone incansablemente su trabajo en manifestaciones colectivas o exposiciones personales. Su obra figura en las colecciones de los museos más prestigiosos, notablemente en Francia y en Estados Unidos

lunes, 12 de octubre de 2009

Magritte, René




René François Ghislain Magritte nació en Lessines, Bélgica 21 de noviembre de 1898.

Tras es suicidio de su madre en 1912 se trasladó a Charleroi, donde estudió el bachillerato y se entusiasmó con las películas de Fantomas. Cursó estudios en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. En 1922 se casa con Georgette Berger, una amiga de su juventud, quien le sirve de modelo.

Su primera exposición individual fué en Bruselas en 1927. Al año sigiuente participó en la primera exposición colectiva de los surrealistas en Paris, donde frecuentó el círculo surrealista, que incluyó a Jean Arp, André bretón, Salvador Dalí, Paul Eluard, y Joan Miró. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en el estilo que predominó a lo largo de su larga carrera. Vuelve a Bélgica en 1930.

Expone por primera vez en Nueva York en 1936, alcanzando fama mundial. Recibe el Premio Guggenheim en 1956. Visita Estados Unidos por primera vez en 1965, con ocasión una retrospectiva en el museo del arte moderno en Nueva York.



Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico.

Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas.

jueves, 1 de octubre de 2009

Vermeer, Johannes



Johannes Vermeer van Delft (bautizado en Delft, el 31 de octubre de 1632 - id. 15 de diciembre de 1675), llamado por sus contemporáneos Joannis ver Meer o Joannis van der Meer, es uno de los pintores neerlandeses más conocidos del Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro holandesa, en que su país experimentó un extraordinario florecimiento político, económico y cultural.

La obra completa de Vermeer es muy reducida, solamente 33-35 cuadros.

Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de subastas. Sus primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la fama gracias a su pintura costumbrista, que forma la mayoría de su producción. Sus cuadros más conocidos son Vista de Delft y La joven de la perla. En vida fue un pintor de éxito moderado. No tuvo una vida desahogada, quizá debido al escaso número de pinturas que producía, y a su muerte dejó deudas a su esposa y once hijos.

Prácticamente olvidado durante dos siglos, a partir de mediados del siglo XIX, la pintura de Vermeer tuvo un amplio reconocimiento. William Thoré-Bürger contribuyó a la consagración de Vermeer con unos artículos periodísticos muy elogiosos.

Actualmente está considerado uno de los más grandes pintores de Holanda. Es particularmente reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz.

En sus últimos años de vida empeoraron sus condiciones económicas, teniendo que pedir créditos. A causa de la Guerra Franco-Holandesa iniciada en 1672, no pudo vender más cuadros. Según una carta del 30 de abril de 1676 de Catharina Bolnes pidiendo el perdón de parte de sus deudas, comentaba que su marido tuvo que vender cuadros con los que comerciaba durante la Guerra a menor precio de su valor.[5]

En 1675, Vermeer enfermó y murió a los pocos días. El 15 de diciembre de 1675 fue enterrado en el sepulcro familiar de la Oude Kerk (Iglesia vieja, en español) en Delft. Su mujer tuvo que renunciar a su herencia para anular las deudas y sus bienes fueron a parar a los acreedores.

sábado, 26 de septiembre de 2009

Etapa azul y rosa de Pablo Picasso




Sus primeras etapas corresponden al figurativismo. En la denominada época azul domina un sentimiento patético, expresado con una monocromía que posiblemente se inspiró en ideas debatidas en la tertulia modernista barcelonesa de "Els Quatre Gats". Instalado en París, se inclinó decididamente por la monocromía azul para destacar la melodía de las líneas en un muestrario de personajes dolientes. El Picasso de veinte años parece conmovido por el sufrimiento y retrata un mundo de mendigos y ciegos de cuerpos escuálidos y cabezas vencidas.

En la siguiente etapa, la época rosa, combina poco a poco los tonos más amables para plasmar el mundo del circo con sus juglares y saltimbanquis. Si se compara La comida frugal de la época azul con los retratos o escenas de circo correspondientes a la época rosa, se percibe, más allá de las diferencias entre la tristeza compasiva y una cierta serenidad aceptada, la profundización en la observación del hombre y los ambientes sociales. Su vida en el "Bateau Lavoir" parisino tuvo la misma intensidad que la de los cenáculos modernistas barceloneses, y esas vivencias se llevaron a la tela.

segun él propio artista, son el principio de la época azul; tambien repite el motivo de homenaje a Casagemas en una de las mejores obras de esta etapa, "La vida", en la cual aparece como la figura principal en lo que iba a ser un autorretrato del malagueño, tal y como podemos observar en los bocetos previos a este cuadro.

A pesar de las acusaciones de John Richardson (el último de los "biografos oficiales" de Picasso), hacia los críticos que encuentran en la época azul influencias por parte de Isidre Nonell como "orgullosos chovinistas catalanes", que según él, "no pueden encontrar fundamento en estas influencias", lo cierto es que no solo fué la pintura de Nonell, sino la de Paul Gauguin y Emile Bernard la que inspiraron esta época. Cada pintor no ejerció una influencia definitiva, pero esta es incuestionable.

Este es el primer periodo de madurez del artista, aunque no hay ninguna referencia posterior dentro de su propia obra a esta etapa, a diferencia de por ejemplo la época rosa, cuyos temas fueron mas o menos tratados a lo largo de sus prolíficos años de carrera; no obstante en estos años pintó sus primeras obras maestras, como "La celestina", "Pobres a orillas del mar" o "El viejo guitarrista ciego" y "El viejo judío".

jueves, 17 de septiembre de 2009

VIDEO: Leonor Fini

domingo, 13 de septiembre de 2009

Rossetti Dante, Gabriel





Dante Gabriel Rossetti (Londres, 12 de mayo de 1828 – Birchington-on-Sea, Kent, 10 de abril, 1882) fue un poeta, ilustrador, pintor y traductor inglés.

Hijo de un erudito emigrado italiano, Gabriele Rossetti, D. G. Rossetti nació en Londres, Inglaterra y recibió el nombre de Gabriel Charles Dante Rossetti. Su familia y amigos lo llamaban "Gabriel", pero en sus publicaciones ponía primero el nombre de Dante, debido a sus resonancias literarias. Era hermano de la poetisa Christina Rossetti y del crítico William Michael Rossetti, y fue uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita, junto con John Everett Millais y William Holman Hunt.

Desde muy temprana edad, mostró un gran interés en la literatura. Como todos sus hermanos, aspiraba a ser poeta. Sin embargo, también deseaba pintar, habiendo mostrado un gran interés en el arte italiano medieval. Estudió con Ford Madox Brown, con quien mantuvo una estrecha relación a lo largo de su vida. Estudió idiomas en el King’s College y posteriormente en la Royal Academy.


Dante Gabriel Rossetti
Retrato hecho por William Holman Hunt (1853).Después de la exposición de la obra de Holman Hunt La víspera de Santa Inés, Rossetti buscó la amistad de Hunt. La pintura ilustraba un poema de un autor por entonces poco conocido, John Keats. El primer poema de Rossetti, The Blessed Damozel era una imitación de Keats, así que creyó que Hunt podría compartir sus ideales artísticos y literarios. Juntos desarrollaron la filosofía de la Hermandad de los prerrafaelitas. Rossetti estuvo siempre más interesado en la parte medieval del movimiento que en la moderna. Estaba publicando traducciones de Dante y otros poetas italianos medievales, y su arte también buscaba adoptar el estilo de los primitivos renacentistas italianos.

Las primeras grandes pinturas de Rossetti muestran algunas de las cualidades realistas del movimiento prerrafaelita temprano. En 1849 pinta su primer lienzo inspirado en los antiguos pintores italianos, La infancia de la Virgen. Al año siguiente pinta Ecce ancilla Domini!, una representación de la Anunciación que exaltaba la pureza. Es una interpretación moderna de la Virgen María y de la Anunciación, en la que María es representada como una adolescente indiferente y atemorizada, pálida no tanto por candor espiritual cuanto por consunción. Destaca el uso del cabello pelirrojo, señal de sensualidad para el decadentismo y el simbolismo. La presencia del lirio y de la cortina azul entre los tonos blancos son elementos ulteriores que añaden contenido simbólico a la pintura. Su obra es intensamente mística y primitiva, acercándose al eclecticismo de los nazarenos alemanes. Su pintura incompleta Found (1854) fue la única dedicada a la vida moderna. Representaba a una prostituta, sacada de la calle por un pastor que era su antiguo enamorado. Sin embargo, Rossetti progresivamente prefirió imágenes simbólicas y mitológicas a las realistas. Esto también puede predicarse de su poesía posterior.

Aunque lo apoyó John Ruskin, las críticas que en el año 1850 recibieron sus pinturas hicieron que se retirara de las exposiciones públicas y se dedicara sobre todo a la acuarela, que podían venderse en privado. Tomaba como asunto preferido los textos de Dante, en particular de laVida nueva, que había traducido al inglés, y de la La muerte de Arturo de sir Thomas Malory. Sus visiones de las historias artúricas y del diseño medieval también inspiraron a sus nuevos amigos de aquel tiempo, como William Morris y Edward Burne-Jones.

Estas tendencias se acrecentaron debido a ciertos acontecimientos de su vida privada, en particular por la muerte de su esposa, Elizabeth Siddal, quien se suicidó ingiriendo láudano después de dar a luz a un niño muerto. Rossetti cayó en la depresión y enterró la mayor parte de sus poemas inéditos en la tumba de su esposa, en el cementerio de Highgate. Idealizó su imagen como la Beatriz de Dante en un buen número de pinturas, como El sueño de Dante ante la muerte de su amada (1856) y en Beata Beatrix (1863), obra que marca el camino del pintor hacia una mayor ornamentación y simbolismo; esta pintura alegórica alude a la muerte de su mujer. Representa a Elizabeth en una pose lánguida y sensual, con su cabello rojo natural recogido en un peinado deshecho; sobre sus manos se está posando una paloma roja, símbolo de espiritualidad, que porta en el pico una ramita alusiva al láudano. A sus espaldas, una escena difusa representa a dos personajes, quizá Dante y Virgilio. El complejo simbolismo del retrato es aún fuente de debate entre los críticos.

Dejó la Hermandad Prerrafaelita en 1863, pero mantuvo su mismo estilo pictórico en obras posteriores: La novia (1865), La mujer de la ventana, El vestido de seda azul (1868), May Morris (1872), La doncella herida (1879), Ensueño (1880), La pía (1881) y Juana de Arco (1882). Monna Vana (1866) es el arquetipo de la feminidad decadente, el sujeto de la pintura es una mujer de belleza sensual y andrógina que se cepilla el pelo rojo rodeada de composiciones florales. La rosa es la flor decadentista por excelencia. Pintó varias veces el mito de Proserpina o Perséfone, raptada por el Hades, dios de los infiernos y que tuvo que liberarla, pero con la condición de que no comiera nada en el regreso; Hades la engañó para que comiese seis semillas de granada, fruto de los muertos, que la obligaban a volver seis meses cada año, uno por cada semilla. La diosa es representada según un canon común al romanticismo y al simbolismo: la mezcla de belleza y muerte se indica con el pelo negro y una pose sensual de mujer fatal. En su mano, la granada alude al mito y también, en clave simbólica, a la muerte y la sangre.

Su pintura influyó en el desarrollo del movimiento simbolista europeo. Rossetti representaba a las mujeres obsesivamente estilizadas. Tendía a retratar a su nueva amante, Fanny Cornforth como el epitome del erotismo físico, mientras que otra de sus amantes, Jane Burden, esposa de su socio de negocios William Morris, la idealizaba como una diosa etérea.

Durante este tiempo, Rossetti empezó a obsesionarse con animales exóticos, y en particular con los wombats. Con frecuencia pedía a sus amigos que se encontraran con él en la “Guarida del wombat”, en el zoo de Londres en Regent's Park, y allí pasaría muchas horas. Finalmente, en septiembre de 1869 adquirió su primera mascota de wombat. Este, que vivió poco tiempo y al que llamó “Top”, a menudo lo llevaba a la mesa, y se le permitía dormir en el centro de la mesa durante las comidas. De hecho, se dice que inspiró al lirón de Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll.

Los amigos de Rossetti consiguieron que exhumara los poemas de la tumba de su esposa y los publicara: Poems (Poemas, 1870); fueron muy controvertidos y atacados como el epítome de la “escuela de la poesía carnal”. Ofendía su erotismo y sensualidad. Un poema, Nuptial Sleep (Sueño nupcial), describía a una pareja que se quedaba dormida después del sexo. Esta era parte de la secuencia de sonetos de Rossetti The House of Life (La casa de la vida), una serie de poemas que trazaban el desarrollo físico y espiritual de una relación íntima. Rossetti describe la forma de soneto como el “monumento al momento”, pues busca contener los sentimientos de un momento fugaz, y reflejar su significado. Este fue el mayor logro literario de Rossetti. En 1881 publicó Ballads and Sonnets (Baladas y sonetos). Rossetti también típicamente escribió sonetos para sus pinturas, tales como Astarte Syriaca. Como diseñador, trabajó con William Morris para producir imágenes para vidrieras y otros elementos decorativos.

Hacia el final de su vida, Rossetti cayó en estado mórbido, oscurecido por su drogadicción y su creciente inestabilidad mental, posiblemente empeorada por su reacción a los salvajes ataques de la crítica sobre su poesía desenterrada (1869). Pasó sus últimos años retirado, como un recluso. Murió en Birchington-on-Sea, Kent, Inglaterra.

sábado, 5 de septiembre de 2009

Bartolomé Esteban Murillo



Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 31 de diciembre de 1617 – Cádiz, 3 de abril de 1682) fue un pintor español del siglo XVII. Es una de las figuras más importantes de la pintura barroca española que, tras haber decaído en estimación a principios del siglo XX, vuelve a gozar de importante reconocimiento mundial.

Nació en 1617 en la ciudad de Sevilla. Fue bautizado en la parroquia de Santa María Magdalena de la ciudad de Sevilla. Fue el menor de catorce hermanos. Su padre era un cirujano barbero llamado Gaspar Esteban, siendo por tanto Esteban su primer apellido. Su madre se llamaba María Pérez Murillo, de quien tomó el apellido para firmar su obra, como hizo Velázquez. Al morir sus padres cuando tan sólo tenía 10 años, pasa al cuidado de una de sus hermanas mayores, Ana, casada con un barbero cirujano, Juan Agustín de Lagares, con quien el joven Bartolomé mantendría muy buena relación.

Primeros años

Aunque por influencia de su padre ya era aficionado al dibujo, Murillo se formó en el taller de su pariente Juan Castillo, respetado artista en Sevilla, donde pronto comenzó a destacar de entre sus discípulos. Llegó a pasar allí cinco años, siendo uno de sus compañeros de taller el pintor granadino Alonso Cano. Para aportar algún dinero a la casa, a los 14 años de edad pintaba pequeños cuadros, o bien hacía dibujos para las comunidades religiosas.

A los 22 años Murillo decidió establecer un taller de pintura barata que le permitía vender cuadros sobre todo en las ferias de los pueblos, pero a pesar de que se vendían bien, esto no terminaba de satisfacer al artista, tanto es así que tras conocer copias de Antoon van Dyck, traídas a Sevilla por Pedro Moya, surgió en él un fuerte deseo de perfeccionar su pintura. Aunque no se conoce que viajara al extranjero, conoció bien la pintura flamenca, debido entre otras cosas a la posible relevancia de Sevilla como importante ciudad comercial, ya que esto favoreció el conocimiento exterior. No obstante, Murillo tomó la resolución de abandonar su ciudad al menos por un tiempo; el inconveniente sería su situación económica, por lo que tras comprar una pieza de tela y hacerla trozos, pudo pintar en cada uno de ellos un cuadro que vendería a un mercader que embarcaba para Indias.

Se fue a Madrid y logró que Velázquez le abriera las puertas de los palacios reales de Madrid, Toledo y el Monasterio de El Escorial con lo que pudo admirar y copiar grandes pinturas de diferentes maestros, educándose y perfeccionándose de este modo; además, trabajó en el estudio de Velázquez, regresando finalmente a Sevilla cuando convino que realmente estaba preparado. En su ciudad natal causó sensación y admiración por su nueva forma de pintura, siendo entonces cuando comenzó a consagrarse verdaderamente como un pintor. Sus primeras obras están influidas por Zurbarán, Ribera, Alonso Cano, Rubens, Tiziano y Velázquez.

De gran realismo, aunque con un estilo que se estaba forjando a lo que sería después. Su obra fue adquiriendo importancia y evolucionó hacia un pintura suave de gusto burgués y aristocrático, como demuestran sus obras religiosas. Murillo se convirtió en un excelente pintor y poco a poco cimentó su fama.


Consolidación

En 1645 pintó trece lienzos para el claustro de San Francisco el Grande de Sevilla, que le proporcionaron un justificado renombre. Se casa ese mismo año con Beatriz Cabrera, con la que tendrá nueve hijos, cuatro de los cuales murieron en la epidemia de peste acaecida en Sevilla, en 1649.

A raíz de un par de cuadros que lleva a cabo para la Catedral de Sevilla, empezará a especializarse en los dos temas que más fama le han proporcionado, las vírgenes con niño y las Inmaculadas.


El mendigo o Joven mendigo h. 1650Tras una estancia en Madrid entre 1658 y 1660, en este último año, intervino en la fundación de la Academia de Pintura, cuya dirección compartió con Herrera el Mozo. En esa época de máxima actividad recibió importantes encargos, como el retablo del Monasterio de San Agustín; los cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en 1665; las pinturas para el retablo mayor y los altares de las capillas laterales de la Iglesia del Convento de Capuchinos de Sevilla, uno de sus más importantes conjuntos pictórico, y Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna también para los capuchinos de Sevilla; o los cuadros sobre las obras de misericordia para el Hospital de la Caridad.

Las pinturas de la Iglesia de los Capuchinos de Sevilla fueron salvadas de la invasión francesa y restauradas por el pintor sevillano Joaquín Bejarano. En agradecimiento, los frailes le regalaron la pieza que presidía el retablo mayor, El Jubileo de la Porciúncula, actualmente en el Museo Wallraff-Fichard de Colonia, escena que ha sido sustituida por la Inmaculada llamada La Colosal, que Murillo realizara hacia 1650 para el convento sevillano de San Francisco.

En la zona inferior del retablo se situaba la Santa Faz y sobre ésta La Virgen de la Servilleta. En los laterales del cuerpo bajo se encontraban a la izquierda las Santas Justa y Rufina, prototipos de belleza popular sevillana, y a la derecha San Leandro y Santa Buenaventura, patronos de Sevilla. En el segundo cuerpo se situaban a la derecha San José con el Niño y a la izquierda San Juan Bautista.

En el ático figuraban San Antonio con el Niño y San Félix de Cantalicio con el Niño, ambas en formato de medio luneto que posteriormente fue transformado a rectagular. El retablo se halla actualmente en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.

Murillo destacó también como creador de tipos femeninos e infantiles: del candor de La muchacha con flores al realismo vivo y directo de sus niños de la calle, pilluelos y mendigos, que constituyen un prodigioso estudio de la vida popular.

Después de una serie dedicada a la Parábola del hijo pródigo, se le encomendó la decoración de la iglesia del convento de los capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los Desposorios de santa Catalina, ya que falleció mientras trabajaba en ella, a consecuencia de una grave caída desde un andamio, aunque no en el acto, ya que sobrevivió al accidente unos meses más.

A petición del propio pintor, el día 4 de abril de 1682 (un día después de su muerte) fue enterrado en la primitiva Iglesia de Santa Cruz, iglesia que desapareció durante la ocupación francesa; y aunque más tarde volvería a ser levantada una nueva, el solar de la antigua es ocupado hoy día por la Plaza de Santa Cruz, bajo la cual, y en lugar ignorado, descansan los restos de Bartolomé Esteban Murillo.

jueves, 27 de agosto de 2009

Fini, Leonor



Leonor Fini (Buenos Aires; 30 de agosto de 1908 - París; 18 de enero de 1996); pintora surrealista argentina.

Nació en Buenos Aires, hija de madre italiana y padre argentino. Su padre abandonó a la familia cuando Leonor era aún una niña. Creció en Trieste y más tarde se trasladó a París para convertirse en pintora.



En la capital francesa entró en contacto con otros artistas como Paul Éluard, Henri Cartier-Bresson, Max Ernst y Salvador Dalí. Pintó diversos retratos como los de Jean Genet, Anna Magnani o Suzanne Flon. También se dedicó al diseño de vestuario y decorados para obras de teatro. Muchas de sus últimas pinturas juegan con las fantasías eróticas y la muerte.

En la década de los años 70 escribió tres novelas y se hizo amiga de Jean Cocteau, Giorgio de Chirico y Alberto Moravia.

Fini fue también una destacada ilustradora y realizó ilustraciones para obras de autores como Edgar Allan Poe, Marcel Aymé o el marqués de Sade. Durante muchos años estuvo rodeada de grandes amigos como Lepri, gran pintor surrealista y Cots Jelensky, escritor polaco. Su vida era organizada por un español, catalán de adopción y parisino por su trabajo, se llamaba Rafael Martínez.

Sin él nada existiría ya que se preocupó de recopilar y guardar sus obras así como organizar exposiciones y todo tipo de actos tanto en vida de leonor Fini como después de su muerte. Desgraciadamente murió unos años después dejando inacabada su labor y truncándose sus ilusiones que eran crear una fundación sobre Leonor Fini. esta pintora también pintó el logotipo de una tienda que existe en barcelona, Musonka.

viernes, 21 de agosto de 2009

Sorolla y Bastida, Joaquín



Joaquín Sorolla y Bastida, pintor español vinculado al Impresionismo, nace en Valencia en 1863, cuando el movimiento en Francia estaba en pleno apogeo. Sus pinturas por tanto son tardías, pero en ellas reúne las principales características impresionistas como el gusto por el aire libre, la búsqueda de lo momentáneo, de lo fugaz, la captación de los efectos de la luz, la ausencia del negro y de los contornos y las pinceladas pequeñas y sueltas.

Cuando tenía dos años de edad sus padres fallecieron a causa de una epidemia de cólera y son sus tíos maternos quienes se ocupan de él y de su hermana Concha.

Inició sus estudios artísticos con el escultor Cayetano Capuz y después recibió una formación académica en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos. Desde muy joven se aficionó a pintar al aire libre y al empleo de tonos claros y luminosos influido por Pinazo.

En 1884 se presentó al concurso convocado por la Diputación Provincial de Valencia para ser pensionado en Roma. Obtiene la pensión gracias a un cuadro de historia, El grito del Palleter. De ahí se trasladará a París con su amigo el pintor Pedro Gil, donde entra en contacto con el Impresionismo.

Prorrogada su pensión por un año, en 1888 contrae matrimonio con Clotilde García, su mejor modelo y compañera, y se establecen en Asís.

En 1889 se instalan en Madrid, donde comenzó una trayectoria profesional llena de éxitos. De este periodo destacan obras de crítica social, que son demandadas en los certámenes oficiales.

Sorolla viajará por distintas regiones de la geografía española para pintar diferentes paisajes. Se interesó por la ferocidad del mar cantábrico, tan diferente de su mediterráneo. Instantánea de Biarriz, Rompeolas, San Sebastián o Bajo el toldo, playa de Zarauz.

Su popularidad se extendió por toda Europa, realizando exposiciones en París, Berlín, Colonia, Londres y finalmente en varias ciudades de Estados Unidos.

En Noviembre de 1911 firmó un encargo para la Hispanic Society of America para realizar catorce murales que decorarían las salas de la institución. Son representaciones de las gentes y costumbres de las diversas regiones de España. Sorolla se enfrenta a un proyecto mural de proporciones gigantescas. Viajó constantemente por todo el país buscando lo más peculiar de su indumentaria y sus costumbres.

En 1920 sufrirá un ataque de hemiplejía que lo deja invalido del lado izquierdo y tres años más tarde, en 1923, fallece en Cercedilla (Madrid). Por deseo de su viuda, Clotilde García del Castillo, la vivienda familiar y las colecciones que a ella pertenecieron fueron donadas al Estado Español para crear un museo en memoria de su marido.

jueves, 13 de agosto de 2009

Namatjira, Albert



Albert Namatjira (28 de julio de 1902 - 1959), llamado en un principio Elea Namatjira pero renombrado Albert tras su bautizo cristiano, fue un famoso pintor aborigen australiano de la tribu de los aranda.

Nació en Alice Springs y creció en la misión cristiana de Hermannsburg. Ya era un artista con talento antes de que el pastor Albrecht de la misión, le regalara en 1934 su primer equipo de pintura. En 1936 acompañó como guía al artista australiano Rex Battarbee en su viaje para pintar al cercano Palm Valley y allí es donde éste le enseñó la técnica de la acuarela. Bajo la tutela y apoyo de Battarbee desarrolló su técnica distintiva. Sus acuarelas de áridos paisajes del desierto, realizados al estilo occidental, llegaron a adquirir mucha fama y en su primera exposición de pintura, en Melbourne en 1938, se vendieron todos los cuadros. En 1957 le fueron otorgados los derechos de ciudadanía australiana completos, diez años antes de que toda la población aborigen del país los recibiera.





Hasta la década de los 80, gracias a una cierta abundancia de exposiciones, publicaciones y documentales sobre Namatjira, no se comenzó a reconocer que, aunque pintara con técnicas y materiales occidentales, estaba adaptando el simbolismo del paisajismo de occidente para sus propios propósitos culturales aborígenes. Su pintura está basada de un modo consistente en la tradición, mitología y entorno de los aranda. Así, por ejemplo, su utilización de tonos ocres se corresponde con los colores que utilizaran habitualmente sus mayores y pueden percibirse en su obra repeticiones de rocas y árboles similares como creación de símbolos eternos, propios de las concepciones espirituales de su cultura ancestral.

sábado, 8 de agosto de 2009

Carracci, Annibale



Annibale Carracci (Bolonia, 3 de noviembre de 1560-Roma, 15 de julio de 1609) fue un pintor y grabador italiano del clasicismo romano-boloñés. Es el más famoso de la saga Carracci. Se le ha considerado el rival de Caravaggio, pues encarnó una opción artística opuesta a la de aquél.

En la Bolonia de principios de los años 1580, su hermano mayor Agostino Carracci junto con el primo de ambos, Ludovico Carracci, abrieron la academia de pintores de Desiderosi (Deseosos de fama y aprender), que posteriormente se llamó la Academia de los Incamminati (Progresistas) y finalmente la Escuela de los Eclécticos. El principal objetivo de los tres Carracci fue renovar la pintura, que entendían que había degenerado durante el Manierismo y que también veían en peligro por el naturalismo de Caravaggio, al que algunos apodaban «Anticristo del arte».

Los Carracci pusieron un énfasis especial en el dibujo, frente a los diseños sin boceto previo, aparentemente descuidados, de Caravaggio. Su estilo se mueve entre el énfasis por las formas sólidas, duras, típico de los artistas florentinos como Miguel Angel, y la atención veneciana al uso del color rico y muy matizado, con efectos atmosféricos. Estas cualidades combinadas se asociaron a partir de entonces a los artistas de la Escuela Boloñesa, incluyendo a los seguidores más prominentes de los Carracci: Domenichino y Reni. Sin embargo, en siglos posteriores arraigó el prejuicio de que los Carracci imitaban un clasicismo conservador opuesto a Tiziano.


Cupido junto a Venus descubierta por Adonis de Annibale Carracci (1595), Museo del Prado, Madrid.[1]Es difícil distinguir las contribuciones individuales de cada Carracci en muchas de las primeras obras, incluyendo frescos en el Palazzo Fava de Bolonia (c.1583-84), donde trabajaron juntos hasta 1595, cuando Annibale, ahora el más conocido, fue llamado a Roma por el Cardenal Odoardo Farnese para decorar la galería en el Palacio Farnesio (actual embajada de Francia), su obra maestra. Para dicho trabajo pidió la ayuda de su hermano Agostino Carracci, quien por desavenencias desistió pronto. Algunas partes secundarias fueron ejecutadas por Francesco Albani y algún otro.

Annibale cayó en una depresión hacia 1600, se dice que porque sus frescos en el Palacio Farnesio le fueron mal pagados y fríamente estimados. Posteriormente sufrió parálisis en un brazo, y tuvo que recurrir a ayudantes para sus encargos. En esos años se fechan sus murales en la iglesia de Santiago de los Españoles, en Roma; fueron terminados por ayudantes. Estos murales fueron arrancados de las paredes cuando la iglesia se vendió, y se conservan en medianas condiciones en el MNAC de Barcelona y el Museo del Prado de Madrid.

Annibale Carracci cuenta con una relevante presencia en España. El Museo del Prado posee el famoso cuadro Venus y Adonis, recientemente restaurado y considerado ahora mejor que el conservado en Viena. Destacan también La Asunción de la Virgen y un Paisaje con bañistas.

Al igual que Ludovico y Agostino, Annibale trabajó el grabado, lo cual era infrecuente entre los pintores italianos de primera línea, que solían recurrir a grabadores profesionales para difundir sus diseños en estampas. De su etapa de apogeo es el aguafuerte conocido como La Piedad de Caprarola (1597), luego repetido por Agostino. De sus últimos años, cuando ya no podía pintar grandes obras, son dos grabados: La Virgen de la escudilla y Cristo coronado de espinas, ambos de 1606.

jueves, 30 de julio de 2009

Fontana, Lavinia



Lavinia Fontana (24 de agosto de 1552-11 de agosto de 1614) fue una pintora italiana. Era hija del pintor Prospero Fontana, uno de los líderes de la escuela de Bolonia de la época, y enseñó a su hija.

Fontana se casó en 1577 y siguió pintando durante su matrimonio para ayudar a la familia. Su esposo se encargaba de la casa y asistía a su mujer. La familia se trasladó a Roma en 1603 por invitación del papa Clemente VII. Obtuvo el mecenazgo de los Buoncampagni.

Gradualmente fue adoptando el estilo clasicista de los Carracci contemporáneos de esta (y líderes de la escena artística bolognesa con su academia de postulados clásicos opuestos al Manierismo y al naturalismo de Caravaggio, a quienes se unieron posteriormente Guido Reni y Domenico Zampieri), con un colorido fuerte casi veneciano.

Se influenció también por Antonio Allegri da Correggio y Scipione Pulzone.

Fue elegida para la Academia de Roma.

sábado, 25 de julio de 2009

Pintura Romántica

En el siglo XIX se producen dos movimientos opuestos en la pintura:

Pintura neoclásica: se basa en la razón.
Pintura romántica: se basa en los sentimientos.
Los primeros años del siglo XIX estuvieron dominados por la vertiente neoclásica. El cambio se produjo cuando los filósofos alemanes, como Kant, empezaron a hablar de lo subjetivo y del sentimiento.

No hay una filosofía del romanticismo definida, ni tampoco cronología exacta. Es una consecuencia de una nueva sensibilidad y una nueva forma de ver la sociedad donde se aspira a nuevas formas de expresión y ya se han liberado las estructuras sociales en la que ese nuevo hombre que surge se asienta.

Además, hay una exaltación épica de las grandes victorias napoleónicas (ya que las derrotas finales no logran empañarlo). Como consecuencia surge el mito del hombre.

Los artistas y poetas se emocionan con la posibilidad de representar lo subjetivo, que puede ser la exaltación del héroe, o luego, con las derrotas, la exaltación del combatiente.

Por tanto, el arte romántico surge a consecuencia del giro y del cambio. Nace como un arte revolucionario, que aspira a conseguir cambios sociales, culturales, políticos...

Los pintores del Romanticismo más importantes son Teodoro Gericault y Delacroix

Teodoro Gericault

Teodoro Gericault atesora las características típicas del pintor romántico:

Es un artista disconforme con su entorno.
Tiene una personalidad melancólica.
Se encierra en la incomprensión, cayendo a veces en la locura.
Tiende a la crítica de lo que le rodea.
Gericault tuvo una infancia difícil. La revolución acrecentó este malestar, lo que despertó en él un carácter sensible.

Marchó a París a corta edad y allí asistió al taller de un pintor enteramente clasicista, con el que no se identificó.

Acudió a diferentes sesiones de París, donde descubrió a Goya, cuya técnica le fascinó y también admiró el tenebrismo de Caravaggio.

Una de sus principales obras es:

Retrato de un oficial de la Guardia Real a caballo
En esta pintura se produce la exaltación de la guerra. Utiliza una técnica bastante nueva ya que se rompe la estructura clásica. Pinta el caballo en diagonal hacia el fondo y muestra una indefinición del espacio pictórico que lo rodea. También le da mucha importancia al color.

En las obras de Teodoro Gericault tienen gran relevancia los caballos, ya que éstos representan una fuerza vital bruta, lo que sirve como vehículo para reconciliar la monumentalidad y la veracidad del arte clásico.

Dos años más tarde Gericault marcha a Italia. De esta época es su obra:

Muerte de Hipólito
Es una buena muestra de un momento de su vida especialmente tormentoso.

La estancia en Italia le da el conocimiento directo y admiración por Miguel Ángel y Rafael, de los que extrae sus desnudos escultóricos.

En Roma, toma su inspiración para representar fiestas populares de Roma, sobre todo el Carnaval, y siempre aparece el caballo como protagonista:

Carrera de caballos salvajes de Roma
El autor escoge el momento frenético en el que los caballos van a comenzar a correr.

Los esclavos tratando de parar la carrera de caballos
En esta pintura concilia lo que es un friso narrativo y las formas clásicas (como relieves en los cuerpos). Hay un gran movimiento.

La doma de los toros
Tiene las mismas características. El paisaje urbano se cambia por uno rural. Se representa el encuentro de la fuerza bruta del animal con el hombre (razón).

Gericault vuelve a París y se coloca en la oposición: critica el régimen de la Restauración, también en lo artístico. En este aspecto es en el que se acerca más a la forma de hacer de Goya.

El pintor, tiene una curiosidad insaciable por lo que ocurre a su alrededor, y tiene predilección por representar escenas violentas como forma de protesta.

La Balsa de Medusa
Gericault se inspira en un hecho real en el que por error del comandante de una embarcación se produce un naufragio. Por tanto, el tema es histórico y real.

¿Qué pretende Gericault con este cuadro? Denunciar públicamente la incompetencia de algunos oficiales que están apoyados desde el poder no sólo por amistad o por conveniencia, sino también por favoritismo.

Gericault escoge en esta pintura el momento en que la esperanza hace su aparición, ya que se vislumbra a lo lejos un barco y un hombre se levanta para hacer señales.

Otras obras suyas son Carrera de caballos y Paisaje de amanecer frío.

También realizó retratos, interesándole mucho por los tipos populares:

Bandolero
Pinta al bandolero con patillas, sombrero

El loco asesino
Es un retrato psicológico magnífico. Emplea tonalidades frías.


Delacroix

Delacroix es el pintor romántico por excelencia. Es la personalidad de un artista extraordinariamente culto, con buena fama en el ambiente artístico.

Fue el prototipo de artista inquieto cuyo valor se le fue reconocida en vida.

Se esforzó por mejorar los procedimientos pictóricos, la técnica de mezcla., etc.

Lo que mejor expresa es el intento de perfección con que Dante expresó el sentimiento profundo del dolor, del sentimiento exaltado...

Delacroix es el único pintor que representa en su época las pasiones de la época: liberalismo revolucionario, pesimismo byroniano, filohelenismo (pasión por Grecia) y orientalismo contemporáneo.
Algunas de sus obras son:

La barca de Dante
Abre un viaje interior en el que se adentra el autor.

La matanza de Quios
Cuadro en el cual repercuten las muertes de dos personajes importantes: Gericault y Byron.

Se trata de una composición bastante clásica en estructura, pero que se apoya mucho en el sentimiento. Se representan el poder (soldado turco a caballo), una mujer sin esperanza, una mujer con esperanza: la que medio muerta da de amamantar a su hijo para que sobreviva.

Esta obra supuso un escándalo para la crítica tradicionalista, pero un apoyo y punto de arranque para las siguientes generaciones.

Delacroix viaja a Inglaterra y allí se relaciona con Turner y Constable. Delacroix será punto de unión de la pintura francesa y el género del paisaje, donde se muestra la sensibilidad del autor hacia la naturaleza. También asiste a obras de teatro de Shakespeare.

Muere en la guerra su amigo Lord Byron, y este acontecimiento le inspira para crear su obra:

Grecia en pie sobre las ruinas de Missolonghi.
En él pinta una figura femenina simbólica que sale de la mina. También una mano sepultada entre las piedras (se dice que representa la del propio Byron).
Esta pintura sirve para representar un hecho histórico en clave de alegoría.

Cuando vuelve de Inglaterra hace cuadros de grandes dimensiones y muy diferentes:

Muerte de Sardanápalos
En este cuadro pinta al rey Sardanápalos que resiste el ataque encerrado con todas aquellas mujeres que habían sido sus favoritas. Se representan joyas, riquezas, desnudos, etc.

Este cuadro supuso un escándalo, pero a partir de él se convierte en el ídolo de los pintores jóvenes.

Decapitación del Dux de Venecia
Muestra en él la riqueza del escenario veneciano (parece que se inspira en Veronés). En esa pintura da una gran importancia a la luz y el color.

La libertad guiando al pueblo
Delacroix se convierte en el intérprete del liberalismo revolucionario. Quiere expresar la exaltación popular, que puso fin al régimen de la monarquía restaurada. El autor tiene hacia este tema un sentimiento importante: libertad como independencia nacional.



La mujer que representa la libertad hondea la bandera tricolor, que es símbolo de libertad y de Francia.

Además, sella la unión de los descamisados y de los burgueses.

Este cuadro no es una alegoría porque sólo es alegoría la figura de la libertad. Podríamos decir que es puramente realista. No hay símbolos ya que la libertad va vestida con ropajes corrientes, sin la espada simbólica.

sábado, 18 de julio de 2009

Jeroen Anthoniszoon van Aken "El Bosco"



Jeroen Anthoniszoon van Aken, llamado Hieronymus Bosch o Jeroen Bosch, (Bolduque h. 1450 - † agosto de 1516) fue un pintor flamenco. Firmó algunas de sus obras con Bosch (pronunciado como Boss en neerlandés). En español es conocido como El Bosco o Jerónimo Bosch; en italiano es a veces llamado Bosco di Bolduc (de Bosch y Bois le Duc, traducción francesa de 's Hertogenbosch = Bosque Ducal, ciudad natal del Bosco). Protagonista de sus cuadros es la humanidad, que incurre en el pecado y es condenada al Infierno; la única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos, a través de la imitación de sus vidas dedicadas a la meditación aunque estén rodeados por el mal, sea en las tablas con la Pasión de Cristo, a través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, para rescatar al género humano del pecado universal.

En los últimos años de su actividad, el estilo del Bosco cambió y creó cuadros con un número inferior de figuras y de mayor tamaño que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador. El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y sólo firmó algunos. El rey Felipe II de España compró muchas de sus obras después de la muerte del pintor; como resultado, el Museo del Prado de Madrid posee hoy en día varias de sus obras más famosas.

Nació probablemente alrededor de 1450, quizá el 2 de octubre en 's Hertogenbosch, una ciudad en el sur de lo que hoy son los Países Bajos, junto a Tilburg y por entonces en posesión del duque de Borgoña. Su familia, los Van Aken, procedía de Aquisgrán y se dedicaban a la pintura. El apellido familiar arcaicamente se escribía "van Aeken" (de hecho, en neerlandés el apellido se escribe "van Aken" ó "van Aeken", con 'v' minúscula). Aeken es el nombre en dialecto centroalemán de la ciudad de Aquisgrán (llamada en alemán normativo Aachen), de modo que el antiguo apellido familiar indicaba de qué lugar eran oriundos los 'van Aken'. Su padre era Anthonis van Aken, su abuelo Jan van Aeken y su hermano mayor Goossen van Aken. Al ser pintores, según el sistema medieval de estamentos, formaban parte del respectivo gremio. Esto es importante para entender por qué se hizo conocido como 'El Bosco' (en neerlandés:Den Bosch); a la muerte del padre, el hermano mayor fue el único con derecho para usar gremialmente el apellido van Aken (o cualquiera de sus variantes): así, Jeroen adoptó como nombre artístico el nombre abreviado de su ciudad natal, siendo asimismo latinizado su nombre, pasando a firmar como Hieronymus en lugar de Jeroen. Otros, en vez de esta complicada teoría defienden un origen catalán del mismo, Bosch es un apellido catalán de gran tradición, y el hecho de que Bosch suene "bosc", explicaría el porqué de "El Bosco". Ya en 1463 se verifica que utiliza el "apellido" Den Bosch, aunque hacia 1480 es bastante conocido en su país como "Jeroen Die maelre" (en neerlandés: "Jerónimo el pintor". Influenciado por pintores de la escuela alemana Martin Schongauer, Matthias Grünewald) y por Alberto Durero. Ese año, cerca de 4.000 casas de la ciudad fueron destruidas por un incendio catastrófico, que el treintañero Bosco podría haber visto. Nada se sabe de la primera formación artística, pero puede suponerse que aprendió en el taller familiar dedicado a la pintura al fresco, a dorar esculturas de madera y a la producción de objetos sacrados, trabajando especialmente para la catedral de la ciudad. En torno a 1480 se casó con Aleyt (o Aleid)van der Mervenne, hija del rico burgués Goyarts van der Meervenne, que aportó como dote algunos terrenos situados en Oorschot y le facilitó el ascenso social hacia la alta burguesía urbana. Esto le permitió gran libertad para elegir los temas de sus obras. En 1486 ingresó en la Vrouwe broederschap (cofradía religiosa de Nuestra Señora), corporación de gran prestigio e influencia, a la que ya pertenecía su esposa, posiblemente para protegerse de la inseguridad que se vivía en aquellos tiempos de inquisición. Esta cofradía era una asociación de laicos dedicados al culto a la Virgen y a obras de caridad, y también se involucraba en representaciones sagradas. Le sirvió para cultivarse artística y culturalmente. Vive en un ambiente de intensa devotio moderna.

En 1488 presidió el banquete anual de la confraternidad. Entre el año 1488 y el 1489, se sabe, por documentos, que pintó las alas de un políptico esculpido para esta misma confraternidad. El Bosco parece enmarcarse en una corriente mística prerreformista, que arranca de la obra de Eckardt, continuada por Suso y Taulero, difundida en los Países Bajos por el predicador Gerardo Grote, a quien se considera iniciador de la Devotio moderna. Entre el año 1500 y el 1504, no hay documentos referentes al Bosco, es probable que es estos años el artista hiciera un viaje a Italia, permaneciendo en Venecia. De hecho en esta ciudad están presentes muchas obras suyas en colecciones privadas datadas de los primeros decenios del siglo XVI. Por otro lado, a partir de estos años, el estilo del Bosco cambia, en dirección más renacentista con figuras monumentalis inscritas en un airoso paisaje. El 9 de agosto de 1516 se celebraron solemnes exequias por el pintor en la capilla de Nuestra Señora, perteneciente a la confraternidad, constando en los registros de la cofradía de Nuestra Señora de Bolduque en 1516: «Obitus fratrum Hieronimus Aquen alias Bosch, insignis pictor». La obra del Bosco influyó grandemente en la de Pieter Brueghel el Viejo, quien ejecutó varios cuadros de estilo similar, como por ejemplo el El Triunfo de la Muerte de 1562.

Pese a ser casi coetáneo de Jan Van Eyck, sus figuraciones y técnicas son notablemente diferentes. Técnicamente pintaba alla prima, es decir, con la primera pincelada de óleo, sin demasiados retoques ni pinceladas. Sin embargo, el análisis de cada una de sus obras demuestra que hacía un concienzudo y detallado proyecto antes de la ejecución; innova, asimismo, en la gama de colores, con tonalidades más contrastadas y atrevidas. En cuanto a la figuración, El Bosco se destaca por representar a personajes santos como sujetos comunes y vulnerables (total diferencia en esto con Van Eyck, y en cambio mucha similitud con Matthias Grünewald). Es tan patética la vulnerabilidad de los personajes santos representados que les hace queridos por empatía. Prácticamente todos los personajes que representa tienen algo de caricatura. Lo que quizás primero llama la atención de todo aquel que observa una obra de 'El Bosco' es su "surrealismo" -avant la lettre- sintetizado con el típico expresionismo teutónico. En sus obras abunda el sarcasmo y la imaginería de tipo onírico, y lo grotesco. Una de las explicaciones para esto es que 'El Bosco' aún se encuentra imbuido por la cosmovisión medieval repleta de la creencia en hechiceras, la alquimia, la magia, los bestiarios, los tesaurus, las hagiografías... Además, en el 1500 abundaron los rumores apocalípticos. Esto incide para que 'El Bosco' intente desde sus pinturas dar un mensaje moralista, si bien de un moralismo nada pacato sino, por el contrario, satírico; y si 'El Bosco', tiene mucho de medieval, por otra parte nos anticipa al humanismo de la Edad Moderna. Tras su muerte, el rey Felipe II, conociendo la colección que de las obras de 'El Bosco' había hecho Felipe de Guevara, se interesó por su obra, adquiriendo varias de sus pinturas; la atracción que Felipe II tenía por las obras de 'El Bosco' es curiosa: en su dormitorio del Monasterio de El Escorial mantenía al célebre Jardín de Las Delicias. Ha influido en pintores casi contemporáneos suyos, tales como Pieter Brueghel el Joven, y Pieter Huys. En el siglo XX es notorio su influjo en expresionistas como James Ensor, o surrealistas como Max Ernst y Dalí.

Las principales obras de El Bosco son:

- El Carro de Heno (Madrid, Museo del Prado).
- La Adoración de los Reyes (Nueva York, Museo Metropolitano de Arte).
- Ecce Homo (Fráncfort del Meno, Städelsches Kunstinstitut)
- Ecce Homo (El Bosco, Filadelfia), Museo de Arte de Filadelfia, Estados Unidos. Colección John G. Johnson
- El Jardín de Las Delicias (Madrid, Museo del Prado).
- Tríptico del Juicio de Viena (Viena, Academia de Bellas Artes)
- San Jerónimo en oración (Gante, Museum voor Schone Kunsten)
- Crucifixión con donante (Bruselas, Museos reales de Bellas Artes de Bélgica)
- La Coronación de espinas o Los Improperios (Londres, National Gallery)
- Tríptico de la Adoración de los Reyes (Madrid, Museo del Prado).
- Tríptico del Juicio de Brujas (Brujas, Groeningemuseum)
- San Juan Bautista en meditación (Madrid, Fundación Lázaro Galdiano)
- San Juan en Patmos (anverso) e Historias de la Pasión (anverso y reverso) (Berlín, Staatliche Museen zu Berlin, Preussischer Kulturbesitz, Gemäldegalerie)
- Cuatro postigos con la Visión del Más Allá: El Paraíso terrenal; la Ascensión al Empíreo; la Caída de los Condenados y El Infierno (Venecia, Palacio Ducal)
- Tríptico de los ermitaños o El retablo de los eremitas (Venecia, Palacio Ducal)
- El vendedor ambulante (Rotterdam, Museo Boymans Van Beuningen)
- La Nave de los locos (París, Museo del Louvre).
- La muerte de un avaro (Washington DC, Galería Nacional de Arte, col. Samuel H. Kress)
- Extracción de la piedra de la locura (Madrid, Museo del Prado).
- San Cristóbal (Rotterdam, Museum Boymans van Beuningen)
- Tríptico de la Mártir crucificada (Venecia, Palacio Ducal)
- Cristo con la cruz a cuestas (Madrid, Monasterio de San Lorenzo del Escorial)
- Cristo con la Cruz a cuestas (El Bosco, Gante) (Museo de Bellas Artes de Gante, Bélgica).
- La Adoración de los Reyes (Filadelfia, Philadelphia Museum of Art, col. John G. Johnson)
- Cristo con la cruz a cuestas (Viena, Kunsthistorisches Museum)
- Las Tentaciones de san Antonio (Madrid, Museo del Prado)
- Los siete pecados capitales (Madrid, Museo del Prado).
- Tríptico de las Tentaciones de san Antonio (Lisboa, Museu Nacional de Arte Antiga)
- El Prestidigitador (Saint-Germain-en-Laye, Museo Municipal)
- Tablas del Diluvio (Rotterdam, Museo Boymans van Beuningen)
- La Coronación de espinas (Madrid, Monasterio de San Lorenzo del Escorial

jueves, 2 de julio de 2009

Guayasamín,Osvaldo



Pintor ecuatoriano de origen indio, n. en Quito. Estudió en la Academia de Bellas Artes de la capital. Su pintura se ha sentido influida por las corrientes europeas del cubismo y por el muralismo mexicano, pero se ha impuesto en ella la personalísima visión del artista, con un grafismo de fuerte tensión dramática y un color poderoso. Son significativas las pinturas de La época de la cólera (1968-71), galería del sufrimiento de los indios, y sus dibujos a tinta y sus grabados, siempre con el hombre vencido como protagonista. Fue gran premio de Pintura en la III Bienal Hispanoamericana de Barcelona (1955) y en 1973 se celebró una exposición antológica de su obra en el Museo de Arte Moderno de París.

Oswaldo, nació en Quito, capital del Ecuador, el 6 de Julio de 1919. Se gradúa de Pintor y Escultor en la Escuela de Bellas Artes de Quito. Realiza su primera exposición cuando tiene 23 años, en 1942. Obtuvo en su juventud todos los Premios Nacionales y fue acreedor, en 1952, a los 33 años, del Gran Premio de la Bienal de España y más tarde del Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.
Fallece el 10 de marzo de 1999, a los 79 años.
Sus últimas exposiciones las inaugura personalmente en el Museo del Palacio de Luxemburgo París y en el Museo Palais de Glace en Buenos Aires, en 1995. Hasta poco antes de su fallecimiento estaba trabajando en su obra cumbre, denominada "La Capilla del Hombre".
Ha expuesto en museos de la totalidad de las capitales de América, y muchos países de Europa, como en Leningrado (L´Ermitage), Moscú, Praga, Roma, Madrid, Barcelona, Varsovia.
Realizó unas 180 exposiciones individuales y su producción fue muy fructífera en cuadros de caballete, murales, esculturas y monumentos. Tiene murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central, Consejo Provincial); Madrid (Aereopuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); Sao Paulo (Parlamento Latinoamericano). Entre sus monumentos se destacan "A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito.

Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este mounstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.

Guayasamín fue amigo personal de los más importantes intelectuales y estadistas del mundo progresista, y ha retratado a algunos de ellos, como Fidel y Raúl Castro, Francois y Danielle Mitterrand, Gabriel García Márquez, Rigoberta Menchú, entre otros.

Recibió varias condecoraciones oficiales y doctorados Honoris Causa de Universidades de América y Europa.

jueves, 4 de junio de 2009

Lempicka de, Tamara



Tamara de Lempicka o Tamara Łempicka, nacida Maria Górska, fue una pintora nacida en Varsovia, Polonia en 1898 (en Moscú, Rusia, en 1900 según otros biógrafos). Destacó por la belleza de sus retratos femeninos, de pleno estilo art decó.

Nació en el seno de una familia acaudalada, siendo desde pequeña una niña autoritaria y con carácter. En 1910 pinta su primer trabajo, el retrato de su hermana. En 1911 hace con su abuela un viaje a Italia, donde descubre su pasión por el arte.

En 1916 se casó en San Petersburgo con el abogado polaco Tadeusz Łempicki. Aunque llevaban una vida lujosa en San Petersburgo, la Revolución de octubre encarceló a Tadeusz, pero ella lo sacó de prisión y se trasladaron a Copenhague. En 1923 se trasladaron a París, donde nació su hija, Kizette. Tamara tomó clases de pintura con André Lhote.

Más tarde expuso en varias galerías de París, ya en estilo art decó, como en la galería Colette Weill.

En 1925 tuvo un lugar en la primera exposición art decó de París, donde se hizo un nombre como artista. Más tarde viajaría con Kizette a Italia para observar de nuevo el arte italiano. En 1927, Kizette en el balcón recibe el primer premio en la Exposición Internacional de Burdeos.

En 1929 se divorcia de Tadeusz y conoce al barón Raoul Kuffner, un coleccionista de su obra. Junto a él, viaja a Estados Unidos. Allí, pese a su orientación bisexual, Tamara acepta casarse con el barón. Se hace famosa entre la burguesía neoyorquina y expone en varias galerías estadounidenses y europeas. En 1933 viaja temporalmente a Chicago donde trabaja con Willem de Kooning y Georgia O'Keeffe. En 1938 se van a vivir a Beverly Hills.

En 1941 Kizette se va a vivir con su madre. En 1960, Tamara cambia de estilo, pasándose al abstraccionismo. En 1962, muere el barón.

El 18 de marzo de 1980, Tamara de Lempicka muere en Cuernavaca (México). Kizette, complaciendo el sueño de su madre, acompañada del escultor Víctor Contreras (heredero de gran cantidad de la obra de la pintora), subieron a un helicóptero y fueron a arrojar sus cenizas en el cráter del Popocatépetl.


Obra

Su obra se basa en retratos femeninos. Siguiendo el estilo del art decó, pinta mujeres etéreas, aunque a la vez férreas; son sus mejores ejemplos, junto con los desnudos. Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general, y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto. Por ejemplo "La mujer dormida". También retrató a su hija en varias ocasiones y a personas relacionadas con la burguesía artística de París y Nueva York. Su estética ha atraído a estrellas del espectáculo como Barbra Streisand y Madonna, de quienes se dice que coleccionaban sus pinturas. Madonna se inspiró en esta pintora para su video musical Vogue de 1990. También aparece un cuadro de Tamara en el de Open your heart, de la misma cantante.

miércoles, 27 de mayo de 2009

Minero, Camilo



Camilo Minero fue un pintor, muralista y grabador salvadoreño, nacido el 17 de noviembre de 1917 en Zacatecoluca, El Salvador.

Inicios

Comenzó a pintar a los 13 años. Cursó estudios de pintura en la Escuela Nacional de Artes Gráficas de El Salvador bajo la dirección del maestro Carlos Imery. Fue becado por el Estado salvadoreño, y estudió en México con los grandes muralistas Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. Desde muy joven se afilió al Partido Comunista Salvadoreño, lo que le valió vivir en el exilio durante largo tiempo. Sus obra se encuentra dispersa en toda Latinoamérica, particularmente en México, Cuba, Nicaragua, y otros países.


Carrera docente

Fue maestro en 1960 de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de El Salvador. Pronto llegó a convertirse en el director del Taller de Artes. También trabajó en el departamento de Periodismo de la UES.


Exilio en Nicaragua

Impartió sus conocimientos sobre pintura y grabados en las aulas de diseño de la Universidad Politécnica (Upoli), dirigida por el arquitecto Américo Tapia.

Dado el ambiente de la revolución no era rara la visita de artistas internacionales identificados con la causa; para el caso, se dieron cita en la capital figuras del muralismo italiano como Mauricio Gobernatori, Sergio Michillini y Giancarlo Splendiani, que pintaron la historia de Nicaragua y su revolución. Managua, también fue visitada por los mexicanos Arnold Belkin, que pintó en el Palacio Nacional de Cultura, la obra El prometeo, una apología al héroe mexicano Emiliano Zapata; y Felipe Castellanos, el que pintó El 25 aniversario del terremoto. El contacto con dichos artistas de talla internacional le dio la posibilidad a Minero de madurar como pintor.


Sus obras

Minero, trató de plasmar en sus obras la realidad social de los pueblos latinoamericanos. Vivió exiliado en Nicaragua en la década de los 80, como protegido del gobierno sandinista, apoyó el resurgimiento de una variante del muralismo "realista-social" (como el vivido en los años de la revolución mexicana).

Las pinturas, grabados y serigrafías de Camilo Minero, se encuentran en diferentes ciudades de América Latina, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y museos europeos.

Acerca de sus pinturas, él afirma que:

Yo aplico los amarillos frenéticos, cálidos y los rojos vivos que provoquen la furia y la cólera relevante; el blanco que quiere decir paz, los anaranjados y los sienas son atenuantes, acordes de los amarillos, también utiliza el color negro

Además, dejaba muy clara cuál era su inspiración principal al pintar:

Yo pinto al pueblo, a los trabajadores, a los niños panzones que caminan en los mercados, ahí encuentro la belleza


Se le encomendó en repetidas ocasiones que ilustrase las portadas de importantes escritores latinoamericanos como Hugo Lindo, Pancho Lara, José Martí y José Napoleón Rodríguez Ruiz.


Obras callejeras

Minero, junto al chileno Víctor Canifru y el colombiano Daniel Pulido, incursionan en el arte de pintar en los muros de las calles. Uno de los murales de mucho valor estético que pintó Minero está ubicado en las paredes del parque Las Madres, en Managua. La imagen de dicha obra fue registrada por el investigador David Kunzle, en el texto The mural of revolutionary Nicaragua 1979-1993. Pese a su valor histórico y estético del muralismo del siglo XX, el mural no goza de ninguna protección.

Se sabe que Minero ha pintado murales en México, Cuba y el mismo El Salvador. Sus pinturas, grabados y serigrafías, se encuentran en diferentes ciudades de América Latina, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y Europa.


Enfoque Social

Minero hablando sobre el arte, opinaba que:

El mundo burgués empieza a introducir contra la voluntad del artista de sentimiento social, su prosaico gusto, su culto al dinero, su vulgaridad que resulta incompatible con el verdadero artista

Como parte de su obra social, donó 20 obras a la Asociación Ágape de El Salvador, con el sentido de beneficiar a los más desprotegidos. Sus donaciones han sido múltiples. Esta última llevaba el lema: Nuestra identidad pura sin artificios comerciales.


Homenajes

En 1996, el gobierno de El Salvador, le otorgó el Premio Nacional de Cultura; asimismo, en el 2001, la Universidad de El Salvador le otorgó un Doctorado Honoris Causa.

Además, ganó distintos premios tales como Mención de Honor, Acuarelas (1943), Obtuvo el primer lugar en pintura y grabado, Instituto Politécnico Nacional, México D.F.
(1958), Premio El Salvador, Segundo certamen anual de Pintura Cigarrería Morazán
(1970), Diploma, Museo Nacional de Arte Moderno. La Bienal Americana de Grabado, Municipalidad de Mendoza, Argentina (1978).

Camilo Minero murió en San Salvador, el 6 de mayo de 2005.

lunes, 25 de mayo de 2009

Matta Eucharren, Roberto



Roberto Antonio Sebastián Matta Echaurren nació el 11 de Noviembre de 1911 en Santiago, Chile. Estudió en el Colegio de Los Sagrados Corazones en Santiago y realizó sus estudios superiores en la escuela de arquitectura de la Universidad Católica de Chile, entre 1929 y 1931, titulándose en 1933.

En 1933 se hizo marino mercante, lo que le permitió salir de Santiago y viajar a Europa, instalándose en París. Trabajó con el arquitecto Le Corbusier . A finales de Matta 1934 visitó España, conociendo a los poetas Rafael Alberti y Federico García Lorca. Este último le presentaría a Dalí, quien animó a Matta que mostrara algunos de sus dibujos a André Bretón.
La relación de Matta con Dali y Bretón, influenció fuertemente su formación artística y lo conectó posteriormente con el movimiento surrealista, que él ensambló oficialmente en 1937.
En 1936 viajó a Londres, donde trabajó con Walter Gropius y László Moholy-Nagy. Además conoció y se relacionó con artistas e intelectuales británicos como Henry Moore.
En 1937 Matta asistió al Museo del Prado a la exposición de Guernica de Picasso , lo cuál le impresionó grandemente e influenció en su trabajo.
En este tiempo, artistas de la talla de Marcel Duchamp, tendrían influencia en la obra de Matta .Un tiempo después viajó a Escandinavia en donde él conoció al arquitecto Alvar Aalto
El verano de 1938 marca la evolución del trabajo de Matta del dibujo a la pintura. Roberto terminó sus primeras pinturas en óleo surrealistas, a los que primero llamó "Morfologías Sicológicas" y que más tarde denominó "Inscape". Hacia 1939 Vivió un período con Pablo Neruda en París.
Forzado a salir de Europa con la tensión previa a la Segunda Guerra Mundial, Matta llegó a Nueva York a comienzos de 1939. En un artículo de Kathy Zimmerer acerca de los maestros de la pintura latinoamericana, ella describe "crucifixión" como "envolventes formas biofórmicas que se transforman en un flujo que cruza toda la tela de Matta. La luminosidad de su paleta, el rojo carmesí,los amarillos, el azul y el negro denifen contornos de formas orgánicas, que producen una metamorfosis". Crucifixión es representativo del período no figurativo de Matta, donde el artista desarrolló su gama de colores y el uso del color logra crear espacios y formas enérgicas. Matta, a éstas alturas comenzaría el trabajo del paisaje visionario del subconsciente. Matta tomaba fuerza y aprendía de su mentor Yves Tanguy, con trabajos que recuerdan a pintores del siglo XV y XVI, Bosch o Bruguel

Roberto Matta primero exhibe en a Galería Julian Levy en Nueva York en 1940. Los año 40 significan el ingreso de la figura humana a la composición artística de Matta

En 1947, Matta se aleja del mundo surrealista. En los 50 y el 60 Matta deambula entre Roma, París, y Londres. Roberto visitó Cuba en los años 60 para trabajar con estudiantes de arte. En 1962 le concedieron el premio Marzotto por la obra "La Question Djamilla", una protesta contra la guerra Franco-Argelina.
Su trabajo de los años 60 tuvo un acento político y espiritual. Mucho de su trabajo consistió en tratar temas relacionados con los acontecimientos que ocurrían los lugares tales como Vietnam, Santo Domingo, y Alabama.
En una exposición en 1968 en la galería de Iolas en Nueva York exhibió parte de este trabajo.
Los años 60 marcaron no sólo un cambio en sus temas, sino en su estilo. Él encontró influencia en la cultura contemporánea , combinado con sus raíces surrealistas. Su trabajo se puede dividir principalmente en dos áreas: pinturas cósmicas y apocalípticas. "Elle Gare s'y", es un ejemplo de la arena cósmica . André Bretón lo llamó "automatismo absoluto". La idea del automatismo era un elemento dominante del movimiento surrealista, que acentuó la supresión del control consciente sobre uno dominado por la composición libre de las imágenes y de las asociaciones inconscientes. Matta utilizó automatismo de una manera que permitió que una forma diera lugar a otra hasta que la unificación fuera alcanzada o hasta que la elaboración adicional destruyera la composición.

Matta salió de Chile siendo joven y no tuvo la ocasión de ser conceptuado en como artista "latinoamericanista". Él era ciertamente uno de los pocos artistas surrealistas que representara temas políticos, sociales, y espirituales directamente.

En 1969 Adquiere la nacionalidad francesa .
En 1990 Recibe el Premio Nacional de Arte y se realiza una retrospectiva de su obra en el Museo de Bellas Artes
En los siguientes años se realizan variadas exposiciones de la obra de Matta en diversas partes del mundo y el artista participa en innumerables eventos artísticos.
Roberto Matta vive sus últimos años en Italia, donde muere el año 2002
Roberto Matta Echaurren es considerado el pintor y escultor Chileno más importante en el mundo, debido a su gran influencia pictórica en diferentes países.

jueves, 21 de mayo de 2009

EL RENACIMIENTO ITALIANO

El primer Renacimiento italiano

El arte de la península itálica, favorecido desde hacía tiempo por el mecenazgo de las ciudades rivales e influenciado por el humanismo, reafirmó su rechazo a los "tiempos oscuros" y su gusto por lo antiguo. Las estatuas exumadas de las ruinas inspiraron a los escultores y reintrodujeron el uso del bronce. Los patios y los peristilos de los palacios reinterpretaron la vivienda romana. Los pintores buscaron reproducir la realidad por medio de la representación del espacio y sus volúmenes, de la perspectiva lineal, el modelado y la luz. La plumación artísica del cuerpo humano se basó en estudios anatómicos, el desnudo mostró la belleza del hombre como reflejo del esplendor divino y el retrato fue valorizado. La nueva estética nacida en Toscana se expandió por toda la península, y particularmente Roma se benefició de un activo mecenazgo papal.



La perspectiva


La perspectiva de los pintores (llamada artificial) se diferenció del estudio de la óptica (perspectiva natural). Esta proporcionó a los artistas cómodos esquemas de construcción, permitiéndoles representar la tridimensionalidad del espacio sobre la superficie plana del muro o del panel (posteriormente, de la tela).
se trata, en términos geométricos, de una proyección cónica que tenía como foco el ojo del pintor (o del espectador) y como superficie de proyección, el pano del cuadro, cuyos bordes definían la "pirámide visual" que contenía todos los elementos de la representación. En consecuencia, todas las perpendiculares del cuadro convergían hacia un único centro (el punto de fuga) y la escala relativa de los objetos era respetada.



La tradición gótica revisada por la perspectiva. El mito deformó levemente la imagen de Fra Giovanni da Fiesole, llamado Angelico, considerado un pintor inefable volcado completamente a la devoción o un continuador tardío de la tradición gótica. De hecho, Fra Angelico era un pintor profesional que había ingresado tardíamente en las órdenes y que estaba perfectamente al tanto de las invenciones de la época, especialmente en materia de perspectiva.

Leonardo Da Vinci


Leonardo Da Vinci fue un adelantado a su tiempo.Quiso proyectar sin restricciones sus ideas y descubrimientos, pero su osada inteligencia sobrepasó los límites de comprensión de cualquier ser humano de entonces. Sigmund Freud dijo:'Leonardo da Vinci despertó mientras los demás hombres aún dormían el sueño de las tinieblas'. Sus datos de visionario eran asombrosos: en su faceta más conocida, la pintura, fue el primero en aplicar la perspectiva, y creó las técnicas del claroscuro (el cual modela las formas a través del contraste de luces y sombras) y del sfumato (que consiste en eliminar los contornos de las líneas, difuminándolos en una suerte de neblina que genera un efecto de atmósfera). Desde entónces, la creación pictórica jamás volvería a ser igual.

Desde su comienzo, uno de los rasgos que distinguían al artista era su clara apuesta por la originalidad, que se translucía en un escepticismo hacia las influencias greco-latinas que inspiraban a la mayoría de sus condiscípulos. Porque a Leonardo lo que de veras le interesaba era innovar, crear. Y éste sería el firme compromiso estético que aplicaría a rajatabla durante su fecunda actividad como pintor.

De todos los trabajos realizados en el taller de su maestro se destacaron las tablas de LA ADORACIÓN DE LOS MAGOS Y SAN JERÓNIMO, ambas inconclusas. Leonardo también practicó la técnica del dibujo con lápiz y pluma, y realizó una buena cantidad de bosquejos y bocetos. Pero el mayor brillo artístico de Leonardo corresponde a uno de los cuadros más famosos de la historia de la pintura: LA GIACONDA. La famosa sonrisa de la también conocida como MONA LISA es producto de la sutileza y maestría del genio toscano. Con un trazo asimétrico y la difuminación del fondo que añaden un halomisterioso a una perturbadora mirada que atrae magnéticamente la atención del espectador.




Precisión en las expresiones, tensión en los movimientos. Este fresco, pintado para el refectorio del antiguo convento dominico de Milán, representa el momento en que Jesús, rodeado de los doce apóstoles, revela que será traicionado por uno de ellos. La imagen muestra el drama que se desata: estupor, cólera e incomprensión pueden leerse en sus rostros, tan humanamente representados.

Miguel Angel

Miguel Ángel Bounarroti se dedicó de forma simultánea a la escultura, la pintura, la arquitectura y la poesía. En poco más de cuatro años y prácticamente sin ayuda, el artista completó los frescos de la Capilla Sixtina por encargo de Julio II, quien falleció sin llegar a ver la obra terminada.
En cuanto a la arquitectura, una de sus actividades menos conocidas por el gran público, Miguel Ángel concibió obras notables. En Florencia, la fachada para la basílica de San Lorenzo, la Sacristía Nueva en la misma basílica y la Biblioteca Laurenziana.
Una de las características más palpables de su trabajo es la voluntad de alcanzar una perfecta síntesis entre arquitectura y escultura, como se aprecia en la capilla Medicea de San Lorenzo.Asimismo, Miguel Ángel trabajó como gubernator de la fábrica vaticana, haciéndose cargo de los trabajos de reedificación de la Basílica de San Pedro.El proyecto para la cúpula, la más famosa de sus realizaciones arquitectónicas, absorbió al artista hasta el momento de su muerte, por lo que no llegó a verla finalizada. El urbanismo tampoco escapó a la gran capacidad creadora de Miguel Ángel, que emprendió tareas como el ordenamiento de la plaza romana del Campidoglio, cuyas obras se extendieron durante 10 años.


DONATELLO- EL CULTO A LA ANTIGÜEDAD

Los escultores florentinos, impregnados de cultura humanista, adquirieron poco a poco la convicción de que la perfección plástica sólo podía alcanzarse imitando la antigüedad.
El hombre se transformó en el centro de las preocupaciones artísticas, el busto, las medallas, las estatuas ecuestres, monumentos funerarios ocuparon especialmente a los escultores y permitieron la exaltación de las virtudes humanas. Donatello es quien se preocupó de reproducir las realidades del mundo natural.
Donatello se inició en el taller de Ghiberti. Desde 1410 su estilo innovador e independiente se impuso al de su maestro, así como al de sus contemporáneos. Éste, atraído por la Antigüedad, realizó numerosos viajes a Roma. Sin embargo, la genialidad de las piezas de Donatello reside en su carácter profundamente personal y expresivo. Sus primeras esculturas manifiestan el furor de su inspiración. Sin duda, el carácter demasiado innovador de las obras de Donatello, explica la poca influencia que éstas ejercieron en los escultores de su tiempo.