PINTORES FAMOSOS BIOGRAFIAS

Cassatt, Mary

2010-03-29T16:11:00.000-07:00

Mary Stevenson Cassatt (Allegheny City, Pennsylvania, 22 de mayo de 1844 – Château de Beaufresne, cerca de París, 14 de junio de 1926) fue una pintora estadounidense.

Nació en Allegheny City, ciudad que actualmente forma parte de la de Pittsburgh. Perteneció a una familia acomodada en la que la educación era muy valorada y en un ambiente que concedía gran importancia a la cultura de viajar. Los negocios de su padre le permitieron ya durante su infancia pasar cinco años en Europa y visitar las principales capitales, como Londres, París o Berlín; durante esta estancia aprendió idiomas y recibió sus primeras clases de música y dibujo.

Biografía

A pesar de no contar con la aprobación de sus padres, a la edad de quince años inició sus estudios de pintura en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania (1861-1865). En 1866, cansada de la actitud condescendiente de profesores y alumnos, así como del lento desarrollo de las enseñanzas, decidió estudiar a los maestros del arte por sí misma y se trasladó a París en compañía de su madre y algunos amigos de la familia. Dado que no era posible para las mujeres matricularse en la Escuela de Bellas Artes, siguió estudios privados con diversos artistas, y realizó mucha práctica como copista en el Museo del Louvre.

A fines del verano de 1870, al iniciarse la guerra franco-prusiana, regresó a los Estados Unidos y vivió nuevamente con su familia, por entonces radicada en Altoona. Su padre aún continuaba resistiéndose a aceptar su vocación, por lo que le financiaba sólo las necesidades básicas y no los materiales artísticos, además muy difíciles de conseguir desde allí. Expuso un par de cuadros en una galería neoyorquina, encontrando elogios pero no compradores; en Chicago, a donde se trasladó a probar suerte, perdió varias pinturas en el gran incendio de 1871. Poco después recibió un encargo del arzobispo de Pittsburgh para realizar dos copias de Correggio en Parma (Italia), y tras su regreso en otoño comenzaron a cambiar sus perspectivas, exponiendo y vendiendo sus primeros cuadros. Un nuevo viaje la llevará en 1873 a Madrid y Sevilla, donde realiza varios cuadros de temas españoles.

En 1872 observamos una maduración en su estilo, debido en parte al estudio de los maestros en los más importantes museos europeos y a las indicaciones de su maestro Camille Pissarro. Ese mismo año una de sus pinturas fue aceptada por el jurado para ser expuesta en el Salon de París. Los críticos dijeron que sus colores eran muy brillantes y que sus retratos demasiado fieles para favorecer al modelo. Cassatt realizó frecuentes críticas a su vez sobre las dificultades que una mujer encontraba para que sus obras fueran aceptadas en el Salón.

En 1874 decide mudarse definitivamente a París, junto con una de sus hermanas. En 1875, después de ver una obra al pastel de Edgar Degas en el escaparate de una galería de arte, supo que no estaba sola en su rebelión, y en una carta a un amigo encontramos lo siguiente: "Solía aplastar mi nariz contra las ventanas para absorber todo lo que podía de su arte... Cambió mi vida, desde entonces pude ver al arte del modo que siempre quise verlo".

En 1877, en uno de los más bajos momentos de su carrera tras el rechazo de las dos obras que había presentado al Salón, el propio Edgar Degas la invitó a exhibir su trabajo junto a los impresionistas, que tres años atrás habían comenzado a exponer sus obras de forma rebelde e independiente, lo que la llevó a participar en varias de las exposiciones impresionistas a partir de 1879. Poco después de su triunfo con los impresionistas, Cassatt dejó la pintura para hacerse cargo de su madre y hermana, quienes enfermaron luego de mudarse de nuevo a París en 1877. Su hermana murió en 1882, lo que dejó a la artista sin ánimo para pintar; su madre recuperó la salud, tras lo cual retomó la pintura.

El paseo en barca (The Boating Party), pintura de Mary Cassatt, h. 1893-1894, óleo sobre lienzo, 90 x 117 cm, Galería Nacional de Arte, Washington DCPermaneció unida al círculo de los impresionistas hasta 1886, pues ya no se identificaba con éste ni con ningún otro movimiento artístico; a pesar de ello, no perdió su amistad con Degas y Berthe Morisot. El estilo de Cassatt continuó en evolución, acercándose hacia una honesta y simple copia de la realidad; empezó a experimentar con varias técnicas, y en su trabajo posterior podemos observar que casi un tercio de sus pinturas nos muestran escenas domésticas y retratos de madres e hijos en íntima relación, especialmente a partir de 1900.

La década de 1890 fue la época más creativa de Cassatt; expuso regularmente en las galerías neoyorquinas e incluso se convirtió en modelo a seguir para jóvenes artistas norteamericanas a las que aconsejaba en sus carreras; entre éstas destaca Lucy A. Bacon, que fue presentada por Cassatt a Camille Pissarro. Al iniciarse el nuevo siglo trabajó como consejera para varios coleccionistas de arte, a los que recomendaba que eventualmente donaran sus compras a los museos de arte norteamericanos. Sin embargo, el reconocimiento amplio de su arte fue tardío en los Estados Unidos.

En 1891 exhibió una serie de coloridas pinturas entre las cuales estaban Mujer tomando un baño y El salón de belleza, cuadros inspirados en el arte japonés que fueron exhibidos en París un año antes. Fue en general hostil a los movimientos pictóricos posteriores, como el posimpresionismo, el cubismo y el fauvismo. Un viaje realizado a Egipto en 1910 dejó a Cassatt impresionada, y también la introdujo en una crisis de salud y de creatividad, considerando que sus manos eran incapaces de reproducir la fuerza de aquel que era seguramente el mejor arte de la Antigüedad. En 1911 fue diagnosticada de diabetes, reumatismo, neuralgia y cataratas, y en 1914 tuvo que dejar de pintar por hallarse casi completamente ciega, a pesar de lo cual en 1915 aún tuvo fuerzas para contribuir con 18 pinturas en apoyo del movimiento sufragista. Tras 11 años de completa inactividad artística debido a su ceguera, falleció en la casa familiar en 1926, y sus restos reposan en un mausoleo en Le Mesnil-Théribus, en la Picardía francesa,[1] país que en 1904 le había concedido la Legión de Honor por sus contribuciones al arte.

Nunca contrajo matrimonio, pues desde muy pronto consideró que ello era incompatible con el desarrollo de su carrera.

Portinari, Cándido

2010-02-26T16:13:00.000-08:00

(Brodosqui, 1903 - Río de Janeiro, 1962) Pintor brasileño. Procedente de una familia humilde de inmigrantes italianos, desde muy pequeño manifestó sus condiciones artísticas. A los 15 años, para mejorar su formación, se trasladó a Río de Janeiro, donde viviría el resto de su vida. No aprobó el examen de acceso en la Escuela Nacional de Bellas Artes y decidió matricularse en el Liceo de Artes y Oficios.

Finalmente, pasó a Bellas Artes, donde completó sus estudios. Fue alumno de Joao Bautista da Costa, Lucilio Albuquerque y Rodolfo Chambeland, que siguió con interés los retratos del artista.

En los comienzos de su carrera recibió una fuerte influencia del pintor, escultor y grabador sueco Anders Zorn y del pintor español Ignacio Zuloaga. Dejó patente la influencia de éste último en su retrato del poeta Olegario Mariano, con el que ganó el viaje al extranjero en el Salón Nacional de Bellas Artes en 1928. En algunos de sus retratos manifestó la influencia de Modigliani. Conoció muy bien la obra de Pablo Picasso; el Guernica fue la obra que más le marcó. Coincidió con él al hacer una pintura de grandes dimensiones, con una tendencia expresionista, así como por la fuerza dramática de sus murales y la importancia del hombre en toda su obra. Aunque fue un pintor muy colorista, alternó los colores fríos y monocromos.

Con el premio ganado en 1928, Portinari viajó a Europa, fijó su residencia en París y visitó varias ciudades europeas. Fue una época de poca producción pero de mucha observación en museos y galerías, donde pudo estudiar a los grandes pintores, conocer las nuevas corrientes pictóricas y, sobre todo, descubrir la pintura al fresco.

Regresó a Brasil en 1930 con un fuerte deseo de pintar la realidad de su pueblo con un nuevo lenguaje pictórico. Muchos de los encargos de murales que realizó en esta etapa fueron hechos por el dictador Getulio Vargas, lo que no le impidió retratar de manera dramática la realidad social y humana del país. Portinari mostró siempre en su pintura la tragedia de los pueblos y las gentes menos favorecidas; es constante la presencia del obrero, del campesino, del niño, de la mujer. Trabajó la corriente abstracta solo como experiencia de estudio y, aunque recibió influencia de ella, la figuración fue siempre más fuerte en él.

VIDEO: Berthe Morisot Part 1 of 2

2010-02-05T16:35:00.000-08:00

Coello, Claudio

2010-01-27T12:32:00.000-08:00

Claudio Coello es uno de los principales representantes de la escuela barroca madrileña. Nació en Madrid en 1642, en una familia de origen portugués. Su padre, que era broncista, lo llevó al taller de Francisco Rizi, pintor de la escuela madrileña, para que le enseñara la técnica del dibujo y poder usarlo luego en su trabajo como broncista. Pero sus cualidades para la pintura hicieron que continuara su aprendizaje como pintor.

Con él aprendió el lenguaje del barroco decorativo, basado en una concepción dinámica y escenográfica, con gran riqueza de color y una ejecución suelta y vibrante. Más tarde viajó a Italia, recibiendo el influjo de los pintores italianos de la época, como se percibe en su primer lienzo conocido, Jesús a la puerta del Templo.

La pintura de Coello presenta un espléndido colorismo, aprendido durante su estancia en Italia y a través del estudio de los venecianos. Recibió, además, la influencia de Rubens y de Velázquez, a quien debe su especial habilidad para captar la atmósfera y la perspectiva espacial. Sus composiciones se caracterizan por la presencia de un gran número de personajes.

En su producción destaca la pintura religiosa y las decoraciones murales y, a partir de 1683, cuando es nombrado pintor del Rey, realizará numerosos retratos, en especial de Carlos II.

Obra de Claudio Coello

La Sagrada Forma

La obra fue realizada para conmemorar el acto de arrepentimiento de Carlos II y su junta de gobierno ante la Sagrada Forma de Gorkum, en el altar de la sacristía de El Escorial en 1684.

Se trata de un magnífico ejemplo de solución espacial, utilizando el lenguaje teatral e ilusionista del barroco. Es una escena religiosa y a la vez cortesana. Supone un magnífico conjunto de retratos, estando representados los principales personajes de la corte: Carlos II arrodillado en oración ante la Sagrada Forma, el Duque de Medinaceli, el Duque de Pastrana, el Conde de Baños o el Marqués de Puebla. Los rostros y toda la escena están tratados con gran realismo, a ello también contribuyen los accesorios que introduce: candelabros, las telas, los bordados, las alfombras, etc.

Morisot, Berthe

2009-12-30T13:39:00.000-08:00

Nació el 14 de enero de 1841 en Bourges (Francia) en el seno de una familia de la alta burguesía. Siguió junto a su hermana Edma los cursos de Eugene Benot Buichard, discípulo de Ingres y de Delacroix.

Su Abuelo paterno fue un arquitecto famoso y su padre, Tiburcio Morisot, estudió en la Escuela de Bellas Artes, visitando Italia y Grecia. Con influencias de Édouard Manet, al que conoció en el Louvre donde realizaba su tarea como copista.

Incluso fue la modelo de algunos de sus cuadros como en "En el Balcón". Se emparentó con él al contraer matrimonio con su hermano menor, Eugène.

Forjó un estilo impresionista caracterizado por la delicadeza y sutileza. Trabajó tanto la pintura al óleo como la acuarela, realizando paisajes y escenas de mujeres con niños. Entre su obra destaca Madame Pontillon sentada en la hierba (1873, Museo de Arte de Cleveland) y El espejo de vestir (1876, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid).

Falleció el 2 de marzo de 1896, en París. Fue enterrada en el sepulcro de los Manet en Passy.

fuente
buscabiografias.comm
http://www.culture.gouv.fr

Palmaroli González Vicente

2009-12-10T12:35:00.000-08:00

Era hijo de un litógrafo italiano, Gaetano Palmaroli. Estudió en la Escuela de San Fernando. En 1857 se fue a Roma a completar su formación. Allí vivió hasta 1866. Un año después acudió, con la delegación española, a la Exposición Universal de París. Conoció a Ernest Meissonier, que influyó en sus cuadros posteriores.

Entre los distintos cargos que ostentó están: académico de San Fernando, director de la Academia de España en Roma y director del Museo del Prado desde 1893 hasta su muerte. Sus restos se encuentran en el cementerio de San Justo de Madrid.

Obra

Trata temas históricos, imágenes de mujeres y retratos. Entre sus obras pueden citarse:

El tres de mayo de 1808 (1871)
Concepción Miramón (en el Museo del Prado)
En el estudio del pintor
Coquetería
Mal de amores

Daumier, Honore

2009-11-24T17:58:00.000-08:00

Honoré Daumier (pronunciación aproximada del apellido: Domié), (*Marsella 26 de febrero de 1808- † Valmondois 10 de febrero de 1879). Caricaturista, pintor, dibujante y escultor francés.

Vida y obra

Honoré Daumier nació el año 1808 en la ciudad de Marsella, pero siendo niño debió trasladarse a París junto con su familia. En París, muy joven trabajo como ujier en un tribunal de justicia y cadete en una librería, luego se dedicó a estudiar pintura y dibujo. De este modo dio inicio a su carrera de artista realizando trabajos en xilografía y la ilustración de anuncios publicitarios en los que se nota el influjo de Charlet.

En 1828 comenzó sus primeras litografías para el diario La Silhouette (La Silueta).

En 1830 inició su labor en la revista humorística La Caricature en donde adquirió merecido renombre por sus grabados y dibujos llenos de sátira y crítica social (incluyendo escenas domésticas). En 1832 comenzó a trabajar en Le Charivari, periódico humorístico-político dirigido por Charles Philipon particularmente crítico al gobierno de Luis Felipe I de Orleans, allí tuvo como compañeros a otros señalados caricaturistas:Raffet, Devéria y Grandville. Daumier precisamente por haber realizado una caricatura en la cual ese monarca aparecía retratado como Gargantúa (el glotón personaje de Rabelais), sufrió una prisión de seis meses.

En 1835 debido a la instalación de la censura en Francia, Daumier evitó la caricatura política directa y en su lugar se dedicó a ridiculizar las convenciones y costumbres entonces imperantes.

Retornó a la sátira política con la Revolución de 1848. A partir de ese mismo año 1848 se apasionó por la pintura, teniendo entonces un estilo muy influido por Delacroix, Corot, Millet, Rousseau y -en sus últimas obras- por Fragonard (Estudio del pintor) y los impresionistas (por ejemplo: La lavandera). A medida que fue perdiendo vista, tuvo que dejar la litografía y centrarse en la pintura, que abordaba con una técnica directa y apenas retocada.

También son muy valoradas sus esculturas y bustos de yeso (escayola) y bronce que realizaba principalmente para que le sirvieran de modelos al realizar sus ilustraciones.

Sus grabados se destacan por la mordacidad descarnada y sin embargo de matices exquisitos y líneas nada exentas de sutileza, al trabajar sarcásticamente los rostros, las expresiones, los gestos, con precisas exageraciones logra dar noción de la personalidad de los sujetos representados.

Es interesante notar en sus litografías el sabio uso de las combinaciones cromáticas para lograr sus cometidos de expresar situaciones emotivas en un ámbito social (existe aquí un influjo -morigerado- desde la obra de Goya); sus litografías tienen una calidad muy próxima a la pintura, en cuanto a su menos conocida pintura, se caracteriza por un patetismo logrado con masas oscuras y contrastes de colores fríos y cálidos, es así que si en sus últimos tiempos Daumier recibió influjos de los impresionistas, él previamente había ya influido en ellos, pero no queda en esto la gravitación de Daumier, también ha influido sobre los expresionistas, por ejemplo en Nolde, Ernst Barlach y Ensor.

En 1865 conociendo la grave situación económica por la cual pasaban Daumier y su esposa, su amigo el escultor Geoffroy Dechaume les convenció para que fueran a vivir a Valmondois (en Val d'Oise) donde su otro amigo, Corot, les prestó una pequeña casa en el centro del pueblo; allí falleció Daumier.

Kauffmann,Angelica

2009-11-17T17:54:00.000-08:00

Maria Anna Angelika/Angelica Katharina Kauffmann (30 de octubre de 1741 – 5 de noviembre de 1807) fue una pintora suizo-austriaca.

Nació en Chur (Cantón de los Grisones, Suiza), pero creció en Schwarzenberg en Vorarlberg (Austria), de donde era oriunda su familia. Su padre, Johann Josef Kauffmann, era pobre y un pintor bastante mediocre, pero aparentemente muy bueno enseñando a su precoz hija. Pronto aprendió varios idiomas, leía incesantemente, y mostraba un destacado talento como música. Su mayor progreso, no obstante, era en pintura; y al cumplir los doce años se había hecho famosa, de tal manera que obispos y nobles posaban para ella. En 1754 su padre se la llevó con él a Milán. Posteriormente se repitieron más visitas a Italia, de larga duración: en 1763 visitó Roma, regresando de nuevo en 1764. De Roma marchó a Bolonia y Venecia, siendo festejada en todos los lugares a los que iba, tanto por su talento como por su encanto personal.

En agosto de 1764 Winckelmann escribió desde Roma a su amigo Franke, y menciona la excepcional popularidad de la pintora. Estaba entonces Angelica pintando su retrato, de medio cuerpo, del que también hizo un aguafuerte. Hablaba italiano, además de alemán, dice Winckelmann; e igualmente se expresa con facilidad en francés e inglés, y como resultado de este último talento era una retratista popular entre los ingleses que visitaban Roma. «Puede considerársela bella», añade, «y cantando puede igualarse a nuestros mejores virtuosos».

Estando en Venecia, Lady Wentworth, la esposa del embajador inglés, le pidió que la acompañase a Londres. Una de sus primeras obras fue un retrato de David Garrick, expuesta el año de su llegada en el «gran salón del Sr. Moreing en Maiden Lane». El rango de Lady Wentworth le abrió las puertas de la sociedad, y fue bien recibida en todas partes, mostrándole especialmente un gran favor la familia real.

Su amigo más fiel, sin embargo, fue Sir Joshua Reynolds. En su cuaderno de notas, aparece con frecuencia el nombre de la pintora, como Miss Angelica o Miss Angel, y en 1766 él la pintó, un cumplido que ella devolvió con su Retrato de Sir Joshua Reynolds. Otra prueba de su intimidad con Reynolds se encuentra en su variación de la obra de Guercino titulada Et in Arcadia ego, un tema que Reynolds repitió unos años más tarde en su retrato de la Sra. Bouverie y la Sra. Crewe.

Cuando, alrededor de noviembre de 1767, ella fue cogida en una trampa para casarse clandestinamente con un aventurero que pasaba por ser un conde sueco (el Conde de Horn), Reynolds ayudó a liberarla. Es sin duda alguna debido a los buenos oficios de Reynolds que Angelica fuese una de las fundadoras de la Royal Academy, estando entre los firmantes de la famosa petición al rey para que estableciera una Academia Real de Pintura y Escultura. En su primer catálogo de 1769 ella aparece con «R.A.» después de su nombre (un honor que compartió con otra mujer, Mary Moser); y contribuyó con Entrevista de Héctor y Andrómaca, y otras tres composiciones clásicas.

Su amistad con Reynolds fue criticada en 1775 por el académico Nathaniel Hone en su cuadro satírico El prestidigitador, en el que atacaba la moda del arte renacentista italianizado; ridiculizaba a Reynolds, e incluía una caricatura desnuda de Kauffmann, más tarde Hone pintó por encima. La obra fue rechazada por la Royal Academy.

Desde 1769 hasta 1782, Angelica exhibió sus pinturas en la exposición anual, enviando a veces hasta siete cuadros, generalmente con temas clásicos o alegóricos. Una de las más notables fue Leonardo expirando en los brazos de Francisco I 1778. En 1773 fue escogida por la Academia, con otros, para decorar la Catedral de san Pablo, y fue ella quien, con Biagio Rebecca, pintó la antigua sala de lectura de la Academia en Somerset House.

Sus mejores trabajos eran los de pintura de historia, la categoría más lucrativa dentro de la pintura académica del siglo XVIII. Bajo la dirección de Sir Joshua Reynolds, la Academia hizo un gran esfuerzo para promocionar la pintura de historia entre un público, el inglés, que estaba más interesado en encargar y comprar retratos y paisajes. A pesar de la popularidad que Kauffmann disfrutaba en la sociedad inglesa y su éxito como artista, estaba decepcionada por la relativa apatía que los ingleses sentían hacia la pintura de historia. Al final, abandonó Inglaterra y marchó al continente, donde este género estaba mejor establecido, estimado y pagado.

Es probable que su popularidad declinase un poco como consecuencia de su desafortunado primer matrimonio; pero en 1781, después de la muerte de su primer marido (del que estuvo separada durante largo tiempo), se casó con Antonio Zucchi (1728–1795), un artista veneciano por entonces residente en Inglaterra. Poco después ella se retiró a Roma, donde se hizo amiga, entre otros, de Johann Wolfgang von Goethe, quien dijo que ella trabajaba más duro y lograba más que ningún otro artista que él conociese, pero siempre impaciente, quería hacer más (Viaje italiano de Goethe, 1786-1788) y vivió durante 25 años con gran parte de su antiguo prestigio.

En 1782 murió su padre; y en 1795 su marido. Siguió contribuyendo a la Academia de manera intermitente, exponiendo por última vez en 1797. Después de esto es poco lo que produjo, y en 1807 murió en Roma, siendo honrada con un espléndido funeral dirigido por Canova. Toda la Accademia di San Luca, con numerosos eclesiásticos y virtuosos, la siguieron hasta su tumba en San Andrea delle Fratte, y, como en el entierro de Rafael, dos de sus mejores pinturas fueron llevadas en procesión.

Valoración y crítica

Las obras de Angelica Kauffmann no han conservado su reputación. Tenía cierto talento para la gracia, y considerable habilidad en la composición. Pero sus figuras carecen de variedad y expresión; y sus hombres son mujeres masculinas (merece la pena destacar que, en aquella época, las artistas femeninas no tenían acceso a modelos masculinos). Su colorido, sin embargo, queda bastante bien definido por Gustav Friedrich Waagen como «alegre». En 1911 podían verse habitaciones decoradas por su pincel en varios alojamientos. En Hampton Court había un retrato de la duquesa de Brunswick; en la National Portrait Gallery, un autorretrato (NPG 430). Otros cuadros suyos se conservan en París, Dresde, en el Hermitage en San Petersburgo, y en la Alte Pinakothek de Múnich. El cuadro de Múnich es otro autorretrato; y hay un tercero en la Galería de los Uffizi en Florencia. Unas pocas obras suyas en colecciones privadas se exponen entre los Antiguos Maestros en Burlington House. Pero quizá sea conocida sobre todo por los numerosos grabados a partir de sus dibujos hechos por Schiavonetti, Bartolozzi y otros. Los de Bartolozzi especialmente aún encuentran un favor considerable entre los coleccionistas.

Charles Willson Peale (1741-1827), artista, patriota y fundador de una de las principales dinastías artísticas de los Estados Unidos, puso a sus hijos nombres de grandes artistas europeos, incluyendo a una hija, Angelica Kauffman Peale. Su vida fue escrita en 1810 por Giovanni de Rossi. También se ha usado como inspiración para una novela romántica de Leon de Wailly (1838) y provocó la encantadora novela con la que la Sra. Richmond Ritchie contribuyó a la revista Cornhill Magazine en 1875 titulada Miss Angel.

En 2007 el correo austríaco emitió un sello postal coincidiendo con el 200 aniversario de su fallecimiento, ilustrado con su Selbstbildnis in Wäldertracht ('Autorretrato con traje típico de Vorarlberg') de 1781, que se encuentra actualmente en el Museo Provincial del Tirol (Tiroler Landesmuseum Ferdinandeum), en Innsbruck.

No debe ser confundida con la pintora Angelika Kaufmann, que nació en 1935 en Carintia, Austria.

Roberto Aizenberg

2009-11-10T14:58:00.000-08:00

Roberto Aizenberg, Bobby, (n. 22 de agosto de 1928 en Federal, Entre Ríos; m. 16 de febrero de 1996 en Buenos Aires) pintor y escultor considerado como el más importante surrealista de la Argentina. Es representado por la galeria Ruth Benzacar.

Roberto Aizenberg era hijo de un inmigrante ruso judío que se estableció en las colonias judías de Entre Ríos, en la localidad de Villa Federal, ahora conocida como Federal. Cuando tenía 8 años su familia se mudó a la ciudad de Buenos Aires, en el barrio de La Paternal. Allí realizó sus estudios secundarios en el Colegio Nacional Buenos Aires. Comenzó la carrera de arquitectura pero la abandonó para dedicarse a la pintura.

Sus comienzos fueron como alumno de Antonio Berni y luego más tarde conJuan Batlle Planas, quien le inculca el surrealismo, en la década del '50.

En 1969 el Instituto Torcuato Di Tella realizó una importante exposición retrospectiva de su obra (dibujos, collages, pinturas y esculturas).

Poco antes comenzó a convivir con la periodista y escritora Matilde Herrera y sus tres hijos. Luego de producido el golpe militar que dio origen a la dictadura conocida como Proceso de Reorganización Nacional, en 1976 y 1977, fueron secuestrados los tres hijos de su compañera y sus respectivas parejas; una de ellas, Valeria Belaustegui, estaba embarazada. Todos permanecen desaparecidos.

En 1977, a causa de la dictadura argentina de 1976-1983 debió exilarse en París. Una vez recuperada la democracia, volvió a Buenos Aires en 1984.

Murió en Buenos Aires el 16 de febrero de 1996 cuando preparaba una gran exposición retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes.

Obra

Aizenberg, como Giorgio de Chirico, admiraba la arquitectura, la idea de construcción, y en especial la arquitectura del Renacimiento. Su obra está permanentemente influida por esta fascinación sobre la que reflexionaba:

Me interesa mucho la arquitectura -me dijo-, todo lo que tiene que ver con el espacio tridimensional y no sólo con el espacio pictórico... que es bidimensional.
La obra de Aizenberg muestra torres aisladas, ciudades vacías, edificios misteriosos y deshabitados, raras construcciones poliédricas.[1]

Utilizaba óleos de secado lento para obtener acabados perfectos, una gran densidad y un brillo fuera de lo común en sus obras. Laura Feinsilber habla del "rojo Aizenberg, verde Aizenberg, azul Aizenberg".

Aizenberg utilizaba una técnica de pintura en dos fases:

la primera, utilizando el automatismo, librándose al azar;
la segunda, excluyendo todo azar, seleccionando unos pocos bocetos de entre decenas y analizando la información generado por la fase automatista.
Prestaba una gran atención a los avances científicos referidos a los procesos cerebrales relacionados con la creación. Estudiaba apasionadamente textos sobre genética y psicología y mantenía extensas conversaciones con científicos como el biólogo Daniel Goldstein.

En este sentido Aizenberg decía:

Pienso que tomamos muy por encima, abordamos todas las actividades de la especie humana sin reflexionar que primero está la especie, el macroorganismo cuyos designios no conocemos, que a lo sumo podemos sospechar vagamente...
Aizenberg criticaba severamente la utilización de modelos en la enseñanza del arte. Para él, el modelo implicaba una "rigidez total, anacrónica, totalitaria, en el sentido de la dependencia del artista al modelo, a la autoridad del modelo, es la enseñanza del arte". El modelo, para Aizenberg, era lo opuesto a la libre expresión. Sostenía que la esencia del arte moderno era la ausencia de un modelo para copiar o de una realidad exterior que debía ser imitada.

La influencia de Juan Battle Planas fue fundamental para Aizenberg. Batlle era un artista inclasificable destacaba la importancia del surrealismo y el psicoanálisis, y ubicaba la pasión en el centro de la actividad del artista, con el fin de utilizar el automatismo energético como agente catalizador del inconsciente colectivo.

Pacecco de Rosa

2009-11-03T13:27:00.000-08:00

Giovanni Francesco de Rosa, conocido como Pacecco de Rosa (Nápoles, 17 o 27 de noviembre de 1607 - Nápoles, 1656), fue un pintor italiano activo en Nápoles durante el Barroco, muy cercano al círculo filoespañol de artistas que rodeó a José de Ribera, el Spagnoletto.

Hijo de un pintor napolitano, Tommaso de Rosa, del cual casi nada se sabe, quedó huérfano pronto, casándose su madre en segundas nupcias con Filippo Vitale, también pintor, que enseñó a su ahijado los rudimentos del oficio.

No conocemos con certeza datos de su juventud. Su primera obra documentada San Nicolás de Bari y el niño Basilio, data de 1636, y ya le muestra como un artista maduro, influido por Domenichino, que había residido en Nápoles en 1631. La estancia de Artemisia Gentileschi en la ciudad (1627) también parece haber sido importante para el arte de Pacecco. Sus ricos colores y su talento en el uso de la luz parecen indicarlo así.

Sin embargo, todavía existe confusión a la hora de adjudicar autoría a muchas obras de Pacecco. El hecho de que trabajara conjuntamente en diversos encargos con su suegro Vitale dificulta la tarea. De Rosa estuvo a sueldo en su taller hasta la muerte del padrastro en 1650. No obstante, parece que el alumno sobrepasó al maestro y llegó a influir en sus últimas obras de manera notable. Pacecco modificó la estaticidad típica de las obras de Filippo Vitale y suavizó las los contornos de las figuras, dulcificando la dureza del maestro.

Parece que su primer fase artística está cercana a los principios caravaggescos del claroscuro, probablemente por influencia de Ribera, para después enriquecer su paleta con colores más brillantes y variados. A partir de 1630 su principal fuente de inspiración será la obra de su colega Massimo Stanzione.

La década de 1650 es la de plenitud como artista. Sin embargo, el hecho de mantener un activo taller con numerosos ayudantes repercutirá en la calidad de su trabajo, que se industrializará en exceso. No obstante, datan de esta época de madurez algunos de los más ambiciosos encargos públicos, que ejecutó con brillantez.

Aunque no consta evidencia documental, parece que De Rosa pereció junto con su familia en la espantosa epidemia de peste que asoló Nápoles en 1656.

Alumno suyo fue Filippo Donzelli. Su hermana Grazia contrajo matrimonio con otro pintor valenciano establecido en la capital napolitana.

Tanning, Dorothea

2009-10-23T10:18:00.000-07:00

Dorothea Tanning nace en 1912 en Galesburg (Illinois,Estados Unidos). Tras emprender sin terminarlos estudios artísticos, se instala en Nueva York en 1935.

Realiza unos dibujos publicitarios, pero Dorothea Tanning tiene una verdadera ‘revelación’ cuando visita la exposición ‘’Arte fantástico, dada y surrealismo’’ en el MOMA en 1936, y queda atrapada por la explosión de sentimientos que le produce, y decide sumergirse por completo en el arte surrealista, realizando magníficas pinturas llenas de símbolos y con una fuerte carga erótica.

Se relaciona con los surrealistas exiliados en Estados Unidos durante la segunda guerra mundial y se vuelve la compañera sentimental de Max Ernst en 1942, y finalmente su esposa en 1946, parece ser que se enamoraron en una partida de ajedrez...afición a la cual eran apasionados los dos.

En los años 40 realiza decorados y vestuarios para el Ballet de Balanchine. En 1955, Dorothea Tanning se lanza en la escultura; ejecuta unas esculturas paralelamente a su obra pictórica; crea humanóides extraños, mitad seres, mitad muebles, extraños fetiches de tela y piel que, según ella, son ‘’simbólicos de la violencia y de la ferocidad de los contactos’’.

Llega a París en 1953 y allí permanece durante casi veinte y ocho años, plasmando siempre su universo personal y femenino. En 1976 muere Max Ernst, y Dorotea decide irse a vivir Nueva York sin dejar de pintar y crear, siempre evolucionando y demostrando en cada nueva obra su extraordinario talento.

Dorothea Tanning vive y trabaja actualmente en Nueva York. Expone incansablemente su trabajo en manifestaciones colectivas o exposiciones personales. Su obra figura en las colecciones de los museos más prestigiosos, notablemente en Francia y en Estados Unidos

Magritte, René

2009-10-12T14:27:00.001-07:00

René François Ghislain Magritte nació en Lessines, Bélgica 21 de noviembre de 1898.

Tras es suicidio de su madre en 1912 se trasladó a Charleroi, donde estudió el bachillerato y se entusiasmó con las películas de Fantomas. Cursó estudios en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. En 1922 se casa con Georgette Berger, una amiga de su juventud, quien le sirve de modelo.

Su primera exposición individual fué en Bruselas en 1927. Al año sigiuente participó en la primera exposición colectiva de los surrealistas en Paris, donde frecuentó el círculo surrealista, que incluyó a Jean Arp, André bretón, Salvador Dalí, Paul Eluard, y Joan Miró. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en el estilo que predominó a lo largo de su larga carrera. Vuelve a Bélgica en 1930.

Expone por primera vez en Nueva York en 1936, alcanzando fama mundial. Recibe el Premio Guggenheim en 1956. Visita Estados Unidos por primera vez en 1965, con ocasión una retrospectiva en el museo del arte moderno en Nueva York.

Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico.

Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas.

Vermeer, Johannes

2009-10-01T15:14:00.000-07:00

Johannes Vermeer van Delft (bautizado en Delft, el 31 de octubre de 1632 - id. 15 de diciembre de 1675), llamado por sus contemporáneos Joannis ver Meer o Joannis van der Meer, es uno de los pintores neerlandeses más conocidos del Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro holandesa, en que su país experimentó un extraordinario florecimiento político, económico y cultural.

La obra completa de Vermeer es muy reducida, solamente 33-35 cuadros.

Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de subastas. Sus primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la fama gracias a su pintura costumbrista, que forma la mayoría de su producción. Sus cuadros más conocidos son Vista de Delft y La joven de la perla. En vida fue un pintor de éxito moderado. No tuvo una vida desahogada, quizá debido al escaso número de pinturas que producía, y a su muerte dejó deudas a su esposa y once hijos.

Prácticamente olvidado durante dos siglos, a partir de mediados del siglo XIX, la pintura de Vermeer tuvo un amplio reconocimiento. William Thoré-Bürger contribuyó a la consagración de Vermeer con unos artículos periodísticos muy elogiosos.

Actualmente está considerado uno de los más grandes pintores de Holanda. Es particularmente reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz.

En sus últimos años de vida empeoraron sus condiciones económicas, teniendo que pedir créditos. A causa de la Guerra Franco-Holandesa iniciada en 1672, no pudo vender más cuadros. Según una carta del 30 de abril de 1676 de Catharina Bolnes pidiendo el perdón de parte de sus deudas, comentaba que su marido tuvo que vender cuadros con los que comerciaba durante la Guerra a menor precio de su valor.[5]

En 1675, Vermeer enfermó y murió a los pocos días. El 15 de diciembre de 1675 fue enterrado en el sepulcro familiar de la Oude Kerk (Iglesia vieja, en español) en Delft. Su mujer tuvo que renunciar a su herencia para anular las deudas y sus bienes fueron a parar a los acreedores.

Etapa azul y rosa de Pablo Picasso

2009-09-26T11:02:00.000-07:00

Sus primeras etapas corresponden al figurativismo. En la denominada época azul domina un sentimiento patético, expresado con una monocromía que posiblemente se inspiró en ideas debatidas en la tertulia modernista barcelonesa de "Els Quatre Gats". Instalado en París, se inclinó decididamente por la monocromía azul para destacar la melodía de las líneas en un muestrario de personajes dolientes. El Picasso de veinte años parece conmovido por el sufrimiento y retrata un mundo de mendigos y ciegos de cuerpos escuálidos y cabezas vencidas.

En la siguiente etapa, la época rosa, combina poco a poco los tonos más amables para plasmar el mundo del circo con sus juglares y saltimbanquis. Si se compara La comida frugal de la época azul con los retratos o escenas de circo correspondientes a la época rosa, se percibe, más allá de las diferencias entre la tristeza compasiva y una cierta serenidad aceptada, la profundización en la observación del hombre y los ambientes sociales. Su vida en el "Bateau Lavoir" parisino tuvo la misma intensidad que la de los cenáculos modernistas barceloneses, y esas vivencias se llevaron a la tela.

segun él propio artista, son el principio de la época azul; tambien repite el motivo de homenaje a Casagemas en una de las mejores obras de esta etapa, "La vida", en la cual aparece como la figura principal en lo que iba a ser un autorretrato del malagueño, tal y como podemos observar en los bocetos previos a este cuadro.

A pesar de las acusaciones de John Richardson (el último de los "biografos oficiales" de Picasso), hacia los críticos que encuentran en la época azul influencias por parte de Isidre Nonell como "orgullosos chovinistas catalanes", que según él, "no pueden encontrar fundamento en estas influencias", lo cierto es que no solo fué la pintura de Nonell, sino la de Paul Gauguin y Emile Bernard la que inspiraron esta época. Cada pintor no ejerció una influencia definitiva, pero esta es incuestionable.

Este es el primer periodo de madurez del artista, aunque no hay ninguna referencia posterior dentro de su propia obra a esta etapa, a diferencia de por ejemplo la época rosa, cuyos temas fueron mas o menos tratados a lo largo de sus prolíficos años de carrera; no obstante en estos años pintó sus primeras obras maestras, como "La celestina", "Pobres a orillas del mar" o "El viejo guitarrista ciego" y "El viejo judío".

VIDEO: Leonor Fini

2009-09-17T09:47:00.000-07:00

Rossetti Dante, Gabriel

2009-09-13T12:47:00.000-07:00

Dante Gabriel Rossetti (Londres, 12 de mayo de 1828 – Birchington-on-Sea, Kent, 10 de abril, 1882) fue un poeta, ilustrador, pintor y traductor inglés.

Hijo de un erudito emigrado italiano, Gabriele Rossetti, D. G. Rossetti nació en Londres, Inglaterra y recibió el nombre de Gabriel Charles Dante Rossetti. Su familia y amigos lo llamaban "Gabriel", pero en sus publicaciones ponía primero el nombre de Dante, debido a sus resonancias literarias. Era hermano de la poetisa Christina Rossetti y del crítico William Michael Rossetti, y fue uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita, junto con John Everett Millais y William Holman Hunt.

Desde muy temprana edad, mostró un gran interés en la literatura. Como todos sus hermanos, aspiraba a ser poeta. Sin embargo, también deseaba pintar, habiendo mostrado un gran interés en el arte italiano medieval. Estudió con Ford Madox Brown, con quien mantuvo una estrecha relación a lo largo de su vida. Estudió idiomas en el King’s College y posteriormente en la Royal Academy.

Dante Gabriel Rossetti
Retrato hecho por William Holman Hunt (1853).Después de la exposición de la obra de Holman Hunt La víspera de Santa Inés, Rossetti buscó la amistad de Hunt. La pintura ilustraba un poema de un autor por entonces poco conocido, John Keats. El primer poema de Rossetti, The Blessed Damozel era una imitación de Keats, así que creyó que Hunt podría compartir sus ideales artísticos y literarios. Juntos desarrollaron la filosofía de la Hermandad de los prerrafaelitas. Rossetti estuvo siempre más interesado en la parte medieval del movimiento que en la moderna. Estaba publicando traducciones de Dante y otros poetas italianos medievales, y su arte también buscaba adoptar el estilo de los primitivos renacentistas italianos.

Las primeras grandes pinturas de Rossetti muestran algunas de las cualidades realistas del movimiento prerrafaelita temprano. En 1849 pinta su primer lienzo inspirado en los antiguos pintores italianos, La infancia de la Virgen. Al año siguiente pinta Ecce ancilla Domini!, una representación de la Anunciación que exaltaba la pureza. Es una interpretación moderna de la Virgen María y de la Anunciación, en la que María es representada como una adolescente indiferente y atemorizada, pálida no tanto por candor espiritual cuanto por consunción. Destaca el uso del cabello pelirrojo, señal de sensualidad para el decadentismo y el simbolismo. La presencia del lirio y de la cortina azul entre los tonos blancos son elementos ulteriores que añaden contenido simbólico a la pintura. Su obra es intensamente mística y primitiva, acercándose al eclecticismo de los nazarenos alemanes. Su pintura incompleta Found (1854) fue la única dedicada a la vida moderna. Representaba a una prostituta, sacada de la calle por un pastor que era su antiguo enamorado. Sin embargo, Rossetti progresivamente prefirió imágenes simbólicas y mitológicas a las realistas. Esto también puede predicarse de su poesía posterior.

Aunque lo apoyó John Ruskin, las críticas que en el año 1850 recibieron sus pinturas hicieron que se retirara de las exposiciones públicas y se dedicara sobre todo a la acuarela, que podían venderse en privado. Tomaba como asunto preferido los textos de Dante, en particular de laVida nueva, que había traducido al inglés, y de la La muerte de Arturo de sir Thomas Malory. Sus visiones de las historias artúricas y del diseño medieval también inspiraron a sus nuevos amigos de aquel tiempo, como William Morris y Edward Burne-Jones.

Estas tendencias se acrecentaron debido a ciertos acontecimientos de su vida privada, en particular por la muerte de su esposa, Elizabeth Siddal, quien se suicidó ingiriendo láudano después de dar a luz a un niño muerto. Rossetti cayó en la depresión y enterró la mayor parte de sus poemas inéditos en la tumba de su esposa, en el cementerio de Highgate. Idealizó su imagen como la Beatriz de Dante en un buen número de pinturas, como El sueño de Dante ante la muerte de su amada (1856) y en Beata Beatrix (1863), obra que marca el camino del pintor hacia una mayor ornamentación y simbolismo; esta pintura alegórica alude a la muerte de su mujer. Representa a Elizabeth en una pose lánguida y sensual, con su cabello rojo natural recogido en un peinado deshecho; sobre sus manos se está posando una paloma roja, símbolo de espiritualidad, que porta en el pico una ramita alusiva al láudano. A sus espaldas, una escena difusa representa a dos personajes, quizá Dante y Virgilio. El complejo simbolismo del retrato es aún fuente de debate entre los críticos.

Dejó la Hermandad Prerrafaelita en 1863, pero mantuvo su mismo estilo pictórico en obras posteriores: La novia (1865), La mujer de la ventana, El vestido de seda azul (1868), May Morris (1872), La doncella herida (1879), Ensueño (1880), La pía (1881) y Juana de Arco (1882). Monna Vana (1866) es el arquetipo de la feminidad decadente, el sujeto de la pintura es una mujer de belleza sensual y andrógina que se cepilla el pelo rojo rodeada de composiciones florales. La rosa es la flor decadentista por excelencia. Pintó varias veces el mito de Proserpina o Perséfone, raptada por el Hades, dios de los infiernos y que tuvo que liberarla, pero con la condición de que no comiera nada en el regreso; Hades la engañó para que comiese seis semillas de granada, fruto de los muertos, que la obligaban a volver seis meses cada año, uno por cada semilla. La diosa es representada según un canon común al romanticismo y al simbolismo: la mezcla de belleza y muerte se indica con el pelo negro y una pose sensual de mujer fatal. En su mano, la granada alude al mito y también, en clave simbólica, a la muerte y la sangre.

Su pintura influyó en el desarrollo del movimiento simbolista europeo. Rossetti representaba a las mujeres obsesivamente estilizadas. Tendía a retratar a su nueva amante, Fanny Cornforth como el epitome del erotismo físico, mientras que otra de sus amantes, Jane Burden, esposa de su socio de negocios William Morris, la idealizaba como una diosa etérea.

Durante este tiempo, Rossetti empezó a obsesionarse con animales exóticos, y en particular con los wombats. Con frecuencia pedía a sus amigos que se encontraran con él en la “Guarida del wombat”, en el zoo de Londres en Regent's Park, y allí pasaría muchas horas. Finalmente, en septiembre de 1869 adquirió su primera mascota de wombat. Este, que vivió poco tiempo y al que llamó “Top”, a menudo lo llevaba a la mesa, y se le permitía dormir en el centro de la mesa durante las comidas. De hecho, se dice que inspiró al lirón de Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll.

Los amigos de Rossetti consiguieron que exhumara los poemas de la tumba de su esposa y los publicara: Poems (Poemas, 1870); fueron muy controvertidos y atacados como el epítome de la “escuela de la poesía carnal”. Ofendía su erotismo y sensualidad. Un poema, Nuptial Sleep (Sueño nupcial), describía a una pareja que se quedaba dormida después del sexo. Esta era parte de la secuencia de sonetos de Rossetti The House of Life (La casa de la vida), una serie de poemas que trazaban el desarrollo físico y espiritual de una relación íntima. Rossetti describe la forma de soneto como el “monumento al momento”, pues busca contener los sentimientos de un momento fugaz, y reflejar su significado. Este fue el mayor logro literario de Rossetti. En 1881 publicó Ballads and Sonnets (Baladas y sonetos). Rossetti también típicamente escribió sonetos para sus pinturas, tales como Astarte Syriaca. Como diseñador, trabajó con William Morris para producir imágenes para vidrieras y otros elementos decorativos.

Hacia el final de su vida, Rossetti cayó en estado mórbido, oscurecido por su drogadicción y su creciente inestabilidad mental, posiblemente empeorada por su reacción a los salvajes ataques de la crítica sobre su poesía desenterrada (1869). Pasó sus últimos años retirado, como un recluso. Murió en Birchington-on-Sea, Kent, Inglaterra.

Bartolomé Esteban Murillo

2009-09-05T13:14:00.000-07:00

Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 31 de diciembre de 1617 – Cádiz, 3 de abril de 1682) fue un pintor español del siglo XVII. Es una de las figuras más importantes de la pintura barroca española que, tras haber decaído en estimación a principios del siglo XX, vuelve a gozar de importante reconocimiento mundial.

Nació en 1617 en la ciudad de Sevilla. Fue bautizado en la parroquia de Santa María Magdalena de la ciudad de Sevilla. Fue el menor de catorce hermanos. Su padre era un cirujano barbero llamado Gaspar Esteban, siendo por tanto Esteban su primer apellido. Su madre se llamaba María Pérez Murillo, de quien tomó el apellido para firmar su obra, como hizo Velázquez. Al morir sus padres cuando tan sólo tenía 10 años, pasa al cuidado de una de sus hermanas mayores, Ana, casada con un barbero cirujano, Juan Agustín de Lagares, con quien el joven Bartolomé mantendría muy buena relación.

Primeros años

Aunque por influencia de su padre ya era aficionado al dibujo, Murillo se formó en el taller de su pariente Juan Castillo, respetado artista en Sevilla, donde pronto comenzó a destacar de entre sus discípulos. Llegó a pasar allí cinco años, siendo uno de sus compañeros de taller el pintor granadino Alonso Cano. Para aportar algún dinero a la casa, a los 14 años de edad pintaba pequeños cuadros, o bien hacía dibujos para las comunidades religiosas.

A los 22 años Murillo decidió establecer un taller de pintura barata que le permitía vender cuadros sobre todo en las ferias de los pueblos, pero a pesar de que se vendían bien, esto no terminaba de satisfacer al artista, tanto es así que tras conocer copias de Antoon van Dyck, traídas a Sevilla por Pedro Moya, surgió en él un fuerte deseo de perfeccionar su pintura. Aunque no se conoce que viajara al extranjero, conoció bien la pintura flamenca, debido entre otras cosas a la posible relevancia de Sevilla como importante ciudad comercial, ya que esto favoreció el conocimiento exterior. No obstante, Murillo tomó la resolución de abandonar su ciudad al menos por un tiempo; el inconveniente sería su situación económica, por lo que tras comprar una pieza de tela y hacerla trozos, pudo pintar en cada uno de ellos un cuadro que vendería a un mercader que embarcaba para Indias.

Se fue a Madrid y logró que Velázquez le abriera las puertas de los palacios reales de Madrid, Toledo y el Monasterio de El Escorial con lo que pudo admirar y copiar grandes pinturas de diferentes maestros, educándose y perfeccionándose de este modo; además, trabajó en el estudio de Velázquez, regresando finalmente a Sevilla cuando convino que realmente estaba preparado. En su ciudad natal causó sensación y admiración por su nueva forma de pintura, siendo entonces cuando comenzó a consagrarse verdaderamente como un pintor. Sus primeras obras están influidas por Zurbarán, Ribera, Alonso Cano, Rubens, Tiziano y Velázquez.

De gran realismo, aunque con un estilo que se estaba forjando a lo que sería después. Su obra fue adquiriendo importancia y evolucionó hacia un pintura suave de gusto burgués y aristocrático, como demuestran sus obras religiosas. Murillo se convirtió en un excelente pintor y poco a poco cimentó su fama.

Consolidación

En 1645 pintó trece lienzos para el claustro de San Francisco el Grande de Sevilla, que le proporcionaron un justificado renombre. Se casa ese mismo año con Beatriz Cabrera, con la que tendrá nueve hijos, cuatro de los cuales murieron en la epidemia de peste acaecida en Sevilla, en 1649.

A raíz de un par de cuadros que lleva a cabo para la Catedral de Sevilla, empezará a especializarse en los dos temas que más fama le han proporcionado, las vírgenes con niño y las Inmaculadas.

El mendigo o Joven mendigo h. 1650Tras una estancia en Madrid entre 1658 y 1660, en este último año, intervino en la fundación de la Academia de Pintura, cuya dirección compartió con Herrera el Mozo. En esa época de máxima actividad recibió importantes encargos, como el retablo del Monasterio de San Agustín; los cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en 1665; las pinturas para el retablo mayor y los altares de las capillas laterales de la Iglesia del Convento de Capuchinos de Sevilla, uno de sus más importantes conjuntos pictórico, y Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna también para los capuchinos de Sevilla; o los cuadros sobre las obras de misericordia para el Hospital de la Caridad.

Las pinturas de la Iglesia de los Capuchinos de Sevilla fueron salvadas de la invasión francesa y restauradas por el pintor sevillano Joaquín Bejarano. En agradecimiento, los frailes le regalaron la pieza que presidía el retablo mayor, El Jubileo de la Porciúncula, actualmente en el Museo Wallraff-Fichard de Colonia, escena que ha sido sustituida por la Inmaculada llamada La Colosal, que Murillo realizara hacia 1650 para el convento sevillano de San Francisco.

En la zona inferior del retablo se situaba la Santa Faz y sobre ésta La Virgen de la Servilleta. En los laterales del cuerpo bajo se encontraban a la izquierda las Santas Justa y Rufina, prototipos de belleza popular sevillana, y a la derecha San Leandro y Santa Buenaventura, patronos de Sevilla. En el segundo cuerpo se situaban a la derecha San José con el Niño y a la izquierda San Juan Bautista.

En el ático figuraban San Antonio con el Niño y San Félix de Cantalicio con el Niño, ambas en formato de medio luneto que posteriormente fue transformado a rectagular. El retablo se halla actualmente en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.

Murillo destacó también como creador de tipos femeninos e infantiles: del candor de La muchacha con flores al realismo vivo y directo de sus niños de la calle, pilluelos y mendigos, que constituyen un prodigioso estudio de la vida popular.

Después de una serie dedicada a la Parábola del hijo pródigo, se le encomendó la decoración de la iglesia del convento de los capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los Desposorios de santa Catalina, ya que falleció mientras trabajaba en ella, a consecuencia de una grave caída desde un andamio, aunque no en el acto, ya que sobrevivió al accidente unos meses más.

A petición del propio pintor, el día 4 de abril de 1682 (un día después de su muerte) fue enterrado en la primitiva Iglesia de Santa Cruz, iglesia que desapareció durante la ocupación francesa; y aunque más tarde volvería a ser levantada una nueva, el solar de la antigua es ocupado hoy día por la Plaza de Santa Cruz, bajo la cual, y en lugar ignorado, descansan los restos de Bartolomé Esteban Murillo.

Fini, Leonor

2009-08-27T11:06:00.000-07:00

Leonor Fini (Buenos Aires; 30 de agosto de 1908 - París; 18 de enero de 1996); pintora surrealista argentina.

Nació en Buenos Aires, hija de madre italiana y padre argentino. Su padre abandonó a la familia cuando Leonor era aún una niña. Creció en Trieste y más tarde se trasladó a París para convertirse en pintora.

En la capital francesa entró en contacto con otros artistas como Paul Éluard, Henri Cartier-Bresson, Max Ernst y Salvador Dalí. Pintó diversos retratos como los de Jean Genet, Anna Magnani o Suzanne Flon. También se dedicó al diseño de vestuario y decorados para obras de teatro. Muchas de sus últimas pinturas juegan con las fantasías eróticas y la muerte.

En la década de los años 70 escribió tres novelas y se hizo amiga de Jean Cocteau, Giorgio de Chirico y Alberto Moravia.

Fini fue también una destacada ilustradora y realizó ilustraciones para obras de autores como Edgar Allan Poe, Marcel Aymé o el marqués de Sade. Durante muchos años estuvo rodeada de grandes amigos como Lepri, gran pintor surrealista y Cots Jelensky, escritor polaco. Su vida era organizada por un español, catalán de adopción y parisino por su trabajo, se llamaba Rafael Martínez.

Sin él nada existiría ya que se preocupó de recopilar y guardar sus obras así como organizar exposiciones y todo tipo de actos tanto en vida de leonor Fini como después de su muerte. Desgraciadamente murió unos años después dejando inacabada su labor y truncándose sus ilusiones que eran crear una fundación sobre Leonor Fini. esta pintora también pintó el logotipo de una tienda que existe en barcelona, Musonka.

Sorolla y Bastida, Joaquín

2009-08-21T14:44:00.000-07:00

Joaquín Sorolla y Bastida, pintor español vinculado al Impresionismo, nace en Valencia en 1863, cuando el movimiento en Francia estaba en pleno apogeo. Sus pinturas por tanto son tardías, pero en ellas reúne las principales características impresionistas como el gusto por el aire libre, la búsqueda de lo momentáneo, de lo fugaz, la captación de los efectos de la luz, la ausencia del negro y de los contornos y las pinceladas pequeñas y sueltas.

Cuando tenía dos años de edad sus padres fallecieron a causa de una epidemia de cólera y son sus tíos maternos quienes se ocupan de él y de su hermana Concha.

Inició sus estudios artísticos con el escultor Cayetano Capuz y después recibió una formación académica en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos. Desde muy joven se aficionó a pintar al aire libre y al empleo de tonos claros y luminosos influido por Pinazo.

En 1884 se presentó al concurso convocado por la Diputación Provincial de Valencia para ser pensionado en Roma. Obtiene la pensión gracias a un cuadro de historia, El grito del Palleter. De ahí se trasladará a París con su amigo el pintor Pedro Gil, donde entra en contacto con el Impresionismo.

Prorrogada su pensión por un año, en 1888 contrae matrimonio con Clotilde García, su mejor modelo y compañera, y se establecen en Asís.

En 1889 se instalan en Madrid, donde comenzó una trayectoria profesional llena de éxitos. De este periodo destacan obras de crítica social, que son demandadas en los certámenes oficiales.

Sorolla viajará por distintas regiones de la geografía española para pintar diferentes paisajes. Se interesó por la ferocidad del mar cantábrico, tan diferente de su mediterráneo. Instantánea de Biarriz, Rompeolas, San Sebastián o Bajo el toldo, playa de Zarauz.

Su popularidad se extendió por toda Europa, realizando exposiciones en París, Berlín, Colonia, Londres y finalmente en varias ciudades de Estados Unidos.

En Noviembre de 1911 firmó un encargo para la Hispanic Society of America para realizar catorce murales que decorarían las salas de la institución. Son representaciones de las gentes y costumbres de las diversas regiones de España. Sorolla se enfrenta a un proyecto mural de proporciones gigantescas. Viajó constantemente por todo el país buscando lo más peculiar de su indumentaria y sus costumbres.

En 1920 sufrirá un ataque de hemiplejía que lo deja invalido del lado izquierdo y tres años más tarde, en 1923, fallece en Cercedilla (Madrid). Por deseo de su viuda, Clotilde García del Castillo, la vivienda familiar y las colecciones que a ella pertenecieron fueron donadas al Estado Español para crear un museo en memoria de su marido.

Namatjira, Albert

2009-08-13T16:29:00.000-07:00

Albert Namatjira (28 de julio de 1902 - 1959), llamado en un principio Elea Namatjira pero renombrado Albert tras su bautizo cristiano, fue un famoso pintor aborigen australiano de la tribu de los aranda.

Nació en Alice Springs y creció en la misión cristiana de Hermannsburg. Ya era un artista con talento antes de que el pastor Albrecht de la misión, le regalara en 1934 su primer equipo de pintura. En 1936 acompañó como guía al artista australiano Rex Battarbee en su viaje para pintar al cercano Palm Valley y allí es donde éste le enseñó la técnica de la acuarela. Bajo la tutela y apoyo de Battarbee desarrolló su técnica distintiva. Sus acuarelas de áridos paisajes del desierto, realizados al estilo occidental, llegaron a adquirir mucha fama y en su primera exposición de pintura, en Melbourne en 1938, se vendieron todos los cuadros. En 1957 le fueron otorgados los derechos de ciudadanía australiana completos, diez años antes de que toda la población aborigen del país los recibiera.

Hasta la década de los 80, gracias a una cierta abundancia de exposiciones, publicaciones y documentales sobre Namatjira, no se comenzó a reconocer que, aunque pintara con técnicas y materiales occidentales, estaba adaptando el simbolismo del paisajismo de occidente para sus propios propósitos culturales aborígenes. Su pintura está basada de un modo consistente en la tradición, mitología y entorno de los aranda. Así, por ejemplo, su utilización de tonos ocres se corresponde con los colores que utilizaran habitualmente sus mayores y pueden percibirse en su obra repeticiones de rocas y árboles similares como creación de símbolos eternos, propios de las concepciones espirituales de su cultura ancestral.

Carracci, Annibale

2009-08-08T11:59:00.000-07:00

Annibale Carracci (Bolonia, 3 de noviembre de 1560-Roma, 15 de julio de 1609) fue un pintor y grabador italiano del clasicismo romano-boloñés. Es el más famoso de la saga Carracci. Se le ha considerado el rival de Caravaggio, pues encarnó una opción artística opuesta a la de aquél.

En la Bolonia de principios de los años 1580, su hermano mayor Agostino Carracci junto con el primo de ambos, Ludovico Carracci, abrieron la academia de pintores de Desiderosi (Deseosos de fama y aprender), que posteriormente se llamó la Academia de los Incamminati (Progresistas) y finalmente la Escuela de los Eclécticos. El principal objetivo de los tres Carracci fue renovar la pintura, que entendían que había degenerado durante el Manierismo y que también veían en peligro por el naturalismo de Caravaggio, al que algunos apodaban «Anticristo del arte».

Los Carracci pusieron un énfasis especial en el dibujo, frente a los diseños sin boceto previo, aparentemente descuidados, de Caravaggio. Su estilo se mueve entre el énfasis por las formas sólidas, duras, típico de los artistas florentinos como Miguel Angel, y la atención veneciana al uso del color rico y muy matizado, con efectos atmosféricos. Estas cualidades combinadas se asociaron a partir de entonces a los artistas de la Escuela Boloñesa, incluyendo a los seguidores más prominentes de los Carracci: Domenichino y Reni. Sin embargo, en siglos posteriores arraigó el prejuicio de que los Carracci imitaban un clasicismo conservador opuesto a Tiziano.

Cupido junto a Venus descubierta por Adonis de Annibale Carracci (1595), Museo del Prado, Madrid.[1]Es difícil distinguir las contribuciones individuales de cada Carracci en muchas de las primeras obras, incluyendo frescos en el Palazzo Fava de Bolonia (c.1583-84), donde trabajaron juntos hasta 1595, cuando Annibale, ahora el más conocido, fue llamado a Roma por el Cardenal Odoardo Farnese para decorar la galería en el Palacio Farnesio (actual embajada de Francia), su obra maestra. Para dicho trabajo pidió la ayuda de su hermano Agostino Carracci, quien por desavenencias desistió pronto. Algunas partes secundarias fueron ejecutadas por Francesco Albani y algún otro.

Annibale cayó en una depresión hacia 1600, se dice que porque sus frescos en el Palacio Farnesio le fueron mal pagados y fríamente estimados. Posteriormente sufrió parálisis en un brazo, y tuvo que recurrir a ayudantes para sus encargos. En esos años se fechan sus murales en la iglesia de Santiago de los Españoles, en Roma; fueron terminados por ayudantes. Estos murales fueron arrancados de las paredes cuando la iglesia se vendió, y se conservan en medianas condiciones en el MNAC de Barcelona y el Museo del Prado de Madrid.

Annibale Carracci cuenta con una relevante presencia en España. El Museo del Prado posee el famoso cuadro Venus y Adonis, recientemente restaurado y considerado ahora mejor que el conservado en Viena. Destacan también La Asunción de la Virgen y un Paisaje con bañistas.

Al igual que Ludovico y Agostino, Annibale trabajó el grabado, lo cual era infrecuente entre los pintores italianos de primera línea, que solían recurrir a grabadores profesionales para difundir sus diseños en estampas. De su etapa de apogeo es el aguafuerte conocido como La Piedad de Caprarola (1597), luego repetido por Agostino. De sus últimos años, cuando ya no podía pintar grandes obras, son dos grabados: La Virgen de la escudilla y Cristo coronado de espinas, ambos de 1606.

Fontana, Lavinia

2009-07-30T14:43:00.000-07:00

Lavinia Fontana (24 de agosto de 1552-11 de agosto de 1614) fue una pintora italiana. Era hija del pintor Prospero Fontana, uno de los líderes de la escuela de Bolonia de la época, y enseñó a su hija.

Fontana se casó en 1577 y siguió pintando durante su matrimonio para ayudar a la familia. Su esposo se encargaba de la casa y asistía a su mujer. La familia se trasladó a Roma en 1603 por invitación del papa Clemente VII. Obtuvo el mecenazgo de los Buoncampagni.

Gradualmente fue adoptando el estilo clasicista de los Carracci contemporáneos de esta (y líderes de la escena artística bolognesa con su academia de postulados clásicos opuestos al Manierismo y al naturalismo de Caravaggio, a quienes se unieron posteriormente Guido Reni y Domenico Zampieri), con un colorido fuerte casi veneciano.

Se influenció también por Antonio Allegri da Correggio y Scipione Pulzone.

Fue elegida para la Academia de Roma.

Pintura Romántica

2009-07-25T16:00:00.000-07:00

En el siglo XIX se producen dos movimientos opuestos en la pintura:

Pintura neoclásica: se basa en la razón.
Pintura romántica: se basa en los sentimientos.
Los primeros años del siglo XIX estuvieron dominados por la vertiente neoclásica. El cambio se produjo cuando los filósofos alemanes, como Kant, empezaron a hablar de lo subjetivo y del sentimiento.

No hay una filosofía del romanticismo definida, ni tampoco cronología exacta. Es una consecuencia de una nueva sensibilidad y una nueva forma de ver la sociedad donde se aspira a nuevas formas de expresión y ya se han liberado las estructuras sociales en la que ese nuevo hombre que surge se asienta.

Además, hay una exaltación épica de las grandes victorias napoleónicas (ya que las derrotas finales no logran empañarlo). Como consecuencia surge el mito del hombre.

Los artistas y poetas se emocionan con la posibilidad de representar lo subjetivo, que puede ser la exaltación del héroe, o luego, con las derrotas, la exaltación del combatiente.

Por tanto, el arte romántico surge a consecuencia del giro y del cambio. Nace como un arte revolucionario, que aspira a conseguir cambios sociales, culturales, políticos...

Los pintores del Romanticismo más importantes son Teodoro Gericault y Delacroix

Teodoro Gericault

Teodoro Gericault atesora las características típicas del pintor romántico:

Es un artista disconforme con su entorno.
Tiene una personalidad melancólica.
Se encierra en la incomprensión, cayendo a veces en la locura.
Tiende a la crítica de lo que le rodea.
Gericault tuvo una infancia difícil. La revolución acrecentó este malestar, lo que despertó en él un carácter sensible.

Marchó a París a corta edad y allí asistió al taller de un pintor enteramente clasicista, con el que no se identificó.

Acudió a diferentes sesiones de París, donde descubrió a Goya, cuya técnica le fascinó y también admiró el tenebrismo de Caravaggio.

Una de sus principales obras es:

Retrato de un oficial de la Guardia Real a caballo
En esta pintura se produce la exaltación de la guerra. Utiliza una técnica bastante nueva ya que se rompe la estructura clásica. Pinta el caballo en diagonal hacia el fondo y muestra una indefinición del espacio pictórico que lo rodea. También le da mucha importancia al color.

En las obras de Teodoro Gericault tienen gran relevancia los caballos, ya que éstos representan una fuerza vital bruta, lo que sirve como vehículo para reconciliar la monumentalidad y la veracidad del arte clásico.

Dos años más tarde Gericault marcha a Italia. De esta época es su obra:

Muerte de Hipólito
Es una buena muestra de un momento de su vida especialmente tormentoso.

La estancia en Italia le da el conocimiento directo y admiración por Miguel Ángel y Rafael, de los que extrae sus desnudos escultóricos.

En Roma, toma su inspiración para representar fiestas populares de Roma, sobre todo el Carnaval, y siempre aparece el caballo como protagonista:

Carrera de caballos salvajes de Roma
El autor escoge el momento frenético en el que los caballos van a comenzar a correr.

Los esclavos tratando de parar la carrera de caballos
En esta pintura concilia lo que es un friso narrativo y las formas clásicas (como relieves en los cuerpos). Hay un gran movimiento.

La doma de los toros
Tiene las mismas características. El paisaje urbano se cambia por uno rural. Se representa el encuentro de la fuerza bruta del animal con el hombre (razón).

Gericault vuelve a París y se coloca en la oposición: critica el régimen de la Restauración, también en lo artístico. En este aspecto es en el que se acerca más a la forma de hacer de Goya.

El pintor, tiene una curiosidad insaciable por lo que ocurre a su alrededor, y tiene predilección por representar escenas violentas como forma de protesta.

La Balsa de Medusa
Gericault se inspira en un hecho real en el que por error del comandante de una embarcación se produce un naufragio. Por tanto, el tema es histórico y real.

¿Qué pretende Gericault con este cuadro? Denunciar públicamente la incompetencia de algunos oficiales que están apoyados desde el poder no sólo por amistad o por conveniencia, sino también por favoritismo.

Gericault escoge en esta pintura el momento en que la esperanza hace su aparición, ya que se vislumbra a lo lejos un barco y un hombre se levanta para hacer señales.

Otras obras suyas son Carrera de caballos y Paisaje de amanecer frío.

También realizó retratos, interesándole mucho por los tipos populares:

Bandolero
Pinta al bandolero con patillas, sombrero

El loco asesino
Es un retrato psicológico magnífico. Emplea tonalidades frías.

Delacroix

Delacroix es el pintor romántico por excelencia. Es la personalidad de un artista extraordinariamente culto, con buena fama en el ambiente artístico.

Fue el prototipo de artista inquieto cuyo valor se le fue reconocida en vida.

Se esforzó por mejorar los procedimientos pictóricos, la técnica de mezcla., etc.

Lo que mejor expresa es el intento de perfección con que Dante expresó el sentimiento profundo del dolor, del sentimiento exaltado...

Delacroix es el único pintor que representa en su época las pasiones de la época: liberalismo revolucionario, pesimismo byroniano, filohelenismo (pasión por Grecia) y orientalismo contemporáneo.
Algunas de sus obras son:

La barca de Dante
Abre un viaje interior en el que se adentra el autor.

La matanza de Quios
Cuadro en el cual repercuten las muertes de dos personajes importantes: Gericault y Byron.

Se trata de una composición bastante clásica en estructura, pero que se apoya mucho en el sentimiento. Se representan el poder (soldado turco a caballo), una mujer sin esperanza, una mujer con esperanza: la que medio muerta da de amamantar a su hijo para que sobreviva.

Esta obra supuso un escándalo para la crítica tradicionalista, pero un apoyo y punto de arranque para las siguientes generaciones.

Delacroix viaja a Inglaterra y allí se relaciona con Turner y Constable. Delacroix será punto de unión de la pintura francesa y el género del paisaje, donde se muestra la sensibilidad del autor hacia la naturaleza. También asiste a obras de teatro de Shakespeare.

Muere en la guerra su amigo Lord Byron, y este acontecimiento le inspira para crear su obra:

Grecia en pie sobre las ruinas de Missolonghi.
En él pinta una figura femenina simbólica que sale de la mina. También una mano sepultada entre las piedras (se dice que representa la del propio Byron).
Esta pintura sirve para representar un hecho histórico en clave de alegoría.

Cuando vuelve de Inglaterra hace cuadros de grandes dimensiones y muy diferentes:

Muerte de Sardanápalos
En este cuadro pinta al rey Sardanápalos que resiste el ataque encerrado con todas aquellas mujeres que habían sido sus favoritas. Se representan joyas, riquezas, desnudos, etc.

Este cuadro supuso un escándalo, pero a partir de él se convierte en el ídolo de los pintores jóvenes.

Decapitación del Dux de Venecia
Muestra en él la riqueza del escenario veneciano (parece que se inspira en Veronés). En esa pintura da una gran importancia a la luz y el color.

La libertad guiando al pueblo
Delacroix se convierte en el intérprete del liberalismo revolucionario. Quiere expresar la exaltación popular, que puso fin al régimen de la monarquía restaurada. El autor tiene hacia este tema un sentimiento importante: libertad como independencia nacional.

La mujer que representa la libertad hondea la bandera tricolor, que es símbolo de libertad y de Francia.

Además, sella la unión de los descamisados y de los burgueses.

Este cuadro no es una alegoría porque sólo es alegoría la figura de la libertad. Podríamos decir que es puramente realista. No hay símbolos ya que la libertad va vestida con ropajes corrientes, sin la espada simbólica.

Jeroen Anthoniszoon van Aken "El Bosco"

2009-07-18T16:43:00.000-07:00

Jeroen Anthoniszoon van Aken, llamado Hieronymus Bosch o Jeroen Bosch, (Bolduque h. 1450 - † agosto de 1516) fue un pintor flamenco. Firmó algunas de sus obras con Bosch (pronunciado como Boss en neerlandés). En español es conocido como El Bosco o Jerónimo Bosch; en italiano es a veces llamado Bosco di Bolduc (de Bosch y Bois le Duc, traducción francesa de 's Hertogenbosch = Bosque Ducal, ciudad natal del Bosco). Protagonista de sus cuadros es la humanidad, que incurre en el pecado y es condenada al Infierno; la única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos, a través de la imitación de sus vidas dedicadas a la meditación aunque estén rodeados por el mal, sea en las tablas con la Pasión de Cristo, a través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, para rescatar al género humano del pecado universal.

En los últimos años de su actividad, el estilo del Bosco cambió y creó cuadros con un número inferior de figuras y de mayor tamaño que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador. El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y sólo firmó algunos. El rey Felipe II de España compró muchas de sus obras después de la muerte del pintor; como resultado, el Museo del Prado de Madrid posee hoy en día varias de sus obras más famosas.

Nació probablemente alrededor de 1450, quizá el 2 de octubre en 's Hertogenbosch, una ciudad en el sur de lo que hoy son los Países Bajos, junto a Tilburg y por entonces en posesión del duque de Borgoña. Su familia, los Van Aken, procedía de Aquisgrán y se dedicaban a la pintura. El apellido familiar arcaicamente se escribía "van Aeken" (de hecho, en neerlandés el apellido se escribe "van Aken" ó "van Aeken", con 'v' minúscula). Aeken es el nombre en dialecto centroalemán de la ciudad de Aquisgrán (llamada en alemán normativo Aachen), de modo que el antiguo apellido familiar indicaba de qué lugar eran oriundos los 'van Aken'. Su padre era Anthonis van Aken, su abuelo Jan van Aeken y su hermano mayor Goossen van Aken. Al ser pintores, según el sistema medieval de estamentos, formaban parte del respectivo gremio. Esto es importante para entender por qué se hizo conocido como 'El Bosco' (en neerlandés:Den Bosch); a la muerte del padre, el hermano mayor fue el único con derecho para usar gremialmente el apellido van Aken (o cualquiera de sus variantes): así, Jeroen adoptó como nombre artístico el nombre abreviado de su ciudad natal, siendo asimismo latinizado su nombre, pasando a firmar como Hieronymus en lugar de Jeroen. Otros, en vez de esta complicada teoría defienden un origen catalán del mismo, Bosch es un apellido catalán de gran tradición, y el hecho de que Bosch suene "bosc", explicaría el porqué de "El Bosco". Ya en 1463 se verifica que utiliza el "apellido" Den Bosch, aunque hacia 1480 es bastante conocido en su país como "Jeroen Die maelre" (en neerlandés: "Jerónimo el pintor". Influenciado por pintores de la escuela alemana Martin Schongauer, Matthias Grünewald) y por Alberto Durero. Ese año, cerca de 4.000 casas de la ciudad fueron destruidas por un incendio catastrófico, que el treintañero Bosco podría haber visto. Nada se sabe de la primera formación artística, pero puede suponerse que aprendió en el taller familiar dedicado a la pintura al fresco, a dorar esculturas de madera y a la producción de objetos sacrados, trabajando especialmente para la catedral de la ciudad. En torno a 1480 se casó con Aleyt (o Aleid)van der Mervenne, hija del rico burgués Goyarts van der Meervenne, que aportó como dote algunos terrenos situados en Oorschot y le facilitó el ascenso social hacia la alta burguesía urbana. Esto le permitió gran libertad para elegir los temas de sus obras. En 1486 ingresó en la Vrouwe broederschap (cofradía religiosa de Nuestra Señora), corporación de gran prestigio e influencia, a la que ya pertenecía su esposa, posiblemente para protegerse de la inseguridad que se vivía en aquellos tiempos de inquisición. Esta cofradía era una asociación de laicos dedicados al culto a la Virgen y a obras de caridad, y también se involucraba en representaciones sagradas. Le sirvió para cultivarse artística y culturalmente. Vive en un ambiente de intensa devotio moderna.

En 1488 presidió el banquete anual de la confraternidad. Entre el año 1488 y el 1489, se sabe, por documentos, que pintó las alas de un políptico esculpido para esta misma confraternidad. El Bosco parece enmarcarse en una corriente mística prerreformista, que arranca de la obra de Eckardt, continuada por Suso y Taulero, difundida en los Países Bajos por el predicador Gerardo Grote, a quien se considera iniciador de la Devotio moderna. Entre el año 1500 y el 1504, no hay documentos referentes al Bosco, es probable que es estos años el artista hiciera un viaje a Italia, permaneciendo en Venecia. De hecho en esta ciudad están presentes muchas obras suyas en colecciones privadas datadas de los primeros decenios del siglo XVI. Por otro lado, a partir de estos años, el estilo del Bosco cambia, en dirección más renacentista con figuras monumentalis inscritas en un airoso paisaje. El 9 de agosto de 1516 se celebraron solemnes exequias por el pintor en la capilla de Nuestra Señora, perteneciente a la confraternidad, constando en los registros de la cofradía de Nuestra Señora de Bolduque en 1516: «Obitus fratrum Hieronimus Aquen alias Bosch, insignis pictor». La obra del Bosco influyó grandemente en la de Pieter Brueghel el Viejo, quien ejecutó varios cuadros de estilo similar, como por ejemplo el El Triunfo de la Muerte de 1562.

Pese a ser casi coetáneo de Jan Van Eyck, sus figuraciones y técnicas son notablemente diferentes. Técnicamente pintaba alla prima, es decir, con la primera pincelada de óleo, sin demasiados retoques ni pinceladas. Sin embargo, el análisis de cada una de sus obras demuestra que hacía un concienzudo y detallado proyecto antes de la ejecución; innova, asimismo, en la gama de colores, con tonalidades más contrastadas y atrevidas. En cuanto a la figuración, El Bosco se destaca por representar a personajes santos como sujetos comunes y vulnerables (total diferencia en esto con Van Eyck, y en cambio mucha similitud con Matthias Grünewald). Es tan patética la vulnerabilidad de los personajes santos representados que les hace queridos por empatía. Prácticamente todos los personajes que representa tienen algo de caricatura. Lo que quizás primero llama la atención de todo aquel que observa una obra de 'El Bosco' es su "surrealismo" -avant la lettre- sintetizado con el típico expresionismo teutónico. En sus obras abunda el sarcasmo y la imaginería de tipo onírico, y lo grotesco. Una de las explicaciones para esto es que 'El Bosco' aún se encuentra imbuido por la cosmovisión medieval repleta de la creencia en hechiceras, la alquimia, la magia, los bestiarios, los tesaurus, las hagiografías... Además, en el 1500 abundaron los rumores apocalípticos. Esto incide para que 'El Bosco' intente desde sus pinturas dar un mensaje moralista, si bien de un moralismo nada pacato sino, por el contrario, satírico; y si 'El Bosco', tiene mucho de medieval, por otra parte nos anticipa al humanismo de la Edad Moderna. Tras su muerte, el rey Felipe II, conociendo la colección que de las obras de 'El Bosco' había hecho Felipe de Guevara, se interesó por su obra, adquiriendo varias de sus pinturas; la atracción que Felipe II tenía por las obras de 'El Bosco' es curiosa: en su dormitorio del Monasterio de El Escorial mantenía al célebre Jardín de Las Delicias. Ha influido en pintores casi contemporáneos suyos, tales como Pieter Brueghel el Joven, y Pieter Huys. En el siglo XX es notorio su influjo en expresionistas como James Ensor, o surrealistas como Max Ernst y Dalí.

Las principales obras de El Bosco son:

- El Carro de Heno (Madrid, Museo del Prado).
- La Adoración de los Reyes (Nueva York, Museo Metropolitano de Arte).
- Ecce Homo (Fráncfort del Meno, Städelsches Kunstinstitut)
- Ecce Homo (El Bosco, Filadelfia), Museo de Arte de Filadelfia, Estados Unidos. Colección John G. Johnson
- El Jardín de Las Delicias (Madrid, Museo del Prado).
- Tríptico del Juicio de Viena (Viena, Academia de Bellas Artes)
- San Jerónimo en oración (Gante, Museum voor Schone Kunsten)
- Crucifixión con donante (Bruselas, Museos reales de Bellas Artes de Bélgica)
- La Coronación de espinas o Los Improperios (Londres, National Gallery)
- Tríptico de la Adoración de los Reyes (Madrid, Museo del Prado).
- Tríptico del Juicio de Brujas (Brujas, Groeningemuseum)
- San Juan Bautista en meditación (Madrid, Fundación Lázaro Galdiano)
- San Juan en Patmos (anverso) e Historias de la Pasión (anverso y reverso) (Berlín, Staatliche Museen zu Berlin, Preussischer Kulturbesitz, Gemäldegalerie)
- Cuatro postigos con la Visión del Más Allá: El Paraíso terrenal; la Ascensión al Empíreo; la Caída de los Condenados y El Infierno (Venecia, Palacio Ducal)
- Tríptico de los ermitaños o El retablo de los eremitas (Venecia, Palacio Ducal)
- El vendedor ambulante (Rotterdam, Museo Boymans Van Beuningen)
- La Nave de los locos (París, Museo del Louvre).
- La muerte de un avaro (Washington DC, Galería Nacional de Arte, col. Samuel H. Kress)
- Extracción de la piedra de la locura (Madrid, Museo del Prado).
- San Cristóbal (Rotterdam, Museum Boymans van Beuningen)
- Tríptico de la Mártir crucificada (Venecia, Palacio Ducal)
- Cristo con la cruz a cuestas (Madrid, Monasterio de San Lorenzo del Escorial)
- Cristo con la Cruz a cuestas (El Bosco, Gante) (Museo de Bellas Artes de Gante, Bélgica).
- La Adoración de los Reyes (Filadelfia, Philadelphia Museum of Art, col. John G. Johnson)
- Cristo con la cruz a cuestas (Viena, Kunsthistorisches Museum)
- Las Tentaciones de san Antonio (Madrid, Museo del Prado)
- Los siete pecados capitales (Madrid, Museo del Prado).
- Tríptico de las Tentaciones de san Antonio (Lisboa, Museu Nacional de Arte Antiga)
- El Prestidigitador (Saint-Germain-en-Laye, Museo Municipal)
- Tablas del Diluvio (Rotterdam, Museo Boymans van Beuningen)
- La Coronación de espinas (Madrid, Monasterio de San Lorenzo del Escorial

Guayasamín,Osvaldo

2009-07-02T14:48:00.000-07:00

Pintor ecuatoriano de origen indio, n. en Quito. Estudió en la Academia de Bellas Artes de la capital. Su pintura se ha sentido influida por las corrientes europeas del cubismo y por el muralismo mexicano, pero se ha impuesto en ella la personalísima visión del artista, con un grafismo de fuerte tensión dramática y un color poderoso. Son significativas las pinturas de La época de la cólera (1968-71), galería del sufrimiento de los indios, y sus dibujos a tinta y sus grabados, siempre con el hombre vencido como protagonista. Fue gran premio de Pintura en la III Bienal Hispanoamericana de Barcelona (1955) y en 1973 se celebró una exposición antológica de su obra en el Museo de Arte Moderno de París.

Oswaldo, nació en Quito, capital del Ecuador, el 6 de Julio de 1919. Se gradúa de Pintor y Escultor en la Escuela de Bellas Artes de Quito. Realiza su primera exposición cuando tiene 23 años, en 1942. Obtuvo en su juventud todos los Premios Nacionales y fue acreedor, en 1952, a los 33 años, del Gran Premio de la Bienal de España y más tarde del Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.
Fallece el 10 de marzo de 1999, a los 79 años.
Sus últimas exposiciones las inaugura personalmente en el Museo del Palacio de Luxemburgo París y en el Museo Palais de Glace en Buenos Aires, en 1995. Hasta poco antes de su fallecimiento estaba trabajando en su obra cumbre, denominada "La Capilla del Hombre".
Ha expuesto en museos de la totalidad de las capitales de América, y muchos países de Europa, como en Leningrado (L´Ermitage), Moscú, Praga, Roma, Madrid, Barcelona, Varsovia.
Realizó unas 180 exposiciones individuales y su producción fue muy fructífera en cuadros de caballete, murales, esculturas y monumentos. Tiene murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central, Consejo Provincial); Madrid (Aereopuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); Sao Paulo (Parlamento Latinoamericano). Entre sus monumentos se destacan "A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito.

Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este mounstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.

Guayasamín fue amigo personal de los más importantes intelectuales y estadistas del mundo progresista, y ha retratado a algunos de ellos, como Fidel y Raúl Castro, Francois y Danielle Mitterrand, Gabriel García Márquez, Rigoberta Menchú, entre otros.

Recibió varias condecoraciones oficiales y doctorados Honoris Causa de Universidades de América y Europa.

Lempicka de, Tamara

2009-06-04T11:15:00.000-07:00

Tamara de Lempicka o Tamara Łempicka, nacida Maria Górska, fue una pintora nacida en Varsovia, Polonia en 1898 (en Moscú, Rusia, en 1900 según otros biógrafos). Destacó por la belleza de sus retratos femeninos, de pleno estilo art decó.

Nació en el seno de una familia acaudalada, siendo desde pequeña una niña autoritaria y con carácter. En 1910 pinta su primer trabajo, el retrato de su hermana. En 1911 hace con su abuela un viaje a Italia, donde descubre su pasión por el arte.

En 1916 se casó en San Petersburgo con el abogado polaco Tadeusz Łempicki. Aunque llevaban una vida lujosa en San Petersburgo, la Revolución de octubre encarceló a Tadeusz, pero ella lo sacó de prisión y se trasladaron a Copenhague. En 1923 se trasladaron a París, donde nació su hija, Kizette. Tamara tomó clases de pintura con André Lhote.

Más tarde expuso en varias galerías de París, ya en estilo art decó, como en la galería Colette Weill.

En 1925 tuvo un lugar en la primera exposición art decó de París, donde se hizo un nombre como artista. Más tarde viajaría con Kizette a Italia para observar de nuevo el arte italiano. En 1927, Kizette en el balcón recibe el primer premio en la Exposición Internacional de Burdeos.

En 1929 se divorcia de Tadeusz y conoce al barón Raoul Kuffner, un coleccionista de su obra. Junto a él, viaja a Estados Unidos. Allí, pese a su orientación bisexual, Tamara acepta casarse con el barón. Se hace famosa entre la burguesía neoyorquina y expone en varias galerías estadounidenses y europeas. En 1933 viaja temporalmente a Chicago donde trabaja con Willem de Kooning y Georgia O'Keeffe. En 1938 se van a vivir a Beverly Hills.

En 1941 Kizette se va a vivir con su madre. En 1960, Tamara cambia de estilo, pasándose al abstraccionismo. En 1962, muere el barón.

El 18 de marzo de 1980, Tamara de Lempicka muere en Cuernavaca (México). Kizette, complaciendo el sueño de su madre, acompañada del escultor Víctor Contreras (heredero de gran cantidad de la obra de la pintora), subieron a un helicóptero y fueron a arrojar sus cenizas en el cráter del Popocatépetl.

Obra

Su obra se basa en retratos femeninos. Siguiendo el estilo del art decó, pinta mujeres etéreas, aunque a la vez férreas; son sus mejores ejemplos, junto con los desnudos. Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general, y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto. Por ejemplo "La mujer dormida". También retrató a su hija en varias ocasiones y a personas relacionadas con la burguesía artística de París y Nueva York. Su estética ha atraído a estrellas del espectáculo como Barbra Streisand y Madonna, de quienes se dice que coleccionaban sus pinturas. Madonna se inspiró en esta pintora para su video musical Vogue de 1990. También aparece un cuadro de Tamara en el de Open your heart, de la misma cantante.

Minero, Camilo

2009-05-27T14:38:00.001-07:00

Camilo Minero fue un pintor, muralista y grabador salvadoreño, nacido el 17 de noviembre de 1917 en Zacatecoluca, El Salvador.

Inicios

Comenzó a pintar a los 13 años. Cursó estudios de pintura en la Escuela Nacional de Artes Gráficas de El Salvador bajo la dirección del maestro Carlos Imery. Fue becado por el Estado salvadoreño, y estudió en México con los grandes muralistas Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. Desde muy joven se afilió al Partido Comunista Salvadoreño, lo que le valió vivir en el exilio durante largo tiempo. Sus obra se encuentra dispersa en toda Latinoamérica, particularmente en México, Cuba, Nicaragua, y otros países.

Carrera docente

Fue maestro en 1960 de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de El Salvador. Pronto llegó a convertirse en el director del Taller de Artes. También trabajó en el departamento de Periodismo de la UES.

Exilio en Nicaragua

Impartió sus conocimientos sobre pintura y grabados en las aulas de diseño de la Universidad Politécnica (Upoli), dirigida por el arquitecto Américo Tapia.

Dado el ambiente de la revolución no era rara la visita de artistas internacionales identificados con la causa; para el caso, se dieron cita en la capital figuras del muralismo italiano como Mauricio Gobernatori, Sergio Michillini y Giancarlo Splendiani, que pintaron la historia de Nicaragua y su revolución. Managua, también fue visitada por los mexicanos Arnold Belkin, que pintó en el Palacio Nacional de Cultura, la obra El prometeo, una apología al héroe mexicano Emiliano Zapata; y Felipe Castellanos, el que pintó El 25 aniversario del terremoto. El contacto con dichos artistas de talla internacional le dio la posibilidad a Minero de madurar como pintor.

Sus obras

Minero, trató de plasmar en sus obras la realidad social de los pueblos latinoamericanos. Vivió exiliado en Nicaragua en la década de los 80, como protegido del gobierno sandinista, apoyó el resurgimiento de una variante del muralismo "realista-social" (como el vivido en los años de la revolución mexicana).

Las pinturas, grabados y serigrafías de Camilo Minero, se encuentran en diferentes ciudades de América Latina, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y museos europeos.

Acerca de sus pinturas, él afirma que:

Yo aplico los amarillos frenéticos, cálidos y los rojos vivos que provoquen la furia y la cólera relevante; el blanco que quiere decir paz, los anaranjados y los sienas son atenuantes, acordes de los amarillos, también utiliza el color negro

Además, dejaba muy clara cuál era su inspiración principal al pintar:

Yo pinto al pueblo, a los trabajadores, a los niños panzones que caminan en los mercados, ahí encuentro la belleza

Se le encomendó en repetidas ocasiones que ilustrase las portadas de importantes escritores latinoamericanos como Hugo Lindo, Pancho Lara, José Martí y José Napoleón Rodríguez Ruiz.

Obras callejeras

Minero, junto al chileno Víctor Canifru y el colombiano Daniel Pulido, incursionan en el arte de pintar en los muros de las calles. Uno de los murales de mucho valor estético que pintó Minero está ubicado en las paredes del parque Las Madres, en Managua. La imagen de dicha obra fue registrada por el investigador David Kunzle, en el texto The mural of revolutionary Nicaragua 1979-1993. Pese a su valor histórico y estético del muralismo del siglo XX, el mural no goza de ninguna protección.

Se sabe que Minero ha pintado murales en México, Cuba y el mismo El Salvador. Sus pinturas, grabados y serigrafías, se encuentran en diferentes ciudades de América Latina, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y Europa.

Enfoque Social

Minero hablando sobre el arte, opinaba que:

El mundo burgués empieza a introducir contra la voluntad del artista de sentimiento social, su prosaico gusto, su culto al dinero, su vulgaridad que resulta incompatible con el verdadero artista

Como parte de su obra social, donó 20 obras a la Asociación Ágape de El Salvador, con el sentido de beneficiar a los más desprotegidos. Sus donaciones han sido múltiples. Esta última llevaba el lema: Nuestra identidad pura sin artificios comerciales.

Homenajes

En 1996, el gobierno de El Salvador, le otorgó el Premio Nacional de Cultura; asimismo, en el 2001, la Universidad de El Salvador le otorgó un Doctorado Honoris Causa.

Además, ganó distintos premios tales como Mención de Honor, Acuarelas (1943), Obtuvo el primer lugar en pintura y grabado, Instituto Politécnico Nacional, México D.F.
(1958), Premio El Salvador, Segundo certamen anual de Pintura Cigarrería Morazán
(1970), Diploma, Museo Nacional de Arte Moderno. La Bienal Americana de Grabado, Municipalidad de Mendoza, Argentina (1978).

Camilo Minero murió en San Salvador, el 6 de mayo de 2005.

Matta Eucharren, Roberto

2009-05-25T11:44:00.000-07:00

Roberto Antonio Sebastián Matta Echaurren nació el 11 de Noviembre de 1911 en Santiago, Chile. Estudió en el Colegio de Los Sagrados Corazones en Santiago y realizó sus estudios superiores en la escuela de arquitectura de la Universidad Católica de Chile, entre 1929 y 1931, titulándose en 1933.

En 1933 se hizo marino mercante, lo que le permitió salir de Santiago y viajar a Europa, instalándose en París. Trabajó con el arquitecto Le Corbusier . A finales de Matta 1934 visitó España, conociendo a los poetas Rafael Alberti y Federico García Lorca. Este último le presentaría a Dalí, quien animó a Matta que mostrara algunos de sus dibujos a André Bretón.
La relación de Matta con Dali y Bretón, influenció fuertemente su formación artística y lo conectó posteriormente con el movimiento surrealista, que él ensambló oficialmente en 1937.
En 1936 viajó a Londres, donde trabajó con Walter Gropius y László Moholy-Nagy. Además conoció y se relacionó con artistas e intelectuales británicos como Henry Moore.
En 1937 Matta asistió al Museo del Prado a la exposición de Guernica de Picasso , lo cuál le impresionó grandemente e influenció en su trabajo.
En este tiempo, artistas de la talla de Marcel Duchamp, tendrían influencia en la obra de Matta .Un tiempo después viajó a Escandinavia en donde él conoció al arquitecto Alvar Aalto
El verano de 1938 marca la evolución del trabajo de Matta del dibujo a la pintura. Roberto terminó sus primeras pinturas en óleo surrealistas, a los que primero llamó "Morfologías Sicológicas" y que más tarde denominó "Inscape". Hacia 1939 Vivió un período con Pablo Neruda en París.
Forzado a salir de Europa con la tensión previa a la Segunda Guerra Mundial, Matta llegó a Nueva York a comienzos de 1939. En un artículo de Kathy Zimmerer acerca de los maestros de la pintura latinoamericana, ella describe "crucifixión" como "envolventes formas biofórmicas que se transforman en un flujo que cruza toda la tela de Matta. La luminosidad de su paleta, el rojo carmesí,los amarillos, el azul y el negro denifen contornos de formas orgánicas, que producen una metamorfosis". Crucifixión es representativo del período no figurativo de Matta, donde el artista desarrolló su gama de colores y el uso del color logra crear espacios y formas enérgicas. Matta, a éstas alturas comenzaría el trabajo del paisaje visionario del subconsciente. Matta tomaba fuerza y aprendía de su mentor Yves Tanguy, con trabajos que recuerdan a pintores del siglo XV y XVI, Bosch o Bruguel

Roberto Matta primero exhibe en a Galería Julian Levy en Nueva York en 1940. Los año 40 significan el ingreso de la figura humana a la composición artística de Matta

En 1947, Matta se aleja del mundo surrealista. En los 50 y el 60 Matta deambula entre Roma, París, y Londres. Roberto visitó Cuba en los años 60 para trabajar con estudiantes de arte. En 1962 le concedieron el premio Marzotto por la obra "La Question Djamilla", una protesta contra la guerra Franco-Argelina.
Su trabajo de los años 60 tuvo un acento político y espiritual. Mucho de su trabajo consistió en tratar temas relacionados con los acontecimientos que ocurrían los lugares tales como Vietnam, Santo Domingo, y Alabama.
En una exposición en 1968 en la galería de Iolas en Nueva York exhibió parte de este trabajo.
Los años 60 marcaron no sólo un cambio en sus temas, sino en su estilo. Él encontró influencia en la cultura contemporánea , combinado con sus raíces surrealistas. Su trabajo se puede dividir principalmente en dos áreas: pinturas cósmicas y apocalípticas. "Elle Gare s'y", es un ejemplo de la arena cósmica . André Bretón lo llamó "automatismo absoluto". La idea del automatismo era un elemento dominante del movimiento surrealista, que acentuó la supresión del control consciente sobre uno dominado por la composición libre de las imágenes y de las asociaciones inconscientes. Matta utilizó automatismo de una manera que permitió que una forma diera lugar a otra hasta que la unificación fuera alcanzada o hasta que la elaboración adicional destruyera la composición.

Matta salió de Chile siendo joven y no tuvo la ocasión de ser conceptuado en como artista "latinoamericanista". Él era ciertamente uno de los pocos artistas surrealistas que representara temas políticos, sociales, y espirituales directamente.

En 1969 Adquiere la nacionalidad francesa .
En 1990 Recibe el Premio Nacional de Arte y se realiza una retrospectiva de su obra en el Museo de Bellas Artes
En los siguientes años se realizan variadas exposiciones de la obra de Matta en diversas partes del mundo y el artista participa en innumerables eventos artísticos.
Roberto Matta vive sus últimos años en Italia, donde muere el año 2002
Roberto Matta Echaurren es considerado el pintor y escultor Chileno más importante en el mundo, debido a su gran influencia pictórica en diferentes países.

EL RENACIMIENTO ITALIANO

2009-05-21T16:42:00.000-07:00

El primer Renacimiento italiano

El arte de la península itálica, favorecido desde hacía tiempo por el mecenazgo de las ciudades rivales e influenciado por el humanismo, reafirmó su rechazo a los "tiempos oscuros" y su gusto por lo antiguo. Las estatuas exumadas de las ruinas inspiraron a los escultores y reintrodujeron el uso del bronce. Los patios y los peristilos de los palacios reinterpretaron la vivienda romana. Los pintores buscaron reproducir la realidad por medio de la representación del espacio y sus volúmenes, de la perspectiva lineal, el modelado y la luz. La plumación artísica del cuerpo humano se basó en estudios anatómicos, el desnudo mostró la belleza del hombre como reflejo del esplendor divino y el retrato fue valorizado. La nueva estética nacida en Toscana se expandió por toda la península, y particularmente Roma se benefició de un activo mecenazgo papal.

La perspectiva

La perspectiva de los pintores (llamada artificial) se diferenció del estudio de la óptica (perspectiva natural). Esta proporcionó a los artistas cómodos esquemas de construcción, permitiéndoles representar la tridimensionalidad del espacio sobre la superficie plana del muro o del panel (posteriormente, de la tela).
se trata, en términos geométricos, de una proyección cónica que tenía como foco el ojo del pintor (o del espectador) y como superficie de proyección, el pano del cuadro, cuyos bordes definían la "pirámide visual" que contenía todos los elementos de la representación. En consecuencia, todas las perpendiculares del cuadro convergían hacia un único centro (el punto de fuga) y la escala relativa de los objetos era respetada.

La tradición gótica revisada por la perspectiva. El mito deformó levemente la imagen de Fra Giovanni da Fiesole, llamado Angelico, considerado un pintor inefable volcado completamente a la devoción o un continuador tardío de la tradición gótica. De hecho, Fra Angelico era un pintor profesional que había ingresado tardíamente en las órdenes y que estaba perfectamente al tanto de las invenciones de la época, especialmente en materia de perspectiva.

Leonardo Da Vinci

Leonardo Da Vinci fue un adelantado a su tiempo.Quiso proyectar sin restricciones sus ideas y descubrimientos, pero su osada inteligencia sobrepasó los límites de comprensión de cualquier ser humano de entonces. Sigmund Freud dijo:'Leonardo da Vinci despertó mientras los demás hombres aún dormían el sueño de las tinieblas'. Sus datos de visionario eran asombrosos: en su faceta más conocida, la pintura, fue el primero en aplicar la perspectiva, y creó las técnicas del claroscuro (el cual modela las formas a través del contraste de luces y sombras) y del sfumato (que consiste en eliminar los contornos de las líneas, difuminándolos en una suerte de neblina que genera un efecto de atmósfera). Desde entónces, la creación pictórica jamás volvería a ser igual.

Desde su comienzo, uno de los rasgos que distinguían al artista era su clara apuesta por la originalidad, que se translucía en un escepticismo hacia las influencias greco-latinas que inspiraban a la mayoría de sus condiscípulos. Porque a Leonardo lo que de veras le interesaba era innovar, crear. Y éste sería el firme compromiso estético que aplicaría a rajatabla durante su fecunda actividad como pintor.

De todos los trabajos realizados en el taller de su maestro se destacaron las tablas de LA ADORACIÓN DE LOS MAGOS Y SAN JERÓNIMO, ambas inconclusas. Leonardo también practicó la técnica del dibujo con lápiz y pluma, y realizó una buena cantidad de bosquejos y bocetos. Pero el mayor brillo artístico de Leonardo corresponde a uno de los cuadros más famosos de la historia de la pintura: LA GIACONDA. La famosa sonrisa de la también conocida como MONA LISA es producto de la sutileza y maestría del genio toscano. Con un trazo asimétrico y la difuminación del fondo que añaden un halomisterioso a una perturbadora mirada que atrae magnéticamente la atención del espectador.

Precisión en las expresiones, tensión en los movimientos. Este fresco, pintado para el refectorio del antiguo convento dominico de Milán, representa el momento en que Jesús, rodeado de los doce apóstoles, revela que será traicionado por uno de ellos. La imagen muestra el drama que se desata: estupor, cólera e incomprensión pueden leerse en sus rostros, tan humanamente representados.

Miguel Angel

Miguel Ángel Bounarroti se dedicó de forma simultánea a la escultura, la pintura, la arquitectura y la poesía. En poco más de cuatro años y prácticamente sin ayuda, el artista completó los frescos de la Capilla Sixtina por encargo de Julio II, quien falleció sin llegar a ver la obra terminada.
En cuanto a la arquitectura, una de sus actividades menos conocidas por el gran público, Miguel Ángel concibió obras notables. En Florencia, la fachada para la basílica de San Lorenzo, la Sacristía Nueva en la misma basílica y la Biblioteca Laurenziana.
Una de las características más palpables de su trabajo es la voluntad de alcanzar una perfecta síntesis entre arquitectura y escultura, como se aprecia en la capilla Medicea de San Lorenzo.Asimismo, Miguel Ángel trabajó como gubernator de la fábrica vaticana, haciéndose cargo de los trabajos de reedificación de la Basílica de San Pedro.El proyecto para la cúpula, la más famosa de sus realizaciones arquitectónicas, absorbió al artista hasta el momento de su muerte, por lo que no llegó a verla finalizada. El urbanismo tampoco escapó a la gran capacidad creadora de Miguel Ángel, que emprendió tareas como el ordenamiento de la plaza romana del Campidoglio, cuyas obras se extendieron durante 10 años.

DONATELLO- EL CULTO A LA ANTIGÜEDAD

Los escultores florentinos, impregnados de cultura humanista, adquirieron poco a poco la convicción de que la perfección plástica sólo podía alcanzarse imitando la antigüedad.
El hombre se transformó en el centro de las preocupaciones artísticas, el busto, las medallas, las estatuas ecuestres, monumentos funerarios ocuparon especialmente a los escultores y permitieron la exaltación de las virtudes humanas. Donatello es quien se preocupó de reproducir las realidades del mundo natural.
Donatello se inició en el taller de Ghiberti. Desde 1410 su estilo innovador e independiente se impuso al de su maestro, así como al de sus contemporáneos. Éste, atraído por la Antigüedad, realizó numerosos viajes a Roma. Sin embargo, la genialidad de las piezas de Donatello reside en su carácter profundamente personal y expresivo. Sus primeras esculturas manifiestan el furor de su inspiración. Sin duda, el carácter demasiado innovador de las obras de Donatello, explica la poca influencia que éstas ejercieron en los escultores de su tiempo.

Otta Troller, Francisco

2009-05-19T15:52:00.000-07:00

Francisco Otta Troller, pintor. Nació en 1908 en Pilsen, Bohemia, antiguo reino de Europa Central que fue la base de la organización de Checoslovaquia. Falleció en Santiago el 1º de julio de 1999.

A sus estudios de Economía en la Universidad de Viena, de Linguística en la Universidad de Grenoble, Ciencia de la Escritura en la Universidad Técnica de Praga y Jurisprudencia en la Universidad de La Sorbonne, se suman los de Pintura e Historia del Arte en la Escuela de Bellas Artes de Viena, Grabado en el Atelier Dix-Sept, un Magister en Gráfica y un curso de perfeccionamiento en Gráfica Aplicada y Exhibition Display en The Reiman School de Londres.

Se radicó en Chile en 1940. En 1950 le fue otorgada la ciudadanía chilena.

Otta fue un hombre multifacético en su vida y también dentro de su trayectoria artistica. Fue afichista, crítico de arte, trabajó en la Radio Usach y en Revistas especializadas, fue Miembro de la Asociación de Críticos de Arte en Chile y de la Association Internationale de Critiques d`Art de París. Ejerció como profesor en el departamento de Diseño de la Universidad de Chile, de la cual también fue miembro del Consejo Normativo. Se desempeñó además en la Escuela de Diseño del Instituto Profesional de Santiago, y en el Departamento de Arte de la Universidad Técnica del Estado, actual Universidad de Santiago, y en la Escuela Superior de Artes Gráficas.

Destacó como conferencista y autor de libros, entre ellos La guía de la Pintura Moderna, Breviario de los Estilos, De Altamira a Picasso y Escribir sin letras.

En 1999 el Museo de Bellas Artes realizó un Homenaje Póstumo a Francisco Otta con una exposición retrospectiva.

ESTRATEGIA VISUAL

Como pintor, su estilo no perteneció a tendencia o movimiento artístico de su época, aunque fue contemporáneo de la Generación del Cuarenta y se le ha incluido entre sus integrantes.

En una primera etapa su obra al óleo, se caracterizó por los fondos planos construidos con figuras geométricas, por lo general rectángulos, que mantenian su autonomía de forma y color de gran armonía de matices y bordes fusionados. Posteriormente su composición corresponde a un mundo figurativo, reconocible, pero siempre asociado a la abstracción, en el cual el dibujo juega un rol de gran importancia. Creó paisajes, figuras, animales y frutas inspirados en sus observaciones del diario vivir, sus recuerdos y los muchos viajes que realizó dentro y fuera del país, convirtiendo la realidad exterior en interpretaciones personales.

Soriano, Juan

2009-05-18T21:05:00.000-07:00

1920
Nace Juan Soriano en Guadalajara, Jalisco, el 18 de agosto. Es hijo de Rafael Rodríguez Soriano y Amalia Montoya Navarro. Sus padres le dan el nombre de Juan Francisco Rodríguez Montoya, pero desde niño es conocido en su medio natal con el nombre de Juan Soriano, por el segundo apellido de su padre.

1932
Comienza a visitar asiduamente la casa de Jesús Reyes Ferreira, “Chucho” Reyes, donde conoce a Luis Barragán y admira por primera vez la pintura europea en cromos de libros y revistas. Se introduce en los retratos de José Maria Estrada, que Reyes colecciona. Va por primera vez a un museo y comienza a leer los Clásicos que edita José Vasconcelos. Conoce a Roberto Montenegro.

1933
Por intermedio de su hermana Martha conoce al pintor Alfonso Michel. Ingresa al taller “Evolución” de Francisco Rodríguez “Caracalla”, donde también hicieron sus primeras incursiones en la pintura Raúl Anguiano y Jesús Guerrero Galván.

1934
Participa en la exposición colectiva del taller “Evolución” en el Museo de Guadalajara, donde expone oleos pintados sobre cartón. Entre éstos se contaron un autorretrato y los retratos de sus hermanas Rosa y Martha. Visitan la exposición Lola Álvarez Bravo, Maria lzquierdo y José Chávez Morado, quienes le sugieren trasladarse a la ciudad de México.

1935
Llega a la ciudad de México, siguiendo a su hermana Martha. Con la ayuda de quienes lo invitaron a trasladarse a México, ingresa como maestro de dibujo en la Escuela Primaria de Arte, dependiente de la Secretaria de Educación Pública. Por medio de su hermana, conoce a Xavier Villaurrutia, Agustín Lazo y Elías Nandino.

1936-37
Ingresa a la Escuela Nocturna de Arte para Obreros, donde Emilio Caero y Santos Balmori serán sus maestros. Balmori lo inscribe en la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR). Expone sus dibujos de fin de curso, junto con un compañero, en una pequeña sala del Palacio de Bellas Artes. Participa en una exposición colectiva organizada por la LEAR. El director de cine Chano Urueta publica un articulo sobre la misma donde elogia ampliamente a Soriano. Entra en contacto con la galería de Inés Amor. Asiste a las tertulias del Café Paris, donde departe con Rafael Solana, Isabel Villasenor, Frida Kahlo, Lupe Marín y varios de los miembros de la revista Contemporáneos. Hace amistad con Salvador Novo y Carlos Pellicer. Participa como escenográfo en obras teatrales de Maeterlinck y Bernard Shaw, en el Teatro Orientación, dirigido por Celestino Gorostiza.

1938
Traba amistad con Octavio Paz, quien ha vuelto a México después de su experiencia en la guerra civil española. Rompe con la LEAR y con Santos Balmori. Viaja con Rafael Solana a la Universidad de Berkeley, en California, EUA.

1939-41
Imparte clases de desnudo en la Escuela de Pintura y Escultura “La Esmeralda”, entonces bajo la dirección de Antonio M. Ruiz “El Corcito” Realiza varias obras en cerámica, en el taller de Francisco Zúñiga. Continua su carrera como escenográfo y diseñador de vestuario en la puesta en escena de El tejedor de Segovia, de Juan Ruiz de Alarcón, que se presenta en el Teatro del Sindicato de Electricistas bajo la dirección de Ignacio Retes. En agosto de 1941, realiza una exposición individual en la Galería de Arte de la Universidad Nacional Autónoma de México. Con este motivo, Octavio Paz le dedica el ensayo “Rostros de Juan Soriano”. Traba amistad con Maria Zambrano y otros refugiados españoles.

1945-47
Participa en varias exposiciones colectivas en Nueva York y Filadelfia, EUA. Se reencuentra con Octavio Paz en Nueva York. Coincide en los Estados Unidos con Carlos Mérida, Olga y Rufino Tamayo. Ingresa y expone por primera vez en la Galería de Arte Mexicano, de la ciudad de México. Escribe, junto con Diego de Mesa el libreto para El pájaro y las doncellas, ballet inspirado en un cuadro de Carlos Mérida, con música de Carlos Jiménez Mabarak; diseña para ese ballet la escenografía y el vestuario. Participa en la tertulia de Octavio G. Barreda en el Café Paris, y colabora en la revista "El hijo prodigo". Barreda le dedica un ensayo en esa revista, donde lo distingue como un artista afín a Frida Kahlo, Agustín Lazo, Rufino Tamayo y Carlos Mérida.

1950
Recibe el Primer Premio en el Salón de Invierno.

1951-53
Primera estancia en Roma. El pintor chileno Roberto Matta lo presenta con los hermanos Piero y Andrea Cacella, en cuyo taller realiza terracotas y cerámicas. Hace amistad con Elena Croce. Regresa a México y colabora con el diseño de escenografías y vestuarios para las coreógrafas Josefina Lavalle y Ana Mérida. Ilustra el libro Homenaje a Sor Juana editado por Juan José Arreola en la colección “Los Presentes”'.

1954
Viaja a Creta. A partir de esa experiencia, y gracias a la amistad renovada de Maria Zambrano en Roma, pinta los cuadros titulados "Apolo y las musas". Octavio Paz le dedica un segundo ensayo.

1956
A iniciativa de Jaime García Terrés, se funda el grupo Poesía en voz alta, donde Juan Soriano participara como escenográfo y diseñado de vestuario, colaborando con Octavio Paz, Leonora Carrington, León Felipe, Diego de Mesa y José Luis Ibáñez. Diseña escenografías para el primer programa en el Teatro El caballito. Reúne parte de su obra pintada en Italia y la presenta en la Galería Schneider de Roma. Es la primera de una larga serie de exposiciones realizadas en Europa.

1957
Recibe el premio José Clemente Orozco del gobierno del estado de Jalisco. Diseña escenografías y vestuarios para IQS programas de Poesía en voz alta, en el Teatro Moderno, en obras de Ionesco, Calderón de la Barca, Francisco de Quevedo y Elena Garro, entre otros. Colabora en Asesinato en la Catedral de T. S. Eliot bajo la dirección escénica de Juan Ibáñez y la literaria de Octavio Paz. Paul Westheim escribe sobre su trabajo escénico: “No hace ‘decorados’: sus Escenografías son transformaciones del espacio pictórico en espacio de escenario.”

1958
Realiza la ambientación para las lecturas de Ventura Allende y El Encanto, tendajón mixto, de Elena Garro, que se presentan en el Ateneo Español de México. Expone en la Galería Ruthermore de San Francisco, California, EUA.

1959
Celebra el 25 aniversario de su quehacer pictórico con una exposición en el Museo de Arte Moderno, en el Palacio de Bellas Artes de la ciudad de México. Diseña la escenografía y el vestuario de Las criadas, de Jean Genet, obra montada en el Teatro Virginia Fábregas como sexto programa de Poesía en voz alta. Publica su ensayo “La pintura abstracta” en la Revista de la Universidad de México. Realiza una exposición de sus cerámicas en la galería de Antonio Souza.

1960
Diseña la escenografía y el vestuario para la Electra de Sófocles, dirigida por Diego de Mesa dentro del séptimo programa de Poesía en voz alta, en el Teatro Sullivan.

1961-1962
Es nombrado maestro de cerámica en la Escuela de Diseño y Artesanías del Instituto Nacional de Bellas Artes. Se consagra a realizar una serie de retratos en torno a una modelo única, Lupe Marín, que expondrá en la Galería Misrachi. Octavio Paz le dedica un tercer ensayo, “La exposición de Soriano”. Diseña la escenografía y el vestuario de un ballet inspirado en el poema de Elías Nandino, Triángulo de silencios, con música de Béla Bartok y coreografía de Ana Mérida, que se presenta en el Palacio de Bellas Artes. Publica “Homenaje a Picasso” en la Revista de la Universidad de México.

1963
Juan García Ponce realiza en la Casa del Lago la exposición homenaje “Juan Soriano y el Teatro”, en la cual reúne obra escenográfica, de ambientación y de vestuario. Diseña la escenografía y vestuario para el octavo programa de Poesía en voz alta con la obra La moza de cántaro de Lope de Vega, dirigida por José Luis Ibáñez en la Casa del Lago. Viaja con Juan García Ponce a Yucatán. De regreso, sufren un accidente automovilístico, origen del cuadro "El accidente".

1964
Recibe una presea por su participación en la muestra “Jalisco a sus pintores”, en la exposición conmemorativa del Año de las Artes Plásticas de Jalisco.

1966
Realiza esculturas en cerámica y bronce. Presenta su primera gran exposición escultórica en México, en el Palacio de Bellas Artes.

1967
Ilustra "El Bestiario" de Guillaume Apollinaire, publicado por la editorial Joaquín Mortiz. Expone esos dibujos en la Galería Juan Martín.

1969-1975
Segunda estancia en Roma. Regreso a la ciudad de México. En 1974, Luis Cardoza y Aragón lo llama “poeta, hondo pintor de parábolas visuales”.

1975
Se traslada a vivir a Paris. Recibe un contrato de la compañía Olivetti para realizar grabados en el taller de Bramsen y Colt. Conoce y entabla amistad con Antonio Saura, Julio Cortazar, Milan Kundera y Valerio Adami. Encuentra también a Pedro Coronel y Alberto Gironella, quienes vivían en esa ciudad. Desde entonces a la fecha, vive entre Paris y la Ciudad de México.

1976
Recibe el Premio Especial en el VIII Festival Internacional de Pintura de Cagnes-sur-Mer, Francia.

1978-1979
Obtiene la beca de apoyo a pintores distinguidos de la Fundación Cultural Televisa, consistente en 2 500 000 de pesos para producir durante un año treinta cuadros de gran formato y treinta de formato pequeño. Ilustra la portada del libro de Octavio Paz, "Xavier Villaurrutia en persona y en obra", publicado por el Fondo de Cultura Económica.

1980
Realiza una carpeta con 32 serigrafías y texto de Sergio Pitol, "El único argumento", para Ediciones Multiarte. Una retrospectiva de su obra se expone En Monterrey, Chihuahua y la ciudad de México.

1984
El Instituto Cultural Cabañas le otorga la Medalla de Oro a la Excelencia.

1985
Celebra los cincuenta años de actividad artística con una exposición homenaje en el Palacio de Bellas Artes, que luego viaja a diferentes ciudades de la República. Juan García Ponce escribe sobre el: “Se ha hecho dueño de la pintura, pero ¿no lo ha sido siempre...?”

1987
El gobierno mexicano le otorga el Premio Nacional de Arte. Es nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el gobierno francés. Obtiene el Premio Jalisco de Arte. Realiza la escultura monumental Toro, para el parque Tomas Garrido Canabal de Villahermosa, Tabasco.

1989
Comienza a realizar los dibujos para el libro "Antológico Animalía" de Alfonso Reyes. Realiza varias esculturas monumentales: Paloma, para el museo MARCO de Monterrey a solicitud del arquitecto Ricardo Legorreta; Ola, para el Worid Trade Center de Guadalajara, y El caracol para el Museo Amparo de Puebla.

1990
El Museo de Arte Moderno de la ciudad de México y el Instituto Cultural Cabañas de Jalisco le dedican homenajes por sus setenta años de vida.

1993
Realiza la escultura monumental Luna para el Auditorio Nacional de la ciudad de México, obra de los arquitectos Teodoro González de León y Abraham Zabludovsky. Presenta una exposición de esculturas en el Colegio de Jalisco y en el Instituto Cultural de México, en San Antonio, Texas, EUA. Sergio Pitol publica el libro Juan Soriano bajo el sello de la Editorial ERA y el Conaculta.

1994
Realiza la escultura monumental Sirena para la Plaza Loreto de la ciudad de México. Una muestra escultórica y la exposición “Juan Soriano visto por once fotógrafos” se presentan en las ciudades de San Antonio, Dallas, Austin, Washington y Chicago, EUA.

1995-1996
La muestra “Juan Soriano, 50 años de obra grafica” recorre varias ciudades de Estados Unidos. Realiza las esculturas monumentales en bronce Dafne para el edificio Arcos-Bosques, obra del arquitecto Teodoro González de León, y Mano para la sede del grupo Herdez, obra del arquitecto Javier Sordo Madaleno en la ciudad de México.

1997
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid, presenta una gran retrospectiva de su obra, 1937-1997; José-Miguel Ullán fungió como comisario de la exposición, que incluyo pintura, escultura y obra grafica.

1998
Elena Poniatowska publica el libro "Juan Soriano, niño de mil años", que incluye varias entrevistas con el pintor realizadas desde 1966.

1999
Exposición retrospectiva en la Galería de la Rectoría General de la Universidad Autónoma Metropolitana.

2000
Expone diez esculturas monumentales en la Plaza de la Constitución de la ciudad de México para celebrar sus 80 años de vida, en el marco de la XVI edición del Festival del Centro Histórico de la Ciudad. Realiza dos esculturas para la Expo Hannover 2000 en Alemania, Ofrenda l y Ofrenda II, bronces de mas de 6 metros de altura. El Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino Tamayo le dedica una exposición homenaje, de la que es comisario Miguel Cervantes.

2001
Presenta seis exposiciones en la República Mexicana. El centro Cultural Español de Cooperación Iberoamericana de Miami, Florida; presente exposición de dibujos y presentación del libro Amigo Enigma: dibujos de Juan Soriano por Orlando Gozález Esteva y publicado por Ave de Paraíso ediciones. Arturo Ripstein realiza largometraje dedicado a la vida de Juan Soriano, titulado Fecit-Dixit.

2002
La Real Casa de Correos, sede de la Presidencia de la Comunidad de Madrid, España, exhíbe exposición escultórica de Juan Soriano: Libre en el Espacio, y se realiza la itinerancia en las ciudades de Budapeste y Berlín. La exposición colectiva de las esculturas en plata de México de Tane Orfebres, se presenta en Dallas, Texas, en el Meadows Museum y en Southern Methodist University.

2003
Ilustra los libros, "La Fuerza del Destino" de Julieta Campos, publicado por la editorial Alfaguara; y "El Aguila o Sol", de Octavio Paz, publicado por la editorial AUIEO, Trento. Realiza seis esculturas monumentales para diferentes estados de la República Mexicana. El Instituto Italo-Latino Americano presenta la exposición de esculturas de Juan Soriano: Libre en el Espacio en Scuderie de Palazzo Santacroce, Roma Italia. Trabaja nuevamente en la elaboración de tapices, con el tema de la muerte, en el taller de los Gobelinos en Guadalajara, Jalisco, Coordinado por Jaime Ashida.

2004
En la Maison de L Amerique Latine de Paris, Francia, se lleva a cabo una conferencia magistral entre Juan Soriano y Elena Poniatowska. El Gobierno de Francia le otorga el grado de Oficial de la Legión de Honor. Realiza cinco exposiciones individuales en México. Se crea la Fundación Juan Soriano y Marek Kelller AC .

2005
Exposición en el Instituto Mora.
Abril - junio. Exposición "Jun Soriano espíritu de formas, escultura monumental" UNAM Inst. de Estudios Superiores de Acatlán.
Mayo - junio. Exposición "Jun Soriano sueños y formas" escultura monumental y tapices, en la Escuela de Artes Plásticas de la UNAM.
Fundación José Cuervo rinde homenaje al Mtro. Juan Soriano.
Mayo - julio. Exposición "Formas y enigmas en la escultura de Juan Soriano" en la Antigua Academia de San Carlos, UNAM.
Agosto. Exposición "Los prodigios de Juan Soriano" en la Explanada del Auditorio Nacional. Homenaje por su 85 aniversario.
Agosto - octubre. Exposición "Las alas de Juan Soriano" en el Museo del Palacio de Bellas Artes.
Septiembre - diciembre. Exposición "Obra gráfica de Juan Soriano" en el Museo de la Estampa, Estado de México.
Octubre. Exposición "Escultura en plata y pintura" Galería del Palacio de Gobierno, Villahermosa, Tabasco. Exposición "Escultura en bronce" Centro Cultural Villahermosa, Tabasco.
Noviembre. Exposición y catálogo "Los sueños moldeados, Juan Soriano", Museo de Arte Zapopan (MAZ). Zapopan, Jalisco. Exposición "Juan Soriano. La Rebelión y la Libertad", Museo Amparo. Exposición "Escultura Urbana Monumental", Durango, Durango.
Diciembre. Exposición de obra litográfica y escultórica en la Galería Enrique Jiménez.
Recibe el Premio de Excelencia Universal; el Premio Velázquez de Artes Plásticas otorgado por el Ministerio de Cultura del Gobierno de España y entregado por sus Majestades los Reyes de España;
la Medalla Conmemorativa en oro del Palacio de Bellas Artes; recibe distinción honoraria como Embajador de la Marca-México otorgada por la Fundación México Puente de Encuentros; recibe la presea Savia del Edén y recibe el reconocimiento Doctor Honoris Causa, otorgado por la Universidad de Colima.

2006

El Gobierno de la República de Polonia le otorga la condecoración "Orden al Mérito". Enero 2006.

EL RENACIMIENTO FLAMENCO

2009-05-15T18:56:00.000-07:00

El nacimiento de una pintura burgesa

Mientras la pintura italiana, impregnada de humanismo, fue el resultado de un proceso de investigación teórica e intelectual, los "primitivos" flamencos inventaron una representación del mundo caracterizada por la mímesis y la riqueza simbólica.

Durante el siglo XV, Flandes fue una de las regiones más prósperas y urbanizadas de Europa. La Iglesia y la burguesía mercantil se enriquecieron y se transformaron en una clientela de creciente importancia para los artistas. La abundancia de encargos generó la necesidad de ampliar los talleres y aumentar el número de aprendices. Al mismo tiempo, los miembros y las corporaciones ligadas a los poderes locales liberaron de su status de artesanos a los maestros más importantes que dirigían talleres (Roger van der Weyden, Dirk Bouts). Así, según un sistema de franquicias, fueron incorporados a los notables, permitiéndoseles ejercer en todas las ciudades. Las prácticas artísticas también evolucionaron. Las relaciones que Flandes mantuvo con otras regiones de Europa motivaron a los artistas a formarse fuera de las fronteras del país. Italia (en el caso de Justo Gante) y Borboña (para Jan y Hubert van Eyck) fueron destinos privilegiados por los artistas de Flandes, que encontraron allí nuevas fuentes de inspiración y dieron a conocer sus propias técnicas.

Cabe aclarar que la región de Flandes estaba comprendida por los actuales países de Bélgica, Luxemburgo y parte de Holanda.

El desarrollo de la pintura al óleo

Se considera a los pintores flamencos como los inventores de la pintura al óleo. Esta técnica, que consiste en mezclar pigmentos molidos con un medio translúcido y secante, ofrecía una soltura en la ejecución y nuevas posibilidades cromáticas.

Permitía, tanto sobre madera como sobre tela, crear efectos de transparencia y de superposición (veladuras), jugar con los matices, la iluminación, los reflejos y las evanescencias. Esta innovación técnica presentaba numerosas ventajas respecto de la témpera y acentuaba la ilusión de profundidad en los paisajes y decorados. Así, la perspectiva atmosférica, que fue posteriormente teorizada por Leonardo Da Vinci, se convirtió en uno de los aspectos característicos del arte flamenco durante más de un siglo.

LOS ARNOLFINI, pintura realizada por Jan Van Eyck en 1434
Un doble retrato, secular y con símbolos religiosos. Giovanni Arnolfini dirigía en Brujas la sucursal del banco florentino de los Medici. Jan van Eyck representa acuciosamente su residencia y traje de gala. Mezcla el universo concreto de la alta burguesía con elementos religiosos: el énfasis dado al vientre femenino, la cama, el perro como símbolo de fidelidad, el plumero y la figura de madera de Santa Margarita, protectora del hogar, símbolos de los deberes de la mujer, entre otros.

Una nueva estética

Los encargos religiosos de iglesias y capillas conservaron la forma del retablo, heredadas de las tradiciones medievales. Los pintores explotaron también la dimensión teatral. Mediante la combinción de batientes que se abrían y cerraban, y con la multiplicación de figuras y detalles significativos, crearon verdaderos "cuadros animados", a semejanza de las representaciones teatrales de inspiración religiosa en boga durante los siglos XIV y XV. Con la introducción de una nueva representación de la fe, más cercana a la realidad y a la vida humana, los pintores flamencos, y en especial los Van Eyck, instauraron una relación más familiar entre Dios y el espectador.

VIDEO: Kandinsky

2009-05-15T18:51:00.000-07:00

Kandinski, Vasili

2009-05-14T19:40:00.000-07:00

Vasili Vasílievich Kandinski (ruso: Васи́лий Васи́льевич Канди́нский) (Moscú, 4 de diciembre de 1866 - Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.

Primeros años

Nació en Moscú en 1866, en 1871 su familia se traslada a Odesa. De 1886 a 1889 estudia Leyes en Moscú. En 1896 rechaza un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiar Arte en Múnich.

En 1901 funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo son paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve; también pinta temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este período está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.

En 1902 expone por primera vez con la Secession de Berlín y realiza sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expone en el Salón de Otoño de París.

En 1909 es elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tiene lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comienzan en 1909 y, en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias espaciales.

Madurez

En 1910 hace su primera acuarela abstracta, en la que(...) en las manchas más oscuras predominan dos colores, el rojo y el azul, que evidentemente están relacionados porque siempre están juntos. El rojo es un color cálido y tiende a expandirse; el azul es frío y tiende a contraerse. Kandinski no aplica la ley de los contrastes simultáneos sino que la comprueba; se sirve de dos colores como de dos fuerzas manejables que se pueden sumar o restar y, según los casos, es decir, según los impulsos que siente, se vale de ambas para que se limiten o se impulsen mutuamente. Hay también signos lineales, filiformes; son, en cierto modo, indicaciones de posibles movimientos, son trazos que sugieren la dirección y el ritmo de las manchas que vagan por el papel. Ponen en movimiento a toda la acuarela (...)" (Argan).

En Composición IV de 1911, las figuras están tan simplificadas, el color es tan arbitrario y el espacio tan confuso que es imposible distinguir el tema sin la referencia de los cuadros anteriores de la serie. Especialmente desorientador para el espectador es el modo en que se usa la línea, tanto como elemento independiente, o bien como límite para el color.

En 1911 Kandinski y Franz Marc se retiran del NKVM y sientan las bases de Der Blaue Reiter, editando un almanaque en 1912. La primera exposición tiene lugar en diciembre, en la galería Thannhauser de Múnich.

En 1911 Kandinski publica De lo Espiritual en el Arte; en 1912 se publica el almanaque con obras de Kandinski y Marc, y tiene lugar la segunda exposición del Blaue Reiter en la galería Hans Goltz. Este mismo año tiene lugar la primera exposición individual de Kandinski en la galería Der Sturm de Berlín. Los temas preferidos de Kandinski en esta época son violentos y apocalípticos, y tienen su origen en las imágenes religiosas populares de Alemania y Rusia. Hacia 1912 su trabajo ha pasado ya por diversas evoluciones productivas.

En 1913, cuando pinta Líneas negras, ya no se puede hablar de abstracción a partir de un tema; el color y la línea han tomado por sí mismos tal expresividad que ya no siguen un modelo preestablecido. Obras como ésta son las primeras verdaderamente abstractas.

Arte abstracto

El desarrollo de Kandinski hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en "Abstracción y empatía" de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.

Kandinski, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.

En De lo Espiritual en el Arte, habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinski da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma.

En 1913 una obra suya se presenta en el Armory Show de Nueva York y, al estallar la Primera Guerra Mundial, vuelve a Rusia, instalándose en Moscú, hasta 1921.

A partir de la Revolución de Octubre de 1917, Kandinski desarrolla un trabajo administrativo para el Comisariado del Pueblo para la Educación; entre los proyectos de este organismo está la reforma del sistema educativo de las escuelas de arte. En 1920 fue uno de los fundadores en Moscú del INJUK (Instituto para la Cultura Artística), a lo largo de este año surgió el conflicto entre Kandinski, Malévich y otros pintores idealistas frente a los productivistas (o constructivistas), Vladímir Tatlin y Aleksandr Ródchenko, este último grupo encontró un fuerte apoyo en "el plan de propaganda monumental" ideado por las autoridades políticas de la Revolución. La situación de tensión propicio la salida de Kandinski de Rusia.

En 1922 se traslada a Weimar (Alemania), donde imparte clases teóricas para la Escuela de la Bauhaus. En 1926 se publica su libro Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte. Permanecerá en la Bauhaus hasta el año 1933 cuando el Tercer Reich clausura la institución.

Desde 1933 se establece en París donde continuará su carrera como artista hasta su fallecimiento en 1944, a los 78 años de edad, en Neuilly-sur-Seine (Francia).

Schiele, Egon

2009-05-12T16:44:00.000-07:00

Egon Schiele (Tulln, Austria, 12 de junio de 1890 – Viena, 31 de octubre de 1918), fue un pintor austríaco contemporáneo de Gustav Klimt.

Fue uno de los alumnos aventajados de Gustav Klimt y junto con Oskar Kokoschka conforman lo que se conoce por expresionismo austríaco.

Su padre era jefe de estación; su madre originaria de Krumau (actualmente Český Krumlov), en Bohemia. En 1905 su padre muere y el joven Schiele es enviado a casa de un tío, el cual después de haberlo tentado inútilmente para que se dedicara a los ferrocarriles, descubre su talento artístico. Ya en esta época, empieza a pintar, en especial autorretratos.

En 1906 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estudió dibujo y diseño. Frustrado por el ambiente conservador y cerrado, en 1909, abandona la Academia y funda la Neukunstgruppe. Ese año conoce la nueva teoría artística del estilo Secesión vienés, en particular a Gustav Klimt, que será para siempre modelo de admiración y un maestro muy influyente para Schiele. También Klimt le tendrá mucha estima, presentándole algunos ricos mecenas, que le asegurará una cierta estabilidad financiera como debutante en la escena artística vienesa.

En 1908, Schiele expone por primera vez, siendo un gran éxito. Abandona el rígido estilo de la Academia, y gira hacia el expresionismo: Junto a los retratos de amigos y autorretratos, representará el desnudo a través de una agresiva distorsión figurativa.

En 1911 conoce a Valerie (Wally) Neuzil de 17 años con la que entabla una relación sentimental y será su modelo para algunas de sus mejores obras. Schiele y Wally deciden marcharse de Viena para tratar de conseguir la inspiración en el campo y se van a Krumau (el pueblo de su madre).

Desnudo femenino sentado, 1914.Su forma de vida choca a los habitantes, y el máximo escándalo se produce en el 1912 cuando es acusado por corrupción de menores por la edad de su joven amante. Además era corriente que tomara como modelos a los niños que se acercaban a su casa y a menudo los retrataba desnudos o en posición que parecía obscena por lo que se consideró su obra más o menos como pornográfica. La conclusión de este hecho fue el arresto, una breve estancia en la cárcel y la quema de uno de sus dibujos.

Schiele volvió a Viena, gracias a su amigo Klimt, obtuvo numerosos encargos y volvió a lo alto de la escena artística austríaca, llegando a participar en muchas exposiciones internacionales. Su producción artística se hace muy numerosa en estos momentos, en su mayoría retratos y autorretratos. En 1913 empezó a colaborar en die Aktion.

Conoció a Edith y a Adele Harms, dos hermanas de clase burguesa y tras cortejar a ambas, se casó con Edith en 1914. El matrimonio lo dotó de una nueva estabilidad y resurgió una nueva fuerza pictórica influido por la obra del pintor Ferdinand Hodler. A los pocos días sobrevino la Primera Guerra Mundial y Egon Schiele, por pertenecer a lo que se considera la élite intelectual, no es enviado al frente. En 1918 participó con éxito en la cuadragésimonovena exposición de la Secesión de Viena, además de otras exposiciones en Zúrich, Praga y Dresde. En otoño de 1918 la epidemia gripe española (que causó más de 20 millones de muertos en Europa) asoló Viena. Edith, embarazada de seis meses, murió el 28 de octubre. Tres días después, el 31 de octubre de 1918, Egon Schiele murió a la corta edad de 28 años. Meses antes, en febrero de ese año, también había acabado la vida de su amigo y maestro Gustav Klimt.

Estilo

Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para exprimir su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.

El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.

Al igual que otros pintores austríacos de la época como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte en una especie de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte y sobre todo la incertidumbe.

Nolde, Emil

2009-05-11T19:03:00.000-07:00

Emil Nolde (Nolde, Gemeinde Buhrkall, 7 de agosto de 1867 - Seebüll Neukirchen, Nordfriesland, 15 de abril de 1956).

Uno de los más destacados pintores expresionistas alemanes, cuyo crispado manejo del pincel, la utilización de colores vivos y estridentes y las figuras de rostros a modo de máscaras pretendían provocar en el espectador un shock visual y emocional.

Su verdadero nombre era Emil Hansen. Estuvo muy influido por Vincent van Gogh, Edvard Munch y James Ensor.

El viaje que realizó a Nueva Guinea en 1913-1914 hizo que cristalizara en él un gusto por el arte tribal, que incluía tremendas distorsiones de las formas, modelos planos y violentos contrastes de color.

Cambió poco de estilo a lo largo de su carrera y se dedicó sobre todo a los paisajes y a las escenas de interior con figuras humanas. Sus paisajes, como Marzo (1916, Kunstmuseum, Basilea), son inquietantes y amenazadores.

Sus escenas con personajes como El juerguista (1919, Galería Estatal, Hannover) presentan el rostro humano como una máscara grotesca que siempre revela con crudeza emociones básicas.

En obras como el tríptico La vida de santa María Egipcíaca (1912, Kunsthalle de Hamburgo) busca un retorno a la imaginería religiosa y da un tratamiento expresionista a las escenas del Nuevo Testamento.

En 1941 los nazis le declararon artista degenerado y le prohibieron pintar. Sin embargo, algún tiempo después produjo un importante número de acuarelas y grabados expresionistas.

Kokoschka, Oskar

2009-05-08T13:26:00.000-07:00

Nacionalidad: Austria
Pöchlarn 1-3-1866 - Montreaux 1980
Pintor

Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Viena entre 1905 y 1908, donde recibió la influencia de Klimt y del Art Nouveau. En 1910 se traslada a Berlín donde colabora con la revista de vanguardia "Der Sturm" como dibujante.

Fue gravemente herido en la Primera Guerra Mundial y, en 1917 de instaló en Dresde y fue profesor de la Academia de esta ciudad. Aquí estudió la pintura antigua y mostró especial interés por la obra de Rembrandt. Entre 1924 y 1931 viajó por Suiza, Francia, España y norte de África.

Su obra fue perseguida como degenerada por el nacionalsocialismo y, en 1938 se instala en Inglaterra, donde realiza obras de carácter antibélico. Muere en Montreux en 1980. Además llevo a cabo una importante labor literaria, escribió obras teatrales, poemas y su autobiografía.

Aldunate, Carmen

2009-05-06T16:27:00.000-07:00

Pintora y dibujante, nació en Viña del Mar en 1940. Inició sus estudios en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile, y luego en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Posteriormente, se desempeñó como ayudante en el Departamento de Arte de la Universidad de California, E.E.U.U.
Ha ejercido como profesora de dibujo y pintura en la Universidad Católica, y en diversas academias y colegios particulares.

Carmen Aldunate pertenece a un grupo de artistas orientados hacia la Nueva Figuración, que hace del arte el refugio de lo imprevisible e imaginario. Dentro de este grupo se ubican también Toral, Opazo, Cruz y Díaz. La pintora trabaja con óleo sobre tela y sobre placas de madera, principalmente, pero también con el dibujo a lápiz y el collage.

Con estas técnicas, ha desarrollado un tema que se centra principalmente en la figura femenina; a ésta la representa con amplios ropajes, túnicas y cofias que recuerdan el vestuario medieval, en medio de una atmósfera de carácter psicológico que inunda sus pinturas, aludiendo a trágicos y desolados estados del alma. Muchas veces, también, su obra se concentra sólo en el rostro femenino, que aparece aislado de cualquier marco referencial, en una especie de acercamiento en primer plano.

La representación femenina se logra mediante un dibujo racionalmente controlado, que junto a un perfecto equilibrio de la pintura, nos recuerdan las obras flamencas del siglo XV, porque lo que hace precisamente Carmen Aldunate, es recuperar los cánones estéticos que en su momento definieron la belleza clásica. En sus obras, los rostros toman la apariencia de máscaras y los ropajes de verdaderas corazas, que ocultan al ser que vive bajo la pura apariencia. Con esto, la pintora quiere simbolizar a todo el ser humano que, por esencia, nunca "da la cara" y vive cotidianamente usando diferentes máscaras. El empleo de una oscura armonía de colores acentúa el carácter conmovedor de estas imágenes.

Entre otros, recibió el año 1962 el Primer Premio de Pintura en la feria de artes plásticas de Santiago; Primer Premio de Dibujo en el Salón Oficial de Santiago el año ´74; al año siguiente, Primer Premio de Dibujo en la Bienal de Valparaíso; en el año ´78. Primer Premio en la Bienal de Punta del este, Uruguay y el ´81, Primer Premio Dibujo en la Bienal de Cali, Colombia.

Ha expuesto individualmente en la Galería Central de Santiago, en ´63; en Belmonte Art Gallery de Sacramento, E.E.U.U, en ´64 y en la Universidad de California el año´69; en la Galería Lima, de Perú, en 1977; en 1981 se realizó una exposición titulada "Diez años de pintura de Carmen Aldunate", en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago. En el año ´84 expuso en Centro Arte Actual, de Pereira, Colombia. Durante 1997, la muestra "Pecados y Virtudes" se presentó en Valparaíso, Valdivia y Puerto Montt. Varias de sus pinturas han sido adquiridas por el Museo Nacional de Bellas Artes y por el Museo de Arte Contemporáneo de Chile. Además, ha ilustrado libros como "El Quijote de la Mancha" y "Alicia en el país de las maravillas".

Fraser, Christopher

2009-05-04T11:06:00.000-07:00

Christopher Fraser nació en Vancouver, Canadá. Estudió en la Universidad de la Columbia Británica y en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston.
Comenzó en la pintura en el año 2001, se centraba las pinturas de Klee, Miró, Picasso, Gorki, De Kooning, Basquiat y de Guston para estudiar el color, la estructura, la forma y la función. Sus pinturas y collages son un subconjunto de trabajos, el tema de cada uno da probablemente una respuesta a los acontecimientos recientes del mundo, imágenes que le han impresionado, memorias y emociones distantes que dan lugar a una imagen figurada que refleje la situación del hombre.

Abandonó las técnicas, los estilos y los conceptos que eran seguros y aceptables para el espectador y comenzó a explorar avenidas que no habían sido exploradas previamente. Sin embargo, quiere dejar claro que sería un error negar la influencia que ha recibido de los artistas anteriormente nombrados. Ha procurado absorber todos estos estilos creando un estilo independiente que le permita expresar sus conceptos individuales.

Su arte refleja una sensación personal profunda de la situación del hombre con respecto a presiones y luchas diarias, pero más ampliamente en el hombre que se ocupa de los acontecimientos humanos, la guerra, discriminación, manipulación, y explotación, y finalmente la situación del hombre como entidad viva dentro de un universo infinito. Para Christopher, estas sensaciones y conceptos permiten una fuente sin fin de inspiración y energía emocional para romper las formas del arte contemporáneo y para explorar una conexión subconsciente con el universo. Imágenes y pensamientos fracturados que reflejan claramente acontecimientos actuales.

VIDEO: Digitalización de La Ultima Cena

2009-05-04T11:04:00.001-07:00

Böcklin, Arnold

2009-05-02T22:22:00.000-07:00

Nacionalidad: Suiza
Basilea 1827 - San Domenico di Fiesole 1901

Su aprendizaje tuvo lugar en la Academia de Düsseldorf, donde se trasladó con 18 años, estando bajo la dirección de Wilhelm Schirmer. En 1847 viajó a Bruselas en viaje de estudios, permaneciendo un año en la capital belga. Desde allí visitó Suiza, Amberes y París. En el otoño de 1848 se instaló en Basilea donde estuvo dos años antes de trasladarse a Roma, interesándose por la cultura antigua. Durante esta etapa realizó especialmente paisajes a la manera clásica. Tras siete años de estancia en Italia regresa a Basilea.

En 1860 será el encargado de la enseñanza de pintura en la Academia de Weimar, cargo que abandona dos años después para regresar a Roma, visitando Nápoles y Pompeya, interesándose por los frescos romanos de esta ciudad. En 1866 regresa a Basilea para trabajar en frescos de temática mitológica, trasladándose a Munich, donde permanecerá entre 1871 y 1874, años de intensa actividad creativa.

Regresó de nuevo a Italia, eligiendo en esta ocasión Florencia, viviendo diez años en la capital de la Toscana antes de refugiarse en San Domenico di Fiesole donde pasó sus últimos años.

Su estilo está totalmente vinculado al simbolismo francés, aunque presenta rasgos propios, buscando un punto de encuentro entre el mundo nórdico y el mediterráneo. También presenta influencias del romanticismo alemán. En sus obras presenta un ambiguo contraste entre elementos míticos y realistas, entre sueño y realidad.

Brondum Ancher, Kirstine Anna

2009-04-30T15:03:00.000-07:00

(1859-1935)

Anna Kirstine Brøndum Ancher (Skagen, 18 de agosto, 1859 - 15 de abril1935), pintora danesa.

Estudió pintura en Copenhague y París en el taller de Pierre Puvis de Chavannes con Marie Triepcke, que se casaría con Peder Severin Krøyer. En 1880 se casó con su compañero, el pintor Michael Ancher.

Aunque la cultura imperante dictaba que las mujeres casadas debían dedicarse a las tareas domésticas, Anna continuó pintando casada, pintaba sobre todo escenas íntimas de mujeres y niños en las que destaca la riqueza de colores vivos.

Le otorgaron el Tagea Brandt Rejselegat en 1924.

LE BRUN, CHARLES

2009-04-29T17:30:00.000-07:00

Biografía : Charles Le Brun (1619-1690)

Charles Le Brun nació en París, llamó la atención del canciller Séguier, quien, a los once años, le colocó en el taller de Simon Vouet. A los quince años Charles Le Brun recibió encargos del Cardenal Richelieu, en cuya ejecución mostró tanta habilidad que obtuvo generosas alabanzas de Nicolás Poussin.

Charles Le Brun pasó posteriormente a Roma, ciudad donde permanece entre 1642 y 1646.Charles Le Brun conoció la obra de Rafael, y sigue a Guido Reni y los maestros de la Escuela Boloñesa. Allí vivió gracias a una pensión del canciller. Charles Le Brun fue en Roma discípulo de Nicolás Poussin, cuyas teorías artísticas adoptó y que le influyó grandemente en su obra.

De vuelta a París, Charles Le Brun estuvo bajo la protección del cardenal Richelieu. Con Philippe de Champaigne, consiguió del rey la fundación de la Academia de Pintura y Escultura (Académie royale de peinture et de sculpture en el año 1648. De sus numerosos mecenas, el superintendente de las finanzas del rey, Nicolás Fouquet, fue el más importante; Fouquet encargó a Charles Le Brun la decoración del Palacio de Vaux-le-Vicomte (1656-1661). De su primera época la obra más importante es la decoración del Palacio del cardenal Richelieu, hoy perdido.

Entre 1650 y 1660 Charles Le Brun adquiere su madurez estilística, realizando una pintura de corte clasicista y elegante, cuyas mejores obras son: La Magdalena, el Cristo en el desierto y la Crucifixión, así como los ciclos decorativos del Hôtel Lambert, el castillo de Vaux-le-Vicomte, las Tullerías y sobre todo Versalles.

Por aquel entonces, Mazarino estaba enfrentando en secreto a Colbert contra Fouquet. La caída de Fouquet en 1661, Jean-Baptiste Colbert se hace cargo de las finanzas del rey. Colbert rápidamente reconoció el poder de organización de Charles Le Brun y lo unió a sus intereses.

La naturaleza de su talento enfático y pomposo estaba en armonía con el gusto del rey, quien, lleno de admiración por las pinturas de Charles Le Brun para su triunfal entrada en París en 1660 y sus decoraciones en el Palacio de Vaux-le-Vicomte (1661), le encargó que ejecutara una serie sobre temas de la historia de Alejandro. El primero, Alejandro y la familia de Darío, gustó tanto a Luis XIV que ennobleció a Charles Le Brun (diciembre de 1662), a quien nombró igualmente Premier Peintre du Roi (Primer Pintor del rey) en 1664 con una pensión de 12.000 libras, la misma cantidad que había recibido anualmente al servicio del magnífico Fouquet. El rey le había considerado «el artista francés más grande de todos los tiempos». En la serie sobre las Batallas de Alejandro Magno no perdió la oportunidad de poner de relieve la conexión entre la magnificencia de Alejandro y la del gran Rey Sol. Mientras trabajaba en las Batallas, el estilo de Charles Le Brun se hizo más personal, revelando su esencia conforme se iba apartando de los antiguos maestros que lo influyeron.

Charles Le Brun igualmente destaca como un magnífico retratista, con obras como El canciller Séguier y Luís XIV en adoración de Cristo resucitado.

Charles Le Brun , con Colbert, promovió un nuevo desarrollo a las artes industriales. En 1660 Charles Le Brun había contribuido a la creación de la Manufactura de los Gobelinos (Manufacture des Gobelins). A partir de 1663 Charles Le Brun actuó también como director de la manufactura. Al principio se dedicaban no sólo a los tapices, sino a todo tipo de mueble requerido para los palacios reales, incluidos espejos y porcelanas. Mandando en las artes industriales a través de los gobelinos, de los que era director, y de todo el mundo artístico a través de la Academia, de la que tuvo diversos cargos, Charles Le Brun imprimió su propio carácter en todo lo que se produjo en Francia durante su vida, y fue el creador del Estilo Luís XIV. Imprimió a las tendencias nacionales una dirección que perduró durante los siglos posteriores.

Desde esta fecha, todo lo que se hacía en los palacios reales fue dirigido por Charles Le Brun . En 1663, Charles Le Brun fue nombrado director de la Académie royale de peinture et de sculpture por Colbert, donde estableció las bases del academicismo, siendo Charles Le Brun el maestro indiscutible, más poderoso que nadie, del arte francés del siglo XVII. En 1666 fundaron la Academia de Francia en Roma, de la que fue nombrado director.

Las obras de la galería de Apolo en el Louvre se interrumpieron en 1677 cuando Charles Le Brun acompañó al rey a Flandes; a su regreso de Lille pintó varios cuadros en el Château de Saint-Germain-en-Laye. La gran obra de Charles Le Brun fue la decoración interior del Palacio de Versalles, que quedó inacabada a su muerte. Tuvo bajo sus órdenes a decenas de artistas y artesanos. Se reservó las Salas de la Guerra y de la Paz (Salons de la Guerre y de la Paix, 1686), la Escalera de Embajadores, y el Gran Salón de los Espejos (Galerie des Glaces, 1679-84, obra de Le Brun y Jules Hardouin-Mansart). La decoración de Charles Le Brun no es sólo una obra de arte, es el monumento definitivo a un reinado.

A la muerte de Colbert, le sucedió su enemigo François Michel Le Tellier de Louvois, Marqués de Louvois como superintendente en el departamento de obras públicas. Louvais no mostró ningún favor a Charles Le Brun , el favorito de Colbert, y a pesar del continuo apoyo del rey Charles Le Brun sintió un cambio amargo en su posición. Esto contribuyó a la enfermedad que determinó su muerte en París el 22 de febrero de 1690 en su mansión privada. Charles Le Brun fue inhumado en la iglesia de Saint-Nicolás-du-Chardonnet.

Legado de Charles Le Brun

Charles Le Brun se convirtió en el principal intérprete del fasto y el prestigio político de la Francia de Luís XIV. Por este motivo fue menospreciado por los pintores románticos del siglo XIX y poco conocido por el gran público. Se ha señalado por algunos historiadores que Charles Le Brun fue un déspota que usó su poder para ejercer una tiranía artística sobre el siglo XVII, lo cual es discutido por otros

Charles Le Brun trabajó principalmente para el rey Luís XIV, para quien hizo grandes retablos y cuadros sobre batallas. Las pinturas más importantes de Charles Le Brun se encuentran en Versalles (pinturas murales del techo de la Galería de los Espejos) y en el Louvre (decoración del techo de la Galería de Apolo).

Además, destaca la decoración de Charles Le Brun del palacio de Vaux-le-Vicomte: la cámara del rey Le temps enlevant au Ciel la Vérité; y la cúpula del pabellón de la Aurora en el palacio de Sceaux.

El número de obras que hizo para corporaciones religiosas y patrones privados es enorme. Charles Le Brun fue también un buen retratista y un excelente dibujante. Pero no gustaba especialmente ni del retrato ni de la pintura de paisajes, que le parecían meros ejercicios para desarrollar su maestría técnica. Lo que le importaba era una composición estudiada, cuya última finalidad era alimentar el espíritu. La base fundamental en la que el director de la Academia basaba su arte era incuestionablemente hacer que su pintura hablara, a través de una serie de símbolos, ropajes y gestos que le permitían sutilmente añadir a sus composiciones los elementos narrativos que dotaban a sus obras una hondura particular. Para Charles Le Brun , un cuadro representaba una historia que uno podía leer. Casi todas sus composiciones se han reproducido por celebrados grabadores.

Los cuadros más destacados de Charles Le Brun son: El sueño del niño Jesús y El canciller Séguier (y su séquito), ambos en el Museo del Louvre, así como los lienzos con la Historia de Alejandro Magno.

En su tratado, publicado póstumamente, Méthode pour aprendre à dessiner les passions (1668) promovió la expresión de las emociones en pintura. Influyó grandemente en la teoría del arte durante los dos siglos siguientes.

Muchos de los dibujos de Charles Le Brun están en el Louvre y en la colección real de Mónaco.

Entre las decenas de personas que trabajaron a las órdenes de Charles Le Brun en un momento u otro, cabe destacar: Claude I Audran, Jean-Baptiste de Champaigne, Charles de la Fosse, René-Antoine Houasse, Jean Jouvenet y Hyacinthe Rigaud.

Alt, Rudolf Von

2009-04-28T15:41:00.000-07:00

Rudolf Ritter von Alt (28 de agosto de 1812, Viena; †12 de marzo de 1905, Viena) fue un paisajista y pintor arquitectural austriaco. Nacido como Rudolf Alt, se llamó a sí mismo von Alt y llevó el título de Ritter (caballero) después de ganar nobleza en 1882.

Era el hijo del famoso litógrafo Jakob Alt (1789-1872). Estudió en la Akademie der bildenden Künste en Viena. Los viajes de senderismo por los Alpes austriacos y el norte de Italia despertaron en él el amor por los paisajes, y comenzó a pintar con pincel utilizando acuarelas en un estilo muy realista y detallado. En 1833, inspirado por una visita a Venecia y ciudades vecinas, también hizo una serie de pinturas arquitectónicas.

Alt demostró un notable talento para expresar ciertas peculiaridades en la naturaleza. Logró pintar la naturaleza auténticamente centrando la atención en las diferentes tonalidades del cielo, el tono de color del aire y la vegetación. Sus obras más tarde se acercaron al Impresionismo. Sus perspectivas sobre la arquitectura son interesantes, y escogió a menudo los objetos cotidianos como modelos para sus pinturas. La pintura de vistas interiores también se convirtió en uno de sus puntos fuertes, dándole notoriedad en Viena.

Visitó y trabajó durante un tiempo en Roma y Nápoles. También visita los lagos de Lombardía, Galitzia, Bohemia, Dalmacia, Baviera, volviendo varias veces a Italia. En 1863 se trasladó a Crimea a pintar algunas vistas de una finca de la emperatriz, y en 1867 va a Sicilia.

Su hermano menor Franz Alt, (n. 1821 en Viena) fue también pintor.

La mayoría de sus pinturas están en manos de diversos museos de Viena. La Albertina en Viena organizó una exposición retrospectiva de septiembre de 2005 a enero de 2006.

Carpani, Ricardo

2009-04-27T16:17:00.000-07:00

Nació en Tigre, Provincia de Buenos Aires, en 1930. En 1950 se radica en París, donde inicia sus estudios de pintura. Regresa a Buenos Aires y continúa esos estudios en el taller de Emilio Pettoruti. Expone por primera vez en 1957, junto con Juan Manuel Sánchez y Mario Mollari. Con ellos y con los pintores Elena Diz , Pascual Di Bianco, Sessano y Bute, fundan el Grupo Espartaco. Con Di Bianco se separan del grupo en 1961. Realizan murales en Sindicatos.

Su labor gráfica, ejecutada en su mayor parte para el movimiento obrero y organismos de defensa de los derechos humanos, constituye, junto con su actividad muralística, un aspecto destacado de su obra. Hay ejemplares de sus afiches políticos en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.

Expone regularmente en Argentina y participa en muestras colectivas ; entre otras: "Primera Exposición Internacional de Arte Moderno Argentina 1960" en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires ; "Joven Pintura Argentina" en el M.A.M. de México ; "Arte Argentina Contemporanea" en M.A.M. de Rio de Janeiro, " Arte Moderno Rioplatense" en Museo Sívori de Buenos Aires; " Pintura Argentina " en Palazzo delle Esposizioni de Roma , "Modern argentine Painting & Sculpture" exposición itinerante exhibida en la Scottish National Gallery of Modern Art , de Edimburgo y Glasgow ; en el London Institute of Contemporany Art , y en museos de Gotteburg y Estocolmo.

En 1974 fija su residencia en España.

Expone , en forma individual, en: Roma , Estocolmo , Hamburgo , Palma de Mallorca , Barcelona , Madrid , Bilbao , Rotterdam , y otras ciudades europeas . Y también participa de muestras colectivas : " Museo Internacional de la Resistencia" , en Madrid ; " Arte y Solidaridad " en el Museo D' Arte Moderna Di Ca' Pesaro - Venecia. En América Latina: en San Juan de Puerto Rico , La Habana - colectivas e individuales - y en Quito, una exposición antológica , en el Museo Augusto Rendón.

Regresa a Bs As en 1984. A partir de allí realiza exposiciones individuales en la Fundación Banco Patricios , en galerías privadas -La Cuadra , Van Eyck,etc. ; en museos : Museo Municipal de Bellas Artes de La Plata ; una antológica : "Carpani 1954-1994" en el Palais de Glace - Salas Nacionales ; Museo Provincial de San Luis , en la Argentina . En el exterior : en Caracas ,Venezuela ; y en La Paz y Cochabamba , Bolivia . Ha participado en muestras colectivas , entre otras : "Abstracción y Figuración" organizada por MAM de Buenos Aires para la Galería Nacional de Praga , Checoslovaquia , "50 Años de Pintura Argentina : 1930/1980" , Museo Municipal de Bellas Artes Juan b. Castagnino de Rosario ; " Los Pintores Evocan a Carlos Gardel " Galería Praxis , San Pablo , Brazil, " 2da. Muestra de Arte Latinoamericano " en Lima , Perú ; " Arte Argentino en las Décadas '20, '40 y '60" en el Museo Sívori; " La Semana del Tango " Concejo Deliberante ; " Este Es el MAM " y " El Grabado Social y Político en la Argentina del s.XX " , ambas en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires ; "El Espíritu de Grecia" , Palais de Glace ; " El Ojo " en Casa FOA .

Invitado en 1994 al Premio TRABUCCO . Se realiza la escenografía del show musical "TANGO PASIÓN" , que actualmente recorre Europa , en base a imágenes suyas.

Se publican sus libros : "Carpani" , con textos del Dr Rafael Squirru y de Manuel Vicent ; y "Carpani : Gráfica política" , con textos de Ernesto Laclau y Luis Felipe Noé.

Realiza murales murales en ciudades del interior , en el Aeropuerto de Viedma , y para la CASA ROSADA (Casa de Gobierno).

IZQUIERDO, MARIA

2009-04-26T15:24:00.000-07:00

María Izquierdo (1902-1955) fue una pintora mexicana nacida en 1902 en San Juan de los Lagos (Jalisco) con el nombre de María Cenobia Izquierdo Gutiérrez. Aunque la mayoría de sus biógrafos aceptan como fecha de nacimiento 1902, algunos otros establecen que fue en 1906. Fue la primera pintora mexicana en exponer sus obras fuera del país en el año 1930. Su primera exposición tuvo lugar en el Art Center de la ciudad de Nueva York. Murió en la Ciudad de México, el 3 de diciembre de 1955.

Sus inicios [editar]A los cinco años de edad perdió a su padre y desde pequeña, su educación fue delegada a sus abuelos, hasta que su madre se casó nuevamente. La infancia de María Izquierdo es probablemente la razón de sus fuerzas libertarias como artista. En sus primeras obras, las que comprenden el período de 1927 a 1930 muestran su entorno más inmediato: retratos de sus seres queridos y amigos, como el Retrato de Belem (1928), o Niñas durmiendo (1930), el cual es el retrato de su hija Amparo y una sobrina; así como, naturalezas muertas y paisajes. Los paisajes revelan mucho del entorno que la envolvió en su tránsito desde su infancia rural y la vida adulta en la ciudad de México. En algunas de sus obras aparecen incluso algunas industrias, las cuales existían contundentemente en el entorno y que de esa manera, en 1930 llevó a cabo una composición de la cementera La Tolteca, con la que participó en un concurso artístico convocado por la misma empresa y que le otorgó una mención honorífica especial del jurado.

En 1927 ingresó a la Academia de San Carlos en donde estudió durante un año. En ella tuvo a algunos maestros como Germán Gedovius y a Manuel Toussaint, aunque cabe mencionar que la influencia más profunda la obtuvo de Rufino Tamayo.

Aún siendo una niña, migró a Aguascalientes y después a Saltillo, Coahuila. Se casó con un hombre mayor, y ahí hubo de convertirse en mujer y madre. De este matrimonio hubo razones lógicas por las que se separó y escapó para después establecer una relación sentimental con Cándido Posadas Izquierdo.

Su proyección al mundo [editar]Hacia finales de los años 20, ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes, en enero de 1928, y se mantuvo como alumna de la antigua academia de San Carlos hasta junio de 1929; Fue ahí donde se matriculó en la clase de pintura de German Gedovius, el cual impartía la clase de colorido y composición, y años más tarde en pintura de figura. Cursó historia del arte con Antonio Caso y dibujó con Alberto Garduño. Tomando en cuenta que María Izquiero llevaba relativamente poco tiempo en la Academia, comenzó a asistir a cursos avanzados siendo que era una novata; incluso el maestro Germán Gedovius le concedió permiso para no asistir a la escuela y pintar y estudiar desde su casa ya que como el decía: "la muchacha tenía mucha cabeza para la pintura".

En el Palacio de Bellas Artes de la ciudad de México, había una galería de arte la cual estaba atendida por los pintores Carlos Mérida y Carlos Orozco Romero. En esa galería se llevó a cabo la primer exposición de María Izquierdo, la cual fue muy comentada por las publicaciones de la época. La introducción al catálogo fue escrita por Diego Rivera, el cual era ya Director de la Escuela Nacional de Bellas Artes. En ese texto plasmó el gran desarrollo que había tenido la joven pintora, a la cual definió como una de las personalidades más atrayentes del panorama artístico y uno de los mejores elementos de la academia, considerándola "un valor seguro; seguro y concreto".

También surgieron muchas reseñas periodísticas sobre sus trabajos. Retrato de Belem, el cual es de sus primeras obras de las que se tiene conocimiento, es un retrato en el cual abandonaría el uso de la perspectiva académica, explorando y proponiendo en el terreno de lo compositivo.

Sin duda llevar a cabo este tipo de acciones significó cuestionar lo que había aprendido con su maestro German Gedovius, el cual le exigió un esfuerzo técnico totalmente distinto. Muchas de sus composiciones, realizadas por María en 1929, rememoran en buena medida los trabajos de las escuelas de pintura al aire libre, las cuales visitaba frecuentemente. Otra gran influencia que tuvo en esta época fue la del pintor mexicano Rufino Tamayo, el cual impartía clases en la Escuela Nacional de Bellas Artes y tenía afinidad con los proyectos de Diego Rivera. Entre María Izquierdo y Rufino Tamayo hubo una relación profesional y afectiva que duró mas, a pesar de que Rufino abandonara la institución. Existen semejanzas entre sus pinturas en el período de 1929 a 1933, aunque cabe mencionar que Rufino Tamayo nunca fue dado a formar discípulos.

Al año siguiente (1930), en el Arts Center Gallery de Nueva York se celebró su primera exposición individual en los Estados Unidos, colocándola como la primer expositora mexicana en ese país. Su exposición contemplaba catorce óleos que incluían naturalezas muertas, retratos y paisajes. En ese mismo año la American Federation of Arts presentó en el Metropolitan Museum of Art una exposición de arte popular y pintura mexicana que incluyó obras de Rufino Tamayo, María Izquierdo, Diego Rivera y Agustín Lazo, entre otros.

Actualmente la mayoría de sus obras se encuentran en manos de extranjeros y muchos de sus restantes trabajos se encuentran perdidos. Su obra se caracteriza por el uso de intensos colores, y temáticas que van desde autorretratos, paisajes, naturaleza, hasta surrealismo

TOBAR HENRY, PABLO

2009-04-24T16:56:00.000-07:00

Pablo nació en la ciudad de Guatemala el 27 de mayo de 1940.

Su inclinación y dedicación al arte se inicia con las enseñanzas de su señor padre, quien como profesor en educación y autodidacta en el dibujo y la pintura, encuentra en él a los 7 años, un natural talento en dibujar con facilidad.

Se propone entonces a enseñarle a temprana edad, las técnicas del dibujo a lápiz y crayón, y además, el manejo del pincel para realizar pinturas en acuarela y óleo.

Ingresa como alumno regular a los 14 años, en la Escuela de Artes Plásticas de Guatemala y dedica toda su juventud a trabajar intensamente con el fin de perfeccionarse y profesionalizarse en todas las técnicas del dibujo y la pintura.

Se hace maestro de educación en la Escuela Normal Central para Varones y posteriormente ingresa a trabajar como dibujante e ilustrador de libros de texto educativos, para el Servicio Cooperativo Interamericano de Educación. Cuatro años después es llamado por el Servicio Cooperativo de Salud Pública, para trabajar como editor e ilustrador de libros de texto altamente especializados en Educación Sanitaria Rural.

Pasa a trabajar en al Oficina Regional para Centro América y Panamá "ROCAP" como maestro especializado en preparación e ilustración de libros de texto educativos para las escuelas prmarias de la región centroamericana; en un amplio programa de Alianza para el Progreso, con sede en la ciudad de San Salvador, El Salvador, en las oficinas de la Organización de Estados Centroamericanos ODECA.

En 5 años de estancia en San Salvador, expone sus paisajes al oleo en los salones del Club Salvadoreño en dos oportunidades, con gran aceptación de su obra.

De vuelta a Guatemala, continúa exponiendo en diferentes galerias de Arte de la ciudad, por ejemplo en el Hotel Camino Real con Rosita de Botrán, Hotel las Américas con César Izquierdo, etc.

Viaja a Estados Unidos en donde expone en galerías de Houston y Massachussets, dándole alto crédito al arte guatemalteco.
Su obra se ha cotizado en Estados Unidos, Centró América, Holanda, España, Africa del Sur, hasta donde ha llegado y se ha apreciado la calidad y profesionalismo de su trabajo.

Domina también en alto grado, las técnicas de acrílico, acuarela y crayón pastel; y es un excelente retratista.

GRIS,JUAN

2009-04-23T15:20:00.000-07:00

Juan Gris, es considerado uno de los más grandes exponentes del cubismo. Su gran versatilidad, le permite cruzar las fronteras que separan a los cubistas mayores de los menores, codificando o simplificando sus pinturas, ya sea para dejarlas al alcance de un espectador pasivo, o de aquel que realmente toma parte en el desafío de encontrar la pintura detrás de la pintura.

Nació en 1887, en Madrid bajo el nombre José Victoriano González Pérez, en el seno de una familia de clase baja, su niñez no abundó en recursos pero tampoco debió pasar necesidades económicas.

Pronto comenzó sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios, hasta que en 1904 deserta de la misma y da sus primeros pasos en la pintura de la mano del académico José Moreno Carbonero, especializado en paisajismo y género. Entra en relaciones con los pintores George Kars y Daniel Váquez Díaz. De esta primer etapa es destacable la influencia que recibe del movimiento Jugendstil, y que llega a través de su amistad con Willy Geiger, un joven pintor alemán colaborador de la revista “Jugend”.

Entregado de lleno a la pintura, alquila un estudio propio. En 1906, ilustra “Alma América. Poemas indo-españoles”, del poeta peruano José Santos Chocano.

Adopta el nombre de Juan Gris y comienza a publicar ilustraciones en la revista “Blanco y Negro”.

Siguiendo los consejos de su amigo Vázquez Díaz y su hermana Antonia, quien le proporciona ayuda económica, se deshace de sus pertenencias y viaja a París, para entonces lugar de confluencia de artistas jóvenes, que replantean los fines y medios del arte.

En París se aloja en el Hotel Caulincourt, en Montmatre, donde lo espera Vázquez Díaz. A través de éste, conoce a Pablo Picasso en su estudio del “Bateau Lavoir”. Gris también pasa a vivir y pintar en este edificio.

Se trata con Braque, considerado junto a Picasso y Gris los máximos exponentes del cubismo, escritores como Guillaume Apollinaire y Max Jacob, y el crítico Maurice Raynal, uno de sus mejores amigos.

Sus principales ingresos provienen de la publicación de dibujos en revistas satíricas españolas.

En 1908 le es presentado el marchant alemán Daniel-Henry Kahnweiler, quien luego adquiriría los derechos para toda su obra futura, y pasaría a ser el principal sostén económico de Gris, explotando su arte. Es contratado por varios periódicos franceses para publicar dibujos.

En 1909 nace Georges, hijo de Juan Gris y su amante Lucie Belin. Al tornarse insostenible la relación de la pareja, el niño es enviado a España de común acuerdo, para ser educado por los hermanos de Gris.

En 1911 se vuelca al cubismo. Es en este año que logra la venta de su primer cuadro “El libro, la Botella y la Jarra” a Clavis Sagot, que le ha sido presentado por Picasso, de quien comienza a distanciarse lentamente, quizás con motivo de haberse acoplado a la ola cubista y tomar su relación un espíritu de competencia.

Al año siguiente, Gris realiza su primer exposición, en la Galería Sagot de París. Ese mismo año se da también su primer exposición en su país natal, en una muestra cubista de las Galerías Dalmau de Barcelona.

Para 1914, Gris, siguiendo el estilo marcado por Picasso y Braque, comienza a a trabajar casi exclusivamente a la realización de collages, añadiendo trozos de periódicos, revistas y cartón a sus cuadros, en un intento por incorporar la realidad a la obra.

Entabla amistad con Alfred Maquet y Henri Matisse, con el que tendrá lugar encendidos debates sobre pintura.

En 1916 Léonce Rosenberg intenta convencer a Gris para que le venda directamente sus cuadros. De esta manera, y luego de conversarlo con Kahnweiler, rescinde el contrato que lo mantenía atado a este.

Su condición de ciudadano español y el pesado ambiente fruto de la Primer Guerra Mundial lo alejan del ámbito nacionalista y exaltado de Montmatre. Abandona París con su pareja, Josette, y se refugia en el pequeño pueblo costero Collioure. En febrero termina de pintar “Nature morte au Compotier”, considerada una de sus mejores obras.

Producto quizás de la investigación policial que se le sigue por su condición de extranjero, expresa su voluntad de ser clasificado como pintor contemporáneo francés y no español.

Se aboca al diseño de montajes escénicos para ballet y folletines teatrales. Pero luego de un tiempo renuncia a esta tarea, abrumado por la frivolidad imperante en ese ambiente.

Para el año1927, Gris sólo pinta y dibuja algunas horas al día. De su primer período de adopción del cubismo, con formas geométricas pero dulcificadas, pasa a una etapa de naturalismo, con frecuentes temas de naturalezas muertas y ventanas.

El asma que se le ha diagnosticado cada vez se presenta en ataques más fuertes y frecuentes.

En abril realiza su última obra “Femme au panier”. Mientras se enfrenta a la muerte, lo acompañan sus amigos: Picasso, Beaudin, Suzanne Roger, Raynal, Elie Lascaux y Kahnweiler.

El 11 de mayo, Juan Gris muere en Boulogne-sur-Seine. Dos días después se da sepultura a sus restos en el cementerio de la localidad. Encabezan el duelo, su hijo Georges, Kahnweiler, Picasso, Lipchitz y Raynal.

Aertsen, Pieter

2009-04-21T16:06:00.000-07:00

Pieter Aertsen (Ámsterdam, 1508-1575), pintor neerlandés activo entre Amberes y Ámsterdam. Conocido por su altura como Lange Pier (Pierre el largo), se especializó en composiciones de bodegones que influyeron en el joven Velázquez.

Junto con su sobrino Joachim Beuckelaer, fue uno de los primeros pintores de bodegones o naturalezas muertas, aunque también tocó otros temas como las escenas religiosas, si bien muchas se destruyeron en las revueltas que asolaron los Países Bajos en 1566.

Su primera producción fueron pinturas religiosas, donde la acción se ambientaba en la actualidad, en línea con las recomendaciones de la Contrarreforma religiosa, que defendía la presentación de los relatos bíblicos con sencillez para aproximarlos a la mentalidad popular. Así, no se intentaba recrear la estética de la época de Cristo, sino que se vestía y enmarcaba a los personajes a la moda del momento. Caravaggio proseguiría este criterio

En las pinturas de Aertsen fue ganando protagonismo un elemento hasta entonces considerado secundario: los accesorios que ayudaban a ambientar los espacios, como mobiliario, enseres cotidianos, y especialmente comestibles, animales y vajillas de cerámica y metal. Su habilidad técnica le permitió plasmar estos objetos con asombrosa fidelidad, y a medida que alcanzaba el éxito comercial, Aertsen insistió en dicha faceta. Para ello, eligió temas bíblicos y cultos que propiciasen la inclusión del bodegón, y fue desplazando el argumento a un plano secundario, destinando el protagonismo a los objetos en primer término. De esta forma, Aertsen dignificó el bodegón como especialidad artística, hasta entonces considerado propio de pintores imitativos sin inventiva. Estos «bodegones a lo divino» influyeron de manera determinante en Velázquez, ya que algunos de ellos fueron llevados a Sevilla (Asunción de la Virgen, Museo de Bellas Artes de Sevilla) por comerciantes flamencos.

BRACQUEMOND, MARIE

2009-04-20T17:19:00.000-07:00

Marie Bracquemond ,pintora impresionista, nace como Marie Quiveron en Morlaix, Bretaña en 1840 y muere en Sèvres en 1916.

Siendo alumna del taller de Ingres, conoce en 1869 al grabador y pintor Félix Bracquemond, con el que se casa ese mismo año. Marie se entusiasma por el impresionismo y participa en 1879, 1880 y 1886 en las exposiciones del grupo.

El crítico Gustave Geffroy la consideró en su tiempo como una de las tres grandes damas del impresionismo, junto a Mary Cassatt y Berthe Morisot.

Casada con Félix Bracquemond, que tenía celos de su obra, vivió casi como una reclusa. Expuso en diversas muestras impresionistas, hasta que abandonó la pintura en 1890 mortificada por la severa crítica y comentarios adversos de su marido.

Aquellas mujeres que se aventuraban a hacer carrera como pintoras tuvieron que sufrir los numerosos prejuicios sociales, que consideraban este tipo de actividades como esencialmente "masculinas" y, por tanto, impropias de una mujer. Destacar profesionalmente era subversivo e, incluso, peligroso.

CARMEN MONDRAGON

2009-04-19T10:12:00.000-07:00

Carmen Mondragón o Nahui Ollin (8 de julio de 1893 - 23 de enero de 1978) fue una poetisa y pintora mexicana, nació y murió en la Ciudad de México.

Junto a Guadalupe Marín, Antonieta Rivas Mercado, Frida Kahlo, Tina Modotti, Lupe Vélez y María Izquierdo, Mondragón formó parte de ese grupo de talentosas mujeres que durante las décadas de los 1920 y 1930 produjo uno de los períodos más activos y fascinantes de la cultura y el arte en México.

Hija del general Manuel Mondragón, recibió una educación privilegiada en México y Francia. Todos sus contemporáneos describieron su hipnótica y erótica belleza, la cual puede ser fácilmente constatada por las muchas fotografías que de ella existen.

Casó con el militar y pintor Manuel Rodríguez Lozano, y vivió con él en Francia y España por ocho años, pero a la larga la bisexualidad de Rodríguez Lozano implicó el fin del matrimonio, pues hay razones para creer que Mondragón era ninfómana. También se dice que ella asesinó al hijo de ambos, lo que causó la separación de la pareja.

De regreso en México Mondragón se sumerge en la vida artística del país, desayuna con José Vasconcelos y cena con Xavier Villaurrutia platicando del "Ulises", el teatro que habían fundado Rivas Mercado, Salvador Novo y el mismo Villaurrutia. También posó para Diego Rivera. Poco tiempo después inició una intensa y tormentosa relación con el pintor Gerardo Murillo, también conocido como Dr. Átl, el cual la bautizó con el nombre de Nahui Ollin, símbolo de renovación azteca. La relación terminó con la misma intensidad con la que inició, salvo que al final el odio logró desplazar al amor.

Si bien varias de sus pinturas y poemas no carecen de talento, Carmen Mondragón debe su celebridad más a su biografía que a sus trabajos. Fue la primera mujer que usó una minifalda en México y siempre gozó y exaltó su sexualidad. En Hollywood posó desnuda para el fotógrafo Edward Weston, en lo que es quizás la mejor serie de retratos del estadunidense.

A los cuarenta años Mondragón, luego de tener y abandonar a varios amantes, se retira de la vida pública. Las siguientes décadas las pasaría en el centro de la ciudad, siguiendo una vida modesta, sola y rodeada de gatos. Hacia el final de su vida su lucidez se deterioró.

Al igual que con Frida Kahlo, en México existe un reciente y renovado interés por la vida y obra de la hermosa Nahui Ollin.

FUENTE: wikipedia.org

Adler, Jankel

2009-04-17T12:59:00.000-07:00

Jankel Adler nació el 7.º hijo de un total de diez en Tuszyn, un suburbio de Łódź. En 1912 empezó a formarse como grabador con su tío en Belgrado. Se trasladó en 1914 a Alemania, donde vivió durante un tiempo con su hermana en Barmen. Allí estudió en la escuela de artes y oficios con el profesor Gustav Wiethücher.

Desde 1918-1919 estaba de regreso en Łódź, donde fue cofundador de un grupo de artistas de vanguardia. En 1920 regresó brevemente a Berlín; en 1921 volvió a Barmen, y en 1922 se trasladó a Düsseldorf. Allí se hizo profesor en la Academia de Arte, y conoció a Paul Klee, quien influyó su obra. Una pintura de Adler recibió una medalla de oro en la exposición «Arte alemán en Düsseldorf» en 1928.

En 1929 y 1930 hizo viajes de estudio por Mallorca y otros lugares de España. Durante la campaña electoral de julio de 1932 publicó con un grupo de artistas e intelectuales izquierdosos una llamada urgente contra la política de los nacionalsocialistas y por el comunismo. Como artista moderno, y especialmente como judío, se enfrentó a la persecución en el régimen de Hitler que asumió el poder en 1933. En aquel año, dos de sus pinturas se mostraron en el Centro de Arte de Mannheim por los nazis como ejemplo de arte degenerado, y Adler abandonó Alemania, permaneciendo en París, donde consideró su exilio conscientemente como resistencia política contra el régimen fascista en Alemania. En los años que siguieron, hizo numerosos viajes a Polonia, Italia, Yugoslavia, Checoslovaquia, Rumanía y la Unión Soviética. En 1937, veinticinco de sus obras fueron confiscadas de las colecciones públicas por los nazis y cuatro de ellas se mostraron en la exposición Entartete Kunst (arte degenerado) de Múnich.

Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939, se ofreció voluntario al Ejército polaco que se había reconstruido en Francia; en 1941 fue despedido por razones de salud y vivió posteriormente en Kirkcudbright en Escocia. En 1943 se trasladó a Londres, donde murió el 25 de abril de 1949, a los cincuenta y tres años de edad y con el amargo conocimiento de que ninguno de sus nueve hermanos y hermanos habían sobrevivido al Holocausto.

Obra

Adler estaba fuertemente influido por Picasso y Léger. Disfrutaba experimentando con materiales, por ejemplo mezclas de arena. A menudo pintó temas judíos, y pintó unas pocas composiciones abstractas.

Iba Ndiaye

2009-04-15T17:09:00.000-07:00

(San Luis de Senegal, 1928) pintor francosenegalés.

Con 15 años, asistió al Lycée Faidherbe y pintaba los carteles de los cines y de la ciudad.

Se fue a París en 1948, a aprender "el arte de la pintura", como él la describe. donde frecuenta clubes de jazz y comienza arquitectura en la École des Beaux-Arts.

El escultor Zadkine le descubre la escultura tradicional de África y viaja por Europa.

La independencia de Senegal le hace regresar en 1959 y participa en la creación de la École des Arts du Sénégal, donde realiza una exposición en 1962 y es docente hasta 1966.

Fue en el taller de la Ruche donde nace su serie de óleos sobre el sacrificio del cordero que expone en 1970 en Sarlat, y en 1974 en Amiens.

En 1981, expone en Nueva York, en 1987, en el Museum für Völkerkunde de Múnich, en 1989 en los Países Bajos, en 1990 en Tampere (Finlandia), en 1996 en el Museum Paleis Lange Voorhout de la Haya, en 2000 en su ciudad natal, etc.

Iba N'Diaye de Saint-Louis, Senegal, se trasladó a Europa en 1948 a aprender "el arte de la pintura", como él la describe.

A pesar de que ha vivido y pintado en Francia desde hace casi cincuenta años, sus vínculos con su patria siguen siendo fuertes, y que ha pasado largos periodos de tiempo en el Senegal. El más notable de ellos fue cuando fue llamado a casa en 1959 por el Presidente Senghor, a fundar una nueva escuela de arte, de la Escuela Nacional de Artes. Se quedó hasta 1967.

La obra de N'Diaye refleja toda una vida de estudio de las exploraciones en la forma, estilo y tema, que tejen dentro y fuera en lugar de avanzar en forma lineal simple. Temas comunes en su obra son los retratos, las mujeres en el mercado, los músicos de jazz, el courtryside, y "el grito del continente."

Claude Gellee. Claude Lorrain

2009-04-14T14:31:00.000-07:00

Nacionalidad: Francia
Nancy 1600 - 1682
Pintor
Estilo: Barroco Francés

Claudio de Lorena, nombre por el que se conoce en España al gran paisajista del Barroco francés Claude Gellée, apodado Le Lorrain, nació en el castillo de Chamagne, cerca de Nancy, en 1600. Dicen que trabajó como pastelero de niño, pero a los trece años se trasladó a Italia, trabajando para el Cavaliere d´Arpino en Roma, el mismo que protegió a Caravaggio. Después se marchó a Nápoles, regresando a Roma a los dos años para convertirse en el ayudante del paisajista Agostino Tassi. Al finalizar la década de 1630, Lorena tenía una excelente reputación, realizando unos paisajes muy románticos, inspirados en los manieristas italianos y nórdicos como Elsheimer.

Los paisajes de Lorena consiguen unos maravillosos efectos poéticos gracias a la atmósfera con dorada niebla producida por la luz solar. Normalmente, son muy similares, siguiendo una composición predispuesta, muy idealizada. Sus composiciones resultan sumamente equilibradas, y sientan el modelo que se tomará durante todo el paisajismo posterior, especialmente en la pintura inglesa y alemana. Su estructura es la de un horizonte bajo, a un tercio, con dos tercios de cielo, lo cual le permite grandiosos efectos atmosféricos de luz y agua (nubes, reflejos, mar).

Para dotar de simetría y equilibrio a las imágenes colocaba en el centro geométrico del lienzo un claro de luz, provocado por el sol o el mar, al cual rodeaba de masas oscuras: nubes, masas vegetales a los lados, y tierra abajo.

Su obra tendrá mucha influencia en Turner. Su fama mundial provocó la aparición de múltiples falsificaciones de sus obras, por lo que el propio Lorena inició una carpeta de dibujos en la cual recogía todas sus composiciones. Esta carpeta se conoce como el Liber Veritatis, y no se publicó hasta 1777. Claudio de Lorena falleció en 1682.

PINTURA AFRICANA

2009-04-13T14:04:00.000-07:00

Al haber recurrido al arte africano como medio de inspiración y experimentación de diferentes formas de expresión, los movimientos de arte europeos modernos como el cubismo y el expresionismo, ayudaron, sin pretenderlo, a crear un mayor interés por esas artes antes descoocidas. El carácter abstracto del arte africano inspiró a pintores modernos como Pablo Picasso y Henry Moore. Picasso, que negó al principio esta relación, después admitió la gran influencia que el arte africano tenía en una parte importante de su obra. Artistas americanos como Meta Warrick Fuller y Martin Puryear se inspiraron en creaciones del arte tradicional centroafricano, y el americano Renée Stout, en 1990 presentaba su exposición de esculturas basadas en figuras creadas por el pueblo Kongo.

En general, la pintura, hasta mediados del siglo XX, había tenido un carácter accesorio, utilizándose para la decoración de máscaras y esculturas. sin que sirviera para la creación artística de manera autónoma. Es, fundamentalmente, tras la independencia de los paises cuando surgen diversas escuelas (Poto-Poto en Brazzaville, el movimiento Set Setal en Senegal, Lubumbashi, Dakar, Maputo, Harare, Rorke’s Drift en Suráfrica, Oshogbo en Nigéria, Cyrene en Bulawayo, Zimbabwe, etc.) de donde irán saliendo la mayoría de los artistas renombrados de la actualidad.

A finales de los años 30 del pasado siglo XX, llegaron a Europa a cursar sus estudios de arte los primeros africanos subsaharianos. Tal vez, el ghanés Oku Ampofo fue el primero de ellos, que fue a Inglaterra para estudiar medicina y, en 1932, comenzó sus estudios de arte. Muchos otros llegarían después, como Iba Ndiaye (Sénégal), en 1948, Gerard Sekoto (Sudáfrica) en 1947, Afewerk Tekle (Etiopia) en 1948, Kofi Antubam (Ghana) en 1946, Ben Enwonwu (Nigéria) en 1944 y Viteix (Angola) en 1953.

Cuando Faidherbe, gobernador de Senegal en el s.XIX, prohibió toda actividad de proselitismo al dirigente musulmán Cheikh Amadou Bamba, no sabía que estaba ayudando al nacimiento de un movimiento pictórico original que perdura en la actualidad. Efectivamente, sus adeptos, para soslayar la prohibición, comenzaron a transmitir su mensaje, su exilio o sus milagros a través de pinturas hechas sobre vidrios recuperados. Aquella técnica se fue transmitiendo y , hoy, podemos ver estas pinturas sobre vidrio retratando desde escenas de la vida cotidiana, a la devaluación del Franco CFA.

En cada pais, las tendencias en la pintura van pasando por periodos de nacionalismo, etnicismo, o apegados al momento político por el que pasa el pais. Así, hasta la caida del apartheid en Sudáfrica, los artistas de los paises de la llamada Linea del Frente (Sudáfrica, Angola, Zimbabwe, Mozambique y Zambia) no pueden evitar ser transmisores de la lucha política que en ese momento mantenían sus paises contra el racismo del gobierno sudafricano.

En Botswana, en 1990, se crea en la misión D'Kar, el Proyecto Cultural Kuru que con la finalidad de buscar salidas económocas a grupos Khoisan inicia un taller de pintura. Trabajan sobre telas y tableros y, salen del taller creaciones innovadoras que recuerdan las pinturas rupestres que sus antepasados han realizado durante miles de años. Cuatro de estos artistas San--dos hombres y dos mujeres--han logrado que el Museo Nacional de Arte en Gaborone adquieran y exiban parte de su obra.

A pesar de la influencia que los primeros pintores africanos educados en europa ejercerán sobre las generaciones siguientes, ninguno de ellos crea escuela y puede decirse que ateniéndose a los cánones técnicos y temáticos europeos no trasmitieron una continuidad con las formas de expresión de sus lugares de origen. Esta situación comienza a cambiar después de la segunda guerra mundial, cuando artistas europeos, generalmente surrealistas, creen que es posible enseñar las técnicas pictóricas sin alterar en nada la forma de expresión de los alumnos.

A partir de aquí comenzarán a surgir estilos nuevos en los pintores africanos, en su mayoría considerados como expresionistas. Estos estilos se manifiestan incluso en la llamada pintura neotradicional, correspondiente con los movimientos de la "negritud" anteriores o posteriores a la independencia de los paises africanos. Los estilos expresionistas tienen relaciones formales estrechas con un arte africano antiguo, en particular en la escultura, ya que el expresionismo europeo han asimilado profundamente las influencias fundamentales de Africa en materia de volumen, de estilización y en los cánones de proporciones (la " distorsion sistemática "). El arte abstracto tiene sus raices africanas en la decoración geométrica o en las artes islámicas.

Las escuelas de Lubumbashi, Potopoto y Dakar han producido obras muy decorativas en tonos ocres o de colores muy vivos siguiendo los cánones cloniales sobre lo que debe ser el arte popular. Cada escuela tenía normalmente varios estilos pero todos respondían a características similares. Siendo la produccuión comprada por los europeos, la frontera entre el arte por el arte y el arte para los turistas quedaba establecida.

En Mozambique, en Harare y sobre todo en Nigéria, la evolución fue muy diferente. El primer pintor mozambiqueño, Valmente Malangatana, influenciado por la escuela revolucionaria del fresco mejicano, ha producido un arte de formas totalmente diferentes. Dominan en él, escenas dramáticas, imágenes de brutalidad y de angustia, siendo éstas una temática común a la mayría de los artistas del Africa austral. Sus preocupaciones sociales y su predilección por la pintura mural han quedado como señales distintivas del arte de Maputo. En Harare, la esculptura está muy próxima del expresionismo alemán (en particular Barlach) y a penas si ha evolucionado desde 1961.

El taller de Oshogbo ha producido estilos y artistas de una diversidad espectacular qui están siempre muy activos y trabajan para una clientela de expatriados o para empresas públicas de su pais. Los temas predominantes son de carácter fantástico, tratados en estilos surrrealistas locales con cualidades decorativas, mezclando a veces materiales diversos. La mayoría son pintores. Hay pocos escultores, lo que es sorprendente si se tiene en cuenta la gran tradición escultórica yoruba.

ART NOUVEAU

2009-04-11T10:35:00.000-07:00

Fechas: 1.893 - 1.905

El Art Nouveau se liga a la producción industrial, con un gran sentido de adaptación a la vida moderna. Es por ello que se desarrolló singularmente en dos variables: la arquitectura y el diseño gráfico. Los primeros ejemplos son paralelos a los cuadros de Munch, Gauguin y Van Gogh, pintores simbolistas de raíz expresionista que formalmente ofrecieron mucho al nuevo estilo.

Pero se limita a la conexión estética, puesto que su hondo dramatismo no tiene nada que ver con los diseños escurridizos, ondulantes, curvilíneos de mera intención decorativa que ofrece el Art Nouveau. El nombre le vino dado al movimiento a raíz de una exposición de Munch en París, el año 1896, en la galería "Art Nouveau". Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época: es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo. Por ello utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión...

Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial. Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.

Bravo, Claudio

2009-04-09T14:58:00.000-07:00

Claudio Bravo es uno de los pintores Chilenos vivos, más prestigiosos en el mundo.Su pincel exhaustivo en el hiperrealismo, lo han catapultado al mundo entero.

Claudio Bravo nació el 8 de Noviembre de 1936,en la ciudad Chilena de Valparaíso.

Entre los años 1945 y 1954 estudia en el Colegio Jesuíta San Ignacio en Santiago, logrando entrar al estudio Miguel Venegas Cifuentes, donde estudió algún tiempo.Con apenas 17 años realiza su primera exposición individual en el Salón Trecem en Santiago.Hacia 1955 Bravo alternaria su vida entre Santiago y Concepción.

El artista combinaría, para ese entonces, la poesía y la pintura. Del mismo modo, baila profesionalmente en la Compañia Ballet de Santiago y el Teatro Nacional.

Hacia 1959 se trasladaría a Concepción, conociendo al filósofo Luis Oyarzún, de quien recibiría enseñanzas que impactarían su vida intensamente.

Su éxito como pintor, le llevaría a un éxito económico, que le permitiría adquirir un avión, con el cual recorrerió el país entero. Poco tiempo después, cambió las alas por pasajes a Madrid, donde se establecería. Sus primeros años en España los ocuparía en el desarrollo exhaustivo del retrato y a conocer las obras del Prado.Diego Veásquez y Zurbarán fueron los artistas que influirían en la visión artística de Claudio Bravo.

En 1963, Bravo tiene su primera exposición en la Capital Española, teniendo vitrina durante casi todo los años sesenta.

En 1968 trabajó en Filipinas, donde retrató a la sociedad y las figuras políticas Filipinas.

En 1970 realiza su primera exposición en la Gran Manzana, Nueva York.

En 1972 Abandona España , trasladándose a Marruecos.

Hacia 1981 Realiza su primera exposición en la Marlborough Gallery, donde sigue exhibiendo continuamente.

En 1994 Realiza su primera exposición individual en el Museo Nacional de Bellas Artes, en Santiago.

En 1996 Recibe condecoraciones a su trabajo en Nueva York.

Bril,Paul

2009-04-08T12:36:00.000-07:00

Paul Bril (1554 – 1626) fue un pintor flamenco. Residió la mayor parte de su vida en Roma, donde se estableció en 1575. Pintor paisajista, acusó la influencia de Adam Elsheimer y Annibale Carracci, aglutinando el estilo fantasioso del manierismo flamenco del siglo XVI con el paisaje clásico italiano del XVII.

Realizó vistas de Roma para el comercio turístico, y destacó especialmente en el género de las marinas, ejerciendo una notable influencia sobre Agostino Tassi y su discípulo Claude Lorrain. Su hermano Mattheus Brill (1550 – 1583) también fue pintor afincado en Roma, siendo a veces difícil distinguir la obra de ambos.

Fuente: Wikipedia

Appiani, Andrea

2009-04-07T09:47:00.000-07:00

Andrea Appiani (Milán, 31 de mayo de 1754 - Ibídem, 8 de noviembre de 1817), fue un pintor neoclásico italiano.

Nacido en Milán, estaba previsto que siguiera la carrera de su padre en medicina, pero en lugar de ello entró en la academia privada del pintor Carlo Maria Giudici (1723–1804).

Recibió formación en dibujo, copiando principalmente a partir de esculturas y láminas. Luego se unió a la clase del pintor de frescos Antonio de' Giorgi, que impartía en la galería de pinturas Ambrosiana de Milán. También frecuentó el estudio de Martin Knoller, donde profundizó su conocimiento de pintura al óleo; y estudió anatomía en el Ospedale Maggiore de Milán con el escultor Gaetano Monti.

Su interés en temas estéticos fue estimulado por el poeta clásico Giuseppe Parini, a quien dibujó en dos buenos retratos realizados con lápiz. En 1776 entró en la Accademia di Belle Arti di Brera para seguir los cursos de pintura de Giuliano Traballesi, de quien recibió enseñanza magistral sobre la técnica al fresco.

Sus mejores obras se encuentran en la iglesia de San Maria presso San Celso y en el Palacio Real de Milán, rivalizando casi con las de su maestro.

Fue artista pensionado por el Reino de Italia por Napoleón, pero perdió este ingreso después de los acontecimientos de 1814 y cayó en la pobreza.

Durante su período como pintor de corte retrató a Napoleón y los principales personajes de su régimen. Entre sus óleos más logrados se encuentran Venus y Amor y Rinaldo en el jardín de Armida. Es conocido como «el Viejo» para distinguirlo de su sobrino-nieto Andrea Appiani, un pintor de historia en Roma. Otros pintores con el mismo apellido fueron Niccolò Appiani y Francesco Appiani.

VIDEO: FRIDA KAHLO

2009-04-07T09:29:00.000-07:00

KAHLO,FRIDA

2009-04-06T15:28:00.000-07:00

Magdalena del Carmen Frida Kahlo Calderón, mejor conocida como Frida Kahlo (n. Coyoacán, Ciudad de México; 6 de julio de 1907 - 13 de julio de 1954) fue una destacada pintora mexicana.

Nació en Coyoacán, al sur de la Ciudad de México, el 6 de julio del 1907. A pesar de ello, Frida decía haber nacido en 1910, año del inicio de la Revolución Mexicana: "Nací con la Revolución" , porque quería que su vida comenzara con el México moderno. Este detalle nos muestra su singular personalidad, caracterizada desde su infancia por un profundo sentido de la independencia y la rebeldía contra los hábitos sociales y morales ordinarios, movida por la pasión y la sensualidad. Orgullosa de su mexicanidad y de su tradición cultural, se enfrentó a la reinante penetración de las costumbres estadounidenses, todo ello mezclado con un peculiar sentido del humor.

Frida fue la tercera hija de Guillermo Kahlo, fotógrafo de origen germano-húngaro, de religión judía con su segunda esposa, la mexicana Matilde Calderón y González, de ascendencia española e indígena de religión católica.

Sin embargo, de acuerdo al estudio de Gaby Franger y Rainer Huhle,formaba parte de la leyenda, no pocas veces instigada por la propia Frida, que Guillermo Kahlo tuviera raíces húngaras o judías. Estos autores sostienen que probablemente el fotógrafo nació en Pforzheim, pequeña ciudad del estado de Baden-Wurtemberg y que sus abuelos y resto de antepasados pertenecieron a la burguesía local y eran de religión luterana.

Su vida quedó marcada por el sufrimiento físico que comenzó con la poliomielitis que contrajo en 1913 y continuó con diversas enfermedades, lesiones, accidentes y operaciones. Esta primera enfermedad le dejó una secuela permanente: la pierna derecha mucho más delgada que la izquierda.

En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México, la más prestigiosa institución educativa de México, la cual empezaba por primera vez a admitir chicas como alumnas. Allí sus travesuras la convirtieron en la cabecilla de un grupo mayoritariamente formado por chicos rebeldes con los que realizó innumerables trastadas en la escuela teniendo generalmente como víctimas a sus profesores. Fue precisamente en esta escuela donde entraría en contacto con su futuro marido, el conocido muralista mexicano Diego Rivera, a quien le había sido encargado pintar un mural en el auditorio de la escuela.

En 1925 aprendió la técnica del grabado con Fernando Fernández Domínguez. El 17 de septiembre de ese mismo año un accidente de tranvía la dejó con lesiones permanentes debido a que su columna vertebral quedó fracturada y casi rota, así como diversas costillas, cuello y la pelvis, su pie derecho se dislocó, su hombro se descoyuntó y un pasamanos le atravesó el vientre, introduciéndosele por el costado izquierdo. La medicina de su tiempo la torturó con operaciones quirúrgicas (32 a lo largo de su vida), corsés de distintos tipos y diversos mecanismos de "estiramiento".

El aburrimiento que le provocaba su postración la llevó a empezar a pintar: en 1926, todavía en su convalecencia, pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie en la cual expresará los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama y en el baño. Sin embargo su gran fuerza y energía por vivir le permitieron una importante recuperación.

Tras esa recuperación, que le devolvió la capacidad de caminar, una amiga íntima la introdujo en los ambientes artísticos de México donde se encontraban, entre otros, la conocida fotógrafa, artista y comunista Tina Modotti y el futuro marido de Frida Diego Rivera.

La artista contrajo matrimonio con Rivera el 21 de agosto de 1929. Su relación consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio y un divorcio en 1939 que solamente duró un año.

Poco después de su divorcio con Diego Rivera, Frida Kahlo terminó un autorretrato constituido de dos personalidades: Las Dos Fridas. Con este cuadro, asimila la crisis marital, a través de la separación entre la Frida en traje de tehuana, el favorito de Diego, y la otra Frida, de raíces europeas, la que existió antes de su encuentro con él. Los corazones de las dos mujeres están conectados uno al otro por una vena, la parte europea rechazada de Frida Kahlo amenaza con perder toda su sangre.

Al matrimonio lo llegaron a llamar la unión entre un elefante y una paloma, pues Diego era enorme y obeso mientras que ella era pequeña y delgada. Por otra parte; Frida, debido a sus lesiones, nunca pudo tener hijos, cosa que tardó muchos años en aceptar.

A pesar de las aventuras de Diego con otras mujeres (que llegaron a incluir a la propia hermana de la pintora), ayudó a Frida en muchos aspectos. Él fue quien le sugirió a Frida que vistiera con el traje tradicional mexicano consistente en largos vestidos de colores y joyería exótica. Esto, junto a su semblante cejijunto, se convirtió en su imagen de marca. Él amaba su pintura y fue también su mayor admirador. Frida, a cambio, fue la mayor crítica de Diego.

Frida Kahlo con Malu Block y Diego Rivera.La creciente reputación de Rivera en los Estados Unidos los llevó entre 1931 y 1934 a pasar la mayor parte del tiempo en Nueva York y Detroit.

Entre 1937 y 1939 el revolucionario ucraniano León Trotsky vivió exiliado en su casa de Coyoacán junto a su mujer. Allí tendrá un romance con el líder comunista para, tras su asesinato a manos del miembro de la NKVD estalinista Ramón Mercader, ser acusada como autora del mismo. Esto la llevó a estar arrestada pero finalmente fue dejada en libertad al igual que su marido.

En 1938 el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón califica su obra de surrealista en un ensayo que escribe para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. No obstante, ella misma declara más tarde: "Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad".

En 1939 expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con el pintor malagueño Picasso y a aparecer en la portada del Vogue francés. Por entonces Frida era conocida en el mundo entero. A partir de 1943 dio clases en la escuela La Esmeralda del México D.F.

La Casa Azul, Museo Frida Kahlo.En la primavera de 1953 la Galería de Arte Contemporáneo de esta misma ciudad le organizó, por primera vez, una importante exposición. La salud de Frida era muy mala por entonces y los médicos le prohibieron el asistir a la misma. Minutos después de que todos los invitados se encontraran en el interior de la galería se empezaron a oír sirenas desde el exterior. La muchedumbre enloquecida se dirigió al exterior, allí estaba una ambulancia acompañada de una escolta en motocicleta. Frida Kahlo había sido llevada a su exposición en una cama de hospital. Los fotógrafos y los periodistas se quedaron impresionados. Ella fue colocada en el centro de la galería. La multitud fue a saludarla. Frida contó chistes, cantó y bebió la tarde entera. La exhibición había sido un éxito rotundo.

Ese mismo año le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infección de gangrena. Esto la sumió en una gran depresión que la llevó a intentar el suicidio en un par de ocasiones. Durante ese tiempo, debido a que no podía hacer mucho, escribía poemas en sus diarios, la mayoría relacionados con el dolor y remordimiento.

Murió en Coyoacán el 13 de julio de 1954. No se realizó ninguna autopsia . Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista mexicano, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacán, lugar que la vio nacer.

Sus últimas palabras en su diario fueron: "Espero que la marcha sea feliz y espero no volver jamás".

A los cuatro años de su muerte, la Casa Azul se convirtió en el Museo Frida Kahlo.

Varios museos le han dedicado retrospectivas: el Instituto Nacional de Bellas Artes del ciudad de México (1977), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1980), la Whitechapel de Londres (1982), la Tate Modern de Londres (2007) y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (2007).

Buonarroti, Michelangelo

2009-04-03T10:47:00.000-07:00

Nacionalidad: Italia
Caprese 1475 - Roma 1564
Pintor, escultor y arquitecto
Estilo: Renacimiento Italiano
Escuela: Cinquecento

Miguel Ángel es el artista con mayúsculas; pintor, escultor y arquitecto, su personalidad es tan fuerte que define los cánones del genio. Michelangelo Buonarroti nació en Caprese, cerca de Arezzo, el 6 de marzo del año 1475. Pertenecía a una familia acomodada - su padre Lodovico di Leonardo di Bounarroto Simone era "podestá" de Florencia en esa localidad - que se trasladó a la capital de Toscana a las pocas semanas de nacer el pequeño. La madre, Francesca di Neri di Miniato del Sera, confió la alimentación del pequeño a una nodriza, hija y mujer de canteros, dato que será considerado por el artista como fundamental para su formación.

Cuando Miguel Ángel tiene seis años fallece su madre; en esos momentos conoce al pintor Francesco Granicci, un mozo de 12 años que le anima a pintar, lo que no será del agrado de Lodovico Buonarroto. Tras algunos años de "lucha" entre padre e hijo, Lodovico da su brazo a torcer - él deseaba que su pequeño realizara una carrera administrativa o comercial más satisfactoria que la pintura - y Miguel Ángel ingresa con trece años en la "bottega", el estudio, de Domenico Ghirlandaio con quien aprendería las técnicas del fresco y desarrollaría su extraordinaria capacidad como dibujante. Tras una corta estancia en la "bottega" - que parece abandonar por discrepancias con su maestro - inicia estudios de escultura en el Jardín de los Médici, bajo el patronazgo de Lorenzo "Il Magnifico" y la dirección artística del donatelliano Bertoldo di Giovanni. Estos años serán de gran felicidad para el joven ya que es acogido como hijo adoptivo por el Magnífico en el palacio Médici, donde vivía con los más destacados miembros del humanismo: Poliziano, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola. Sus primeros trabajos escultóricos se realizan en estos años bajo la protección de los Médici. La caída de la familia gobernante de la ciudad, a la que contribuyó decididamente la actuación del clérigo Girolamo Savonarola, provocó la huida del joven artista, primero hacia Venecia y después a Bolonia, donde estudió las obras de Jacopo della Quercia.

En el invierno de 1495-1496 regresa a Florencia, donde trabaja para Pierfrancesco de Médici, también simpatizante del gobierno popular dirigido por Savonarola al igual que Miguel Ángel. En estos años juveniles manifiesta ya una profunda admiración hacia la anatomía que le llevará a acudir casi todas las noches al depósito municipal de cadáveres para practicar disecciones que le permitieran conocer mejor la estructura interna del cuerpo humano. En sus obras escultóricas de estos momentos - especialmente la Centauromaquia - muestra un dominio del movimiento y de la anatomía que no había sido conseguido por Donatello.

En el mes de julio de 1496 se traslada a Roma por primera vez. En la Ciudad de los Papas recibirá el encargo de su famosa Pietà del Vaticano, mostrando su manera de trabajar en un Baco y un Cupido esculpidos para el banquero Jacopo Galli. De regreso a Florencia realizó el David y la decoración de la Sala del Consejo del Palazzo della Signoria, siendo el encargado de elaborar la Batalla de Cascina que compitiera con la Batalla de Anghiari encargada a Leonardo. En el boceto demuestra una vez más su obsesión por el desnudo, que será modelo de un buen número de artistas jóvenes por aquellas fechas. Ambas obras han desaparecido por desgracia. En 1505 el poderoso papa Julio II reclama a Miguel Ángel que regrese a Roma ya que le va a encargar una tumba con cuarenta figuras, digna de tan elevado personaje. Pero el magno proyecto se vio reducido a la realización del Moisés y los Esclavos. Los caracteres del Papa y del artista eran tan diferentes que los enfrentamientos, a pesar de la mutua y profunda admiración que se manifestaban, no tardaron en aparecer. El propio Miguel Ángel denominará a ese encargo la "Tragedia del Sepulcro". Será el mismo Julio II quien también le encargue su obra maestra: el techo de la Capilla Sixtina, a cuya decoración dedicará cuatro años, entre 1508 y 1512.

El trabajo fue agotador ya que no contaba con ningún ayudante y puso de manifiesto el fuerte carácter del maestro agravado por su insatisfacción característica, la escasez de honorarios y las numerosas demandas de ayuda que recibe de su familia, especialmente de su hermano Buonarroto. Es significativo el texto de una carta que escribe a su padre en enero de 1509: "Hace un año que no recibo un céntimo del papa y no lo pido porque mi trabajo no va adelante como creo que merece. Esta es la dificultad del trabajo y el no ser mi profesión. Pierdo tiempo sin provecho. Dios me asista". En una nueva carta se reafirma en sus opiniones al manifestar: "Sigo aquí disgustado y no muy sano, con gran trabajo, sin gobierno y sin dineros".

Tras el fallecimiento de Julio II en 1513, sus herederos reducen el proyecto de sepulcro, lo que supondrá un importante varapalo para el maestro. Los viajes son continuos y tienen como punto de destino Carrara, donde se sentía tranquilo y sosegado junto a la familia con la que se crió. El papa León X le encarga la decoración de la fachada de san Lorenzo en Florencia - obra que quedará inconclusa -, realizando también los planos de la Biblioteca Laurentina y las Capillas Mediceas, donde se alojarían las tumbas de Giuliano y Lorenzo de Médici con las famosas estatuas de la Aurora y el Crepúsculo y la Noche y el Día. Estos años trabajará para el gobierno de la República de Florencia como ingeniero militar, siendo nombrado en 1529 "gobernador general de las fortificaciones" y trasladándose a Pisa, Livorno y Ferrara para comprobar el estado de sus murallas. En 1534 Miguel Ángel se instala definitivamente en Roma, donde realizará el Juicio Final, en la Capilla Sixtina, por encargo del papa Paulo III, quien le nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano. En el Juicio Final, Miguel Ángel exhibirá su admiración hacia la anatomía que le llevará a desnudar al propio Cristo, anticipando con sus figuras el Barroco.

Pero la reacción moral no se hizo esperar y ya en vida del maestro se empezaron a tapar los cuerpos, siendo Volterra uno de los encargados. Los pleitos con los herederos de Julio II para la ejecución de la tumba se suceden llegando a situaciones límite de las que salió airoso gracias a la ayuda del papa. Llevará a cabo los frescos de la Capilla Paolina inmediatamente después de acabar con el Juicio, una vez resueltos sus problemas con los herederos de Julio II, consintiendo éstos en la renuncia del maestro a la ejecución de los trabajos y admitiendo la colocación del Moisés en el nuevo proyecto. Desde 1546 Miguel Ángel se dedica especialmente a la arquitectura; tras fallecer Antonio da Sangallo asume la dirección de las obras de la basílica de San Pedro del Vaticano, compaginando los trabajos con el diseño de la escalinata del Capitolio y el Palacio de los Conservadores. En estos años mantendrá una encendida amistad con la poetisa Vittoria Colonna, mujer de místico temperamento que llevará a Miguel Ángel a expresar en sus obras y escritos una dolorosa fe, manifestando un ineludible deseo de penitencia.

La fama del maestro alcanzó elevadas cotas en los últimos años de su vida, siendo nombrado "jefe" de la Academia de Dibujo de Florencia. Vasari, en sus famosas "Vidas", y Ascanio Condivi, con su biografía, le encumbrarán. El artista de la "terribilità", que definiría el último Cinquecento, fallecía en Roma el 18 de febrero de 1564 a la edad de 89 años. Su sobrino Leonardo llevará en secreto el cadáver del genio hasta Florencia en el mes de marzo, celebrándose solemnes funerales por su alma en la iglesia de San Lorenzo, antes de ser enterrado en Santa Croce. La ajetreada vida de Miguel Ángel fue llevada a la novela por Irving Stone en "El tormento y el éxtasis" sirviendo de base a una película con el mismo título.

Siquieros Alfaro, David

2009-04-02T17:53:00.000-07:00

(Chihuahua, México, 1896 - Cuernavaca, id., 1974) Pintor y muralista mexicano. Activo políticamente desde muy joven, interrumpió sus estudios de arte para alistarse en el ejército de Venustiano Carranza. Al finalizar el conflicto, se trasladó a Europa para continuar sus estudios.

Tras su regreso a México en 1922 participó en la elaboración de los murales de la Escuela Nacional Preparatoria. Durante toda su vida viajó por varios países, sobre todo Estados Unidos, Rusia, Argentina y Chile, a veces por motivos profesionales y otras por motivos políticos. Estuvo dos veces en la cárcel en México, la primera en 1930 y la segunda en los años sesenta.

Siqueiros fue, junto con Rivera y Orozco, uno de los padres de la escuela muralista mexicana. Al igual que ellos, compartió su fervor por la revolución y la exaltación del pasado precolombino, siempre desde un enfoque nacionalista y marxista, que plasmó en un arte de dimensiones monumentales y gran fuerza dramática.

Buena muestra de sus frescos está expuesta en el Sindicato de Electricistas y en el Palacio de Bellas Artes de México, en la ciudad de Chillán (en Chile) y en la Chouinard School of Art de Los Ángeles. Dos de sus títulos más conocidos son Proceso al fascismo (1939) y Muerte al invasor (1940), este último dedicado a la conquista de América.

Su obra se caracteriza por el dinamismo y la movilidad compositiva, así como por una búsqueda de efectos dramáticos mediante el uso de la luz y el tratamiento escultural de las figuras y los fondos. Contiene, además, una fuerte componente didáctica, capaz de reunir pintura, escultura y arquitectura en pos de una nueva dimensión artística cuyo punto de partida es la realidad. Su anhelo por conseguir una reciprocidad entre las diferentes técnicas pictóricas y la más moderna tecnología, le llevó a crear un taller experimental de arte en Nueva York.

CAMBIASO, LUCA

2009-04-01T12:39:00.000-07:00

Luca Cambiaso (1527 - 1585) fue un pintor italiano.

Con tan sólo 17 años, Luca Cambiaso recibió el encargo de decorar con frescos el Palacio Doria de Génova, lo cual le convirtió en uno de los artistas más jóvenes e influyentes en esta importante república italiana.

Cambiaso adaptó sus conocimientos de matemática y geometría a sus composiciones y figuras, que pueden llegar a asimilarse a ciertas concepciones del espacio y el volumen del cubismo. Heredero de la tradición monumental de Miguel Angel, que él combina con la suavidad del Correggio, su fama trascendió las fronteras.

De este modo, recién terminado El Escorial, Felipe II le hizo llamar a España para que decorara al fresco seco algunas de sus paredes, en 1583. Desgraciadamente, murió a los dos años de su llegada a la Corte escurialense. Su puesto y su estilo fueron ocupados en el monasterio madrileño por otros dos italianos, Zuccaro y Tibaldi.

Entre los frescos que se conservan en el Escorial destacan la Coronación de la Virgen (en la bóveda de la Capilla Mayor), la Gloria (en la bóveda del coro) y escenas de Cristo resucitado (rellano de la escalera).

Fuente: Arte y historia

GONZÁLES,EVA

2009-03-31T15:21:00.000-07:00

Eva Gonzalès pintora impresionista, nace en París el 19 de abril de 1849 y muere en la misma ciudad el 5 de mayo de 1883.

Hija del escritor español nacionalizado francés, Enmanuel Gonzalès, comienza a estudiar pintura a los 16 años. Más tarde será discípula de Édouard Manet, en cuyo taller será modelo y alumna.

La influencia de Manet en su pintura es visible hasta 1872, después su estilo se vuelve más personal, especializándose en obras al pastel y tonalidades claras.

En 1879 se casa con uno de los hermanos del grabador Henri Guerard, naciendo de esta relación su hija Julie. Fallece a causa de una embolia originada en un parto, 5 días después de la muerte de su maestro Manet.

En febero de 2008 el Museo Schirn de Fráncfort abre una exposición con la obra de Eva Gonzalès y otras tres pintoras impresionistas, las francesas Berthe Morisot, Marie Bracquemond y la estadounidense Mary Cassatt que, en opinión de la comisaria Ingrid Pfeiffer, no han recibido aún el trato que merecen de parte de la mayoría de los historiadores de arte.

Anguissola, Sofonisba

2009-03-30T17:31:00.000-07:00

Sofonisba Anguissola fue una pintora italiana, la primera mujer pintora de éxito del Renacimiento.

Sofonisba Anguissola (también escrito Anguisciola o Anquissola) nació en Cremona (Italia) hacia 1532. Era la mayor de siete hermanos, seis de los cuales eran niñas. Su padre, Amilcare Anguissola, era miembro de la baja nobleza genovesa. Su madre, Bianca Ponzone, de familia influyente, falleció cuando Sofonisba contaba entre cuatro y cinco años.

Durante las cuatro generaciones anteriores, la familia tuvo una estrecha conexión con la historia antigua de Cartago, por lo que nombraron a su progenie en honor del gran general Aníbal, llamando a su hija como la trágica protagonista cartaginesa Sofonisba.

Su padre animó a sus hijas (Sofonisba, Elena, Lucía, Europa, Minerva y Ana María) a cultivarse y perfeccionar sus talentos. Cuatro de sus hermanas también fueron pintoras, pero Sofonisba fue de lejos la que mejor lo consiguió y más renombrada. Elena se hizo monja (Sofonisba pintó un retrato de ella) y tuvo que dejar de pintar, así como Ana María y Europa lo dejaron al contraer matrimonio, mientras que Lucía, la mejor pintora de las hermanas, murió joven. La otra hermana, Minerva, se hizo escritora y latinista. Asdrúbal, hermano varón, estudió música y Latín, pero no pintaba. Su aristocrático padre se aseguró de que tanto Sofonisba como sus hermanas recibieran una buena educación en la que estaban incluidas las bellas artes.

A la edad de 14 años su padre la envió, junto con su hermana Elena, a estudiar con Bernandino Campi (también nacido en Cremona), un respetado pintor de retratos y escenas religiosas de la escuela de Lombardía. Cuando éste se mudó a otra ciudad, Sofonisba continuó sus estudios con el pintor Bernardino Gatti (conocido como "El Sojaro"). El aprendizaje de Sofonisba con artistas locales sentó un precedente para que las mujeres fueran aceptadas como estudiantes de arte. No se sabe con certeza, pero probablemente continuó sus estudios junto a Gatti por tres años. Su trabajo más importante de aquella época es su obra "Bernardino Campi pintando Sofonisba Anguissola", fechado en 1550 y que se encuentra en la Pinacoteca Nacional de Siena.

En 1554, a la edad de 22 años, viaja a Roma, donde conoce a Miguel Ángel por mediación de otros pintores que conocían bien su obra. Este encuentro con el artista fue un gran honor para la pintora y se benefició de ser "informalmente" instruida por el gran maestro. Cuando él le pidió que pintara un niño llorando, Sofonisba dibujó "Niño mordido por un cangrejo", y cuando Miguel Ángel lo vio, reconoció de inmediato el talento de ella. A partir de ese momento, el genio le daba bosquejos de su cuaderno de notas para que ella los pintara con su estilo personal y le ofreció consejo sobre los resultados. Durante al menos dos años, Sofonisba continuó este estudio "informal", recibiendo una sólida orientación del mismo Miguel Ángel.

El gran historiador del arte Giorgio Vasari escribió sobre ella: "Anguissola ha mostrado su mayor aplicación y mejor gracia que cualquier otra mujer de nuestro tiempo en sus empeños por dibujar; por eso ha triunfado no sólo dibujando, coloreando y pintando de la naturaleza, y copiando excelentemente de otros, sino por ella misma que ha creado excelentes y muy bellas pinturas".

No obstante, no lo tuvo fácil, pues a pesar de que contó con coraje y apoyo, más que el resto de las mujeres de su época, su clase social no le permitía ir más allá de los límites impuestos para su sexo. No tuvo la posibilidad de estudiar anatomía o dibujar del natural (era considerado inaceptable para una señora que viera desnudos). En su lugar, buscó las posibilidades para un nuevo estilo de retratos, con personajes con poses informales. Auto-retratos y los miembros de su propia familia eran los protagonistas más frecuentes, como se puede ver en "Auto-retrato" (1954, en el Museo Kunsthistoriches en Viena), "El juego de ajedrez" (1555, Museo Narows, Poznan), en el que pinta a tres de sus hermanas: Lucía, Minerva y Europa, y el "Retrato de Amílcar, Minerva y Asdrúbal Anguissola" (1557-1558, Nivaagaards Malerisambling, Niva, Dinamarca).

Cuando ya era conocida, se desplaza a Milán, hacia 1558, en donde pintó al Duque de Alba, quien a su vez la recomendó al rey Felipe II de España. Al año siguiente, fue invitada a visitar la corte española, lo que representó un momento crucial en su carrera. Entonces tenía 27 años. En el invierno de 1559-1560 llega a Madrid para convertirse en pintora de la corte además de dama de compañía de la nueva reina Isabel de Valois, tercera esposa del rey. Enseguida se ganó la estima y confianza de la joven reina. Durante este tiempo, trabajó estrechamente con Alonso Sánchez Coello. Tan estrechamente, que inicialmente el retrato del Felipe II, en edad mediana, fue atribuido a Coello. Ha sido recientemente cuando se ha reconocido a Anguissola como la autora del mismo. Anguissola pasó los años siguientes pintando sobre todo retratos de corte oficiales, incluyendo los de la reina y otros miembros de la familia real, la hermana de Felipe II Juana, y su hijo, Don Carlos. Sus pinturas de Isabel de Valois y de Ana de Austria, la cuarta esposa de Felipe II, son vibrantes y llenas de vida.

En 1570 aún continuaba soltera. Después de la muerte de Isabel de Valois, Felipe II arregla un matrimonio para Sofonisba. Al año siguiente, se casa con Don Francisco de Moncada, hijo del príncipe de Paterno, virrey de Sicilia. La ceremonia se celebra con gran bombo y ella recibió una dote por parte del rey de España. Viajaron a Italia tras el enlace; aunque volvieron a España, dejaron esta tierra para viajar a Palermo, donde falleció su marido en 1579. Viajando hacia Cremona, conoce a Orazio Lomellino, considerablemente más joven que ella, que era el capitán del barco en el que viajaba. Se casaron en 1580 en Pisa. Orazio reconoció y apoyó su trabajo de pintora y se establecieron en Génova, en una gran casa en donde pudo tener su propio estudio y tiempo para pintar y dibujar. La fortuna personal de Orazio, además de la generosa pensión que le otorgó Felipe II, le permitió pintar libremente y vivir cómodamente. Bastante famosa en aquellos momentos, Sofonisba recibió la visita de muchos de sus colegas. Varios de éstos eran más jóvenes que ella y aprendían e imitaban el estilo distintivo de Anguissola.

En 1623, la visitó el pintor flamenco Anthony Van Dyck, quien pintó varios retratos de ella a principios de 1600, e hizo bosquejos de sus visitas a Sofonisba en su cuadernos de notas. Van Dyck dijo: Aunque su vista está debilitada, se mantiene aún muy alerta mentalmente". En contra de lo que algunos biógrafos reclaman, ella nunca se llegó a quedar ciega; quizá tuvo cataratas. Murió a la edad de 93 años en Palermo en 1625. Fue internacionalmente aclamada y respetada a lo largo de su vida.

Siete años después, en lo que sería la celebración del centenario de su nacimiento, su viudo colocó una inscripción en su tumba en la que se leía, en parte: "A Sofonisba, mi mujer .... quien es recordada entre las mujeres ilustres del mundo, destacando en retratar las imágenes del hombre ... Orazio Lomellino, apenado por la pérdida de su gran amor, en 1632, dedicó este pequeño tributo a tan gran mujer".

Un total de 50 obras han sido atribuidas con seguridad a Sofonisba. Sus cuadros pueden ser vistos en las galerías en Bérgamo, Budapest, Madrid (Museo del Prado), Nápoles, Siena y Florencia (Galería Uffizi).

Su obra ha tenido enorme influencia en las generaciones de artistas posteriores. Su retrato de la reina Isabel de Valois con un cibelino (piel de marta) fue el retrato más copiado en España. Entre de estos copistas se incluyen muchos de los mejores artistas del momento, como Pedro Pablo Rubens.

Es también importante para el feminismo. A pesar de vivir en una época en la que las mujeres estaban completamente ausentes de las artes visuales (por imposición), el gran éxito de Anguissola abrió el camino a un gran número de mujeres para perseguir la consecución de sus carreras de artistas. Algunas sucesoras famosas, a este efecto, son Lavinia Fontana, Bárbara Longhi,Fede Galizia y Artemisa Gentileschi.

Sofonisba dijo en cierta ocasión: La vida está llena de sorpresas; intento capturar estos preciosos momentos con los ojos bien abiertos. Sofonisba Anguissola

Alechinsky, Pierre

2009-03-27T08:38:00.000-07:00

Alechinsky fue pintor y artista gráfico alemán. En 1947 se hizo miembro de la asociación Jeune Peinture Belge y en 1949 se unió al Grupo Cobra que querían volver a poner en actualidad el Expresionismo. En 1951 rompió su vinculación con este grupo y se instaló en París donde estudió técnicas gráficas con S. W. Hayter.

En 1955 viajó al Extremo Oriente y produjo la película Calligraphie japanaise. Alechinsky pinta con un estilo vigoroso e incluso violento, muy cercano a un Expresionismo nórdico. En su obra aparecen motivos figurativos con tal fantasía que se aproximan al Surrealismo.

MURALISMO

2009-03-26T18:45:00.000-07:00

Detalle de un mural de José Clemente Orozco en la Biblioteca Baker, Dartmouth College, Hanover, New Hampshire

El Muralismo es un movimiento artístico mexicano de mediados del siglo XX que se distingue por tener un fin político (en su mayoría marxista o sobre la situación social y política del México post-revolucionario).

Descripción

El Muralismo fue pensado como modo de enseñanza y era empleado en lugares públicos a los que todo tipo de gente sin importar raza y clase social pudiera acceder. Trabajaban sobre una superficie de hormigón (concreto) o sobre la fachada de un edificio. Los temas que relataban o retrataban lo que estaba pasando en el país políticamente. Los murales de Diego Rivera hablaban en especial de la revolución.

Hay murales en la mayoría de los edificios públicos de la Ciudad de México y de otras ciudades, siendo una de estas Guanajuato, localizada en un Estado muy importante para el país por ser cuna del movimiento de Independencia.

Aunque es considerado un movimiento artístico, el Muralismo también se puede considerar un movimiento social e incluso político.

Avia Peña, Amalia

2009-03-25T16:57:00.000-07:00

Amalia Avia Peña nació el 23 de abril de 1926 en Santa Cruz de la Zarza. Estudió en la Escuela Peña y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, donde entró en contacto con artistas como Antonio López García, Lucio Muñoz, con el que se casó, y Enrique Gran, con quienes formó la Escuela Madrileña. En 1959 realizó su primera exposición en en la Galería Fernández de Madrid. Desde los comienzos de su carrera fueron tiempos difíciles para el realismo debido al triunfo de los informalistas. Los temas que más le llamaron la atención fueron los cotidianos y siempre dentro de la figuración. Le gustaba retratar el paisaje urbano de Madrid. En 1978 se le concedió el premio Goya de la Villa de Madrid y en 1983 participó en la Exposición del Realismo en España. En 1997 realizó una gran exposición antológica en el Centro Cultural de la Villa de Madrid.

Su pintura realista afronta temas preferentemente urbanos, reflejando el entorno en el que se mueven nuestras vidas, con una delectación en calles desiertas y llenas de misterio. Gusta de mostrar la belleza de sus edificios con sus fachadas añadas por el paso del tiempo. Detiene el ojo en detalles que a veces nos pasan desapercibidos y que sin embargo están cargados de vida y de realidad cotidiana, como tapias, fachadas de comercios, paredes de interiores de casas, etc.

Entre los numerosos premios obtenidos destacan: el Tercer Premio del Concurso Repesa de 1966, el Tercer Premio en la Bienal de León de 1971 y el Primer Premio Goya de la Villa de Madrid en 1978.

Camilo José Cela dijo de Amalia Avia que es la pintora de las ausencias, la amarga cronista del "por aquí pasó la vida marcando su amargura e inevitable huella de dolor", como en las novelas de los maestros rusos del siglo XIX.

Dr. Atl, Murillo Gerardo

2009-03-24T16:41:00.000-07:00

Dr. Atl es el seudónimo del pintor y escritor mexicano cuyo nombre real fue Gerardo Murillo (Guadalajara, Jalisco; 8 de octubre de 1875 - Ciudad de México, 1964). Comenzó estudiando pintura a temprana edad en la ciudad de Guadalajara. A la edad de 21 años, Murillo entró en la Escuela Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México para completar sus estudios.

Tiempo después, Murillo obtuvo una pensión del presidente Porfirio Díaz para continuar sus estudios en Europa. Su área de aprendizaje se fue ampliando con el paso del tiempo. Estudió filosofía y leyes en la Universidad de Roma. Murillo también viajó a París en repetidas ocasiones para asistir a pláticas sobre pintura y dibujo impartidas por Henri Bergson. Sus fuertes intereses políticos lo hicieron colaborar con el partido socialista de Italia y trabajó algún tiempo en el periódico Avanti. En esos días fue bautizado como él mismo se daría a conocer: El Dr. Atl, que en lengua náhuatl significa "agua"; este seudónimo se le debe a Leopoldo Lugones.

Tuvo una carrera muy atractiva en México a su regreso. Exhibió su arte y patrocinó a pintores brillantes de esa época, tal es el caso de Diego Rivera.

El Dr. Atl dejó el país, regresando a París, donde analizó y comparó los aspectos de la política de México y escribió con crítica sobre el golpe de estado de Victoriano Huerta. El Dr. Atl comparó en cierta forma a la revolución mexicana con el socialismo bíblico, a fin de promover el crecimiento del arte, la literatura y la ciencia.

Uno de sus intereses más grandes era el estudio de los volcanes. Pasó bastante tiempo escalando el volcán Popocatépetl y posteriormente el Iztaccíhuatl. Se le atribuyó el diseño del telón de cristal opalesence elaborado por la casa Tiffany de Nueva York, para el Palacio de Bellas Artes, incluso él aseguró tal hecho, más no ha sido comprobado.

También escribió el libro "Cómo hacer crecer un volcán - El Paricutín" en 1950. En el libro cuenta sus experiencias al presenciar la erupción del Paricutín en 1943. El Dr. Atl, amó y trajo buena parte de sus obras en el diseño de paisajes, de los que se aprecian en muchas de sus obras. Por ellas recibió numerosos premios y reconocimientos. Murió en la Ciudad de México en 1964.

Tuvo una relación romántica y muy intensa con Carmen Mondragón, mejor conocida como Nahui Ollin, a la que él bautizó con ese nombre. Pasajes de esta relación tormentosa son narrados por él mismo en su libro "Gentes profanas en el convento".

Se le reconoce también la creación de colores especiales para la pintura. Sus escritos literarios, incluyendo "Narraciones Extraordinarias", el cual se enfoca en los temas de la Independencia de México, han sido aclamados como una de las mejores narraciones de ese período histórico. Su libro "La Perla" posiblemente inspiró a John Steinbeck.

VIDEO: RETRATOS DE REMBRANT

2009-03-23T19:20:00.000-07:00

NEOIMPRESIONISMO

2009-03-21T17:02:00.000-07:00

Neo-Impresionismo
Fechas: 1.885 h. - 1.900 h.

En el Neo-Impresionismo se agrupan las más diversas tendencias, muchas de las cuales desbordan todo intento de clasificación cronológica, puesto que en gran medida se corresponden con figuras concretas: por ejemplo, Edvard Munch, autor de El Grito, sigue trabajando hasta su muerte después de la II Guerra Mundial. Van Gogh, en cambio, muere prematuramente en 1890. El Neo-Impresionismo es básicamente un movimiento de reacción ante el Impresionismo: habiendo agotado éste su intención estética, la única que tenía en realidad, se ve incapaz de ir más allá. Sus veteranos, y los jóvenes pintores de París y otros países europeos influidos por el nuevo estilo, se enfrentan a la necesidad de abrir nuevas vías de investigación pictórica. Las respuestas a esta necesidad serán diferentes según tendencias como el Puntillismo o el Simbolismo, o según pintores, difícilmente clasificables en una Escuela concreta, como Cézanne. En cualquier caso, se aprovechan los avances del Impresionismo sobre teoría del color e independencia de los temas y se introducen factores nuevos que permiten revalorizar la importancia del arte.

IMPRESIONISMO

2009-03-20T12:17:00.000-07:00

Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como música y literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.

Con anterioridad al Impresionismo, el marco artístico, era dominado por un eclecticismo, al que respondió la generación de las rupturas estilísticas, una serie de rupturas que darán personalidad propia al arte moderno. La primera de ellas o, si se prefiere, su preámbulo, es el Impresionismo, un movimiento, resultado de una prolongada evolución, que coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo extremo.

Tiende a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres colores primarios y sus complementarios, y a prescindir de negros, pardos y tonos terrosos. Aprendieron también a manejar la pintura más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el paisaje.

Técnica y estética impresionista
Colores puros

Claude Monet, Catedral de Ruán. En la entrada principal de la catedral distinguimos azul ultramar y violeta para las sombras (colores más saturados que la parte superior, más iluminada) al igual que naranja dentro de la misma zona de sombra para definir los reflejos en la oscuridad.La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores fríos o desaturados que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. Del mismo modo, las luces pasaron de ser claras a ser saturadas y cálidas, resaltando del fondo. Podemos decir que, rompiendo con la dinámica clásica del claroscuro, más propio del dibujo, una sombra podría ser más intensa, clara y saturada que una luz y, sin embargo, seguir creando ilusión de sombra y profundidad. Asimismo enriquecieron el lenguaje plástico separando los recursos propios del dibujo y aplicando únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color. Para definir la forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen mediante más matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de las zonas iluminadas recurriendo únicamente al uso del color. Un buen ejemplo del uso de los colores saturados para luces y sombras indistintamente lo encontramos en el cuadro La catedral de Ruán de Claude Monet al lado. Este uso de los colores sería absorbido después por las primeras vanguardias, especialmente por el fauvismo de Matisse o Gauguin.

Pincelada gestáltica

Pinceladas lineales de colores puros dan lugar a una visión unitaria de atmósfera y gradación de cálidos a fríos.

Los neoimpresionistas llevaron al extremo esta pincelada gestáltica, en este caso en forma de puntos, dando lugar a un color y forma unitarios.Aunque la teoría gestáltica apareció más adelante, los pintores impresionistas mostraron plásticamente lo que la psicología de la Gestalt vendría a demostrar psicológica y científicamente más adelante: perceptivamente, si se dan ciertas condiciones, partes inconexas dan lugar a un todo unitario. El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue llevado al máximo por los neoimpresionistas, también conocidos como puntillistas como Seurat o Signac.

Forma

La plasmación de la luz sobre el cuerpo es más importante que la descripción de su forma.La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor queda subordinada a la definición de las condiciones particulares de iluminación. Por eso los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, la iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet. La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada del clasicismo; Así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento.

Variantes en la estética impresionista

No todos los pintores del grupo fueron iguales y, ni mucho menos, fielmente ortodoxos con respecto a la estética impresionista. Las sólidas estructuras de luz y sombra de Eduard Manet fueron realizadas en su mayoría en interiores, después de muchos estudios preliminares, y tienen la dicción formal del arte de estudio, no la frescura de la pintura al aire libre. La atmósfera y el color local no eran, ni mucho menos, sus objetivos primordiales, y cuando representaba lo que parece, a primera vista, un tema «impresionista» era capaz de cargarlo con tantas ironías y contradicciones que llegaba a empañar toda su inmediatez.

Dejando aparte a Berthe Morisot, el pintor del grupo que más se le aproxima es Edgar Degas, con una pintura difícil de comprender por su aguda inteligencia, sus intrigantes mezclas de categorías, sus influencias poco convencionales y, sobre todo, su tan traída y tan llevada «frialdad», aquella fría y precisa objetividad que fue una de las máscaras de su infatigable poder de deliberación estética.

De hecho, ningún pintor del grupo es tan puramente impresionista como Claude Monet. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia.

Por su parte, Renoir es el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos.

Sin duda, Camille Pisarro fue el menos espectacular de los impresionistas porque es un pintor más tonal que esencialmente colorista. Pero, decano del Impresionismo, tuvo un importante papel como conciencia moral y guía artístico.

Y, por último, trabajando a veces con Renoir y a veces con Monet, estaba Alfred Sisley, influido por ambos. Durante toda su vida siguió fielmente las directrices de los impresionistas pero nunca llegó a abandonar «la caza del motivo» y siempre se dejó llevar espontáneamente, con una facultad de comunicación directa, por un Romanticismo subyacente y lleno de poesía.

BRONZINO, ANGIOLO

2009-03-19T16:17:00.000-07:00

Bronzino, Angiolo
Nacionalidad: Italia
1503 - 1572
Pintor
Estilo: Renacimiento Italiano

Nacido en la órbita del Cinquecento, evolucionó con velocidad hacia el nuevo estilo, el Manierismo, que se introduce con Rafael y Miguel Angel. Bronzino era el apodo con el cual se le conocía en la corte florentina de los Médici, tal vez debido al color oscuro de su piel. Fue el pintor favorito de Cosme de Médici, a quien retrató en innumerables ocasiones, así como al resto de su familia.Su estilo es sumamente frío y elegante, y fascinó a los pintores del realismo mágico alemán e italiano durante la entreguerra del siglo XX. Habiendo sido alumno de Pontormo, uno del manieristas más famosos, no aprendió sin embargo a tratar como él los asuntos religiosos.

Demostró falta de sentimiento en sus cuadros de tema bíblico, lo que le condujo a escenas afectadas, lejanas del sentimiento devocional que se supone debían provocar.Pero el estilo de su maestro resultó genial aplicado a los retratos de Bronzino. Cortesano y poeta, los personajes de sus cuadros son figuras de la alta nobleza florentina, como Don García de Médicis; o bien otros poetas y literatos florentinos. Fundó la Accademia del Disegno de Florencia en 1563, en la estela de las academias italianas del momento, siendo maestro y padre adoptivo de otro gran pintor, Alessandro Allori, como él mismo fue adoptado por Pontormo, en un intento de reavivar la tradición senatorial de la Roma republicana de principio de la era cristiana.

BACON,FRANCIS

2009-03-18T16:49:00.000-07:00

Bacon, Francis
Nacionalidad: Irlandesa
Dublín 28-10-1909 - Madrid 1992

Francis Bacon era un pintor británico de origen irlandés. A los 16 años se trasladó a vivir a Londres, y también viajó a Berlín donde conoció a pintores realistas como Grosz, Otto Dix y Max Beckmann. Cuando vuelve a Londres en 1928 trabaja como decorador de interiores y es entonces cuando comienza a pintar, sin demasiado éxito al principio. Pero a partir de 1944 sus obras comienzan a ser conocidas, fundamentalmente con Tres Estudios de Figura en la Base de una Crucifixión, llegando a ser considerado como una figura crucial en la pintura inglesa.

En sus cuadros suele representar una figura masculina o femenina situada en un espacio cerrado, y en el interior de una habitación. Las figuras se retuercen de una manera angustiosa y este desasosiego ha sido interpretado por los críticos como una señal de que Bacon nos está hablando acerca de la tragedia del mundo, de las guerras que él vivió, como fue la II Guerra Mundial. Bacon admiró a muchos pintores del pasado e hizo alguna interpretación de sus cuadros como el retrato de Inocencio X de 1950, que se basa en el cuadro de Velázquez del mismo nombre.

Bacon sitúa sus figuras individualmente en el centro del cuadro.

Recibe, además una gran influencia del expresionismo de Van Gogh y de Munch, es decir, expresa los sentimientos deformando las figuras.

ESTILOS, CUBISMO, 1907-1914

2009-03-15T20:35:00.000-07:00

PINTURA DE GEOGES BRAQUE

Aunque se acepta que el cubismo como movimiento artístico comienza en 1907, fecha de Las señoritas de la calle Avinyó, de Pablo Picasso (ése es el nombre original de Las señoritas de Avignon), la verdad es que ese cuadro supone una culminación de experiencias iniciales, ya en 1906. Dos son los formuladores del cubismo, Georges Braque y Pablo Picasso. Comparte determinados aspectos como la admiración, en la historia del arte de Seurat y, sobre todo, de Cézanne.

Además siguen a Matisse en la nueva admiración por el arte de los pueblos no europeos, la escultura africana y oceánica. A comienzos de 1908 Braque y Picasso realizan una estancia en el sur de Francia, en la localidad de L' Estaque; será un año de intensa amistad y trabajo en común, de forma que en apenas un año el cubismo tiene unas sólidas bases y un perfil propio. El cubismo es una titánica reflexión intelectual y visual sobre la forma. Pese al aspecto de algunos cuadros cubistas la forma siempre fue respetada, no cruzando nunca el umbral de lo abstracto. Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas, los elementos que se disponen de modo caótico sobre la mesa de un café. Se pueden distinguir diversas fases en el desarrollo del cubismo.

Después del momento inicial, hacia 1910-1911 se define el llamado cubismo analítico, el más críptico de todos, donde forma y fondo se entremezclan, se confunden. A partir de entonces la pintura recompone su imagen, proceso en el que cabe mencionar a Juan Gris (1887-1927). Es cuando surge la técnica del collage, en la que se recortan planos de diversos materiales y se pegan a la superficie del lienzo. El comienzo de la Primera Guerra Mundial fracciona el cubismo, que seguirá subsistiendo en experiencias como el purismo, la Section d'Or o el constructivismo ruso.

Del Piombo Sebastiano, Sebastiano Luciani

2009-03-12T17:38:00.000-07:00

Nacionalidad: Italia
Venecia 1485 - Roma 1547
Pintor

Sebastiano del Piombo fue un pintor veneciano, autor que trabajó durante el Renacimiento italiano, y que tuvo gran repercusión sobre la pintura española a través de los cuadros que llegaban por los puertos del Mediterráneo a las colecciones reales españolas. Del Piombo es un sobrenombre que le viene a Luciani de su trabajo como guardián de los sellos papales, un alto honor que se le concedió tras una vida plagada de éxitos. Se formó en Venecia, recibiendo la influencia de Bellini y las enseñanzas de Giorgione, con quien se confunden a veces sus obras. Su enorme fama le facilitó el traslado a Roma, donde permaneció. Conoció a Rafael e intimó con Miguel Angel, bajo cuya influencia se operó una transformación en su estilo dulce y sensual hacia la grandiosidad pétrea miguelangelesca.

VIDEO: PINTURAS DALI, SALVADOR

2009-03-10T14:50:00.000-07:00

di Bondone, Giotto

2009-03-08T18:21:00.000-07:00

(Giotto di Bondone; Colle di Vespignano, actual Italia, 1267-Florencia, 1337) Arquitecto y pintor italiano. Fue el primer creador italiano en superar las tendencias bizantinas de la pintura de su tiempo y explorar unas orientaciones que acabaron por desembocar en la gran revolución artística del Renacimiento.

Existen discrepancias en cuanto a sus orígenes y su formación, pero parece seguro que se formó con Cimabue, en cuya tradición iconográfica se inscriben algunas de sus creaciones, como el Crucifijo de Santa Maria Novella, donde la figura de Cristo está dotada de un sentido humano más profundo que en su maestro. La obra más antigua que se le atribuye son los frescos de la iglesia superior de Asís, en concreto la Historia de san Francisco, si bien esta atribución constituye uno de los problemas más debatidos de la historia del arte. Está documentada con seguridad la presencia de Giotto en Asís hacia 1290, pero existen demasiadas diferencias estilísticas entre esta obra y otras asignadas con seguridad al maestro.

En 1304 Giotto se trasladó a Padua para pintar los frescos que la familia Scrovegni le encargó en una capilla de su propiedad. Los frescos de esta capilla, denominada de los Scrovegni o de la Arena, son los únicos que se asignan con certeza al maestro. Incluyen un Juicio Final (muro oeste), una Anunciación (arco del presbiterio) y escenas de la Vida de la Virgen y de la Pasión de Cristo (muros restantes), bajo los cuales figuran personificaciones de virtudes y vicios pintadas en grisalla con objeto de crear efectos de relieve.

La obra en su conjunto denota una nueva concepción de la pintura por la atención que presta el artista tanto a la creación de efectos de perspectiva como a la unificación del espacio, que acierta a integrar las figuras con los elementos arquitectónicos que les sirven de marco. Realza la solemnidad y el dramatismo que impregnan estas escenas el empleo de colores puros y matizados.

Desde la finalización de la capilla de Padua hasta el comienzo de su otra gran obra al fresco, Giotto se ocupó en realizaciones de orden menor, como la Madonna de Ognissanti y el Crucifijo del templo Malatestiano de Rímini. A partir de 1317, el maestro trabajó en Florencia, en la decoración de dos capillas de la iglesia de la Santa Croce; las escenas de la Vida de san Francisco pintadas en la capilla Bardi anuncian los ideales pictóricos del Quattrocento; los frescos sobre la Vida de san Juan Bautista en la capilla Peruzzi anticipan las conquistas espaciales de Masaccio.

Con posterioridad, Giotto trabajó para Roberto de Anjou, en Nápoles, y para los Visconti, en Milán. Pero la obra más relevante de los últimos años de su vida fue el campanile de la catedral de Florencia, del que trazó los planos y comenzó la construcción. El arte profundamente innovador del maestro no dejó indiferentes a sus coetáneos, y ya en su tiempo gozó de una fama inmensa. Figuras de su época como Dante o Boccaccio lo elogiaron, y muchos discípulos perpetuaron sus conquistas hasta finales del siglo XIV, aunque se considera que sus verdaderos epígonos artísticos fueron Masaccio y Miguel Ángel.

Vermeer de Delft. Johannes Vermeer

2009-03-04T14:04:00.000-08:00

Nacionalidad: Holanda
Delft 1632 - Delft 1675
Pintor

No son muchos los datos que tenemos de la vida de Vermeer y su entorno familiar. Sabemos que su abuelo materno, Balthasar Claesz. Gerrits era relojero y participó en un negocio de falsificación de moneda que llevó a la muerte a dos de sus cómplices, consiguiendo Balthasar huir primero a La Haya y después a Gorinchen, donde vivió sin ser perseguido.Su padre, Reyner Janszoon Vos, había nacido en 1591, posiblemente en Amberes, trasladándose a los 20 años a Amsterdam para especializarse en el tejido de la seda. Se casó en 1615 con Digna Baltens y al poco tiempo se instalaron en Delft, donde alquilaron una hostería de nombre "Vos" -el zorro, en referencia a su apellido-, sin abandonar los trabajos de tejedor. También se dedicó al comercio de objetos artísticos, por lo que ingresó en el gremio de San Lucas de la ciudad. Hacia 1625 Reyner utilizaba ya el apellido VermeerJan Vermeer fue bautizado en Delft el 31 de octubre de 1632 como segundo hijo y único varón del matrimonio. Cuando el pequeño tiene nueve años, sus padres adquieren la hostería "Mechelen", situada en una zona privilegiada de Delft, en el norte del Marktvelde, contando entre sus clientes con la burguesía distinguida de la ciudad. Entre estos clientes se encuentran también un buen número de artistas como Balthasar van der Ast o Pieter Groenewengen, contactos que serán decisivos para la formación del joven pintor. Sin embargo, no disponemos de ningún documento que haga referencia al aprendizaje de Jan. Sólo conocemos que el 29 de diciembre de 1653 era admitido como maestro en el gremio de San Lucas de Delft. Los estatutos exigían un periodo de aprendizaje de seis años de duración con uno de los artistas reconocidos por la "guilda", por lo que se barajan diversas hipótesis sobre quién fue su maestro. Algunas opiniones apuntan a Leonaert Bramer (1594-1674) aunque las diferencias estilísticas son mayores que las razones que les unen. La mayoría de los expertos apuntan a Carel Fabritius como el pintor que dirigió el aprendizaje de Vermeer, ya que Fabritius se instaló en Delft en 1650, ingresando en el gremio de San Lucas dos años más tarde. En algunos documentos de la época se hace referencia a Jan como el sucesor de Fabritius, dato en el que se basan los especialistas para afirmar la existencia de este aprendizaje.Jan contrae matrimonio el 20 de abril de 1653 con Catharina Bolnes, en Schipluy, pequeño pueblo cercano a Delft. Catharina era hija de Maria Thins, mujer que disfrutaba de una aceptable posición económica, que en un primer momento se opuso al matrimonio, tanto por razones financieras como religiosas, ya que ella y su familia profesaban el catolicismo mientras que los Vermeer eran calvinistas. Algunos expertos han apuntado a que Jan se convirtió al catolicismo para contraer matrimonio con Catharina, dato que no está documentado.Los recién casados se instalaron en un primer momento en la pensión "Mechelen" pero siete años después se trasladaban a la casa de Maria Thins, sita en el barrio católico, en Oude Langendijk. Las situación económica de los Vermeer parece bastante buena ya que no presenta dificultades para alimentar a sus quince hijos, aunque cuatro de ellos fallecieran a edad temprana. Los especialistas consideran que Jan no sólo vivía de los ingresos de la pintura, ya que no ejecutaba más de dos obras al año. Se apunta a la regencia de la hostería como segunda actividad, a pesar de no estar documentado, e incluso al comercio de obras de arte, siguiendo también el negocio familiar. Su prestigio social llegará a su punto culminante cuando sea elegido síndico del gremio de San Lucas en 1662, cargo que también ocupó ocho años más tarde.Maria Thins, la suegra de Vermeer, tenía también una más que aceptable posición económica al obtener importantes rentas de sus inmuebles, fincas de labranza y los créditos que concedía. Un inventario notarial de 1676 da cuenta de una amplia lista de ropa, pinturas, muebles y objetos de uso doméstico, aludiendo a las once habitaciones de la casa en la que habita, casa que era compartida con los Vermeer. El pintor y su familia vivían en las habitaciones inferiores, habilitando las superiores como estudio, donde se ubicaba la maciza mesa de roble que aparece en muchas de sus telas.El conocimiento del arte manifestado por Jan le valió el encargo de verificar una colección de cuadros italianos -entre los que se incluían varios supuestos trabajos de Miguel Angel y Rafael- vendidos a Friedrich Wilhelm, Gran Elector de Brandeburgo, por el marchante Gerard Uylemburgh. Vermeer viajó a La Haya en 1672 para impugnar las atribuciones a los grandes genios del Renacimiento, declarando que la colección valdría una décima parte de lo solicitado por el marchante.Ese mismo año de 1672 estalla la guerra entre Francia y las Provincias Unidas, al penetrar Luis XIV con un ejército de 100.000 hombres en los Países Bajos. La defensa holandesa pasaba por abrir sus diques de contención, lo que provocará la ruina de los propietarios de tierras y una crisis generalizada. Vermeer empieza a vender cada vez menos cuadros y el negocio de la hostería decae hasta el punto de tener que alquilarla por 180 florines anuales. En 1875 Jan hace un viaje a Amsterdam para solicitar un crédito de 100 florines. Su propia mujer alude a la situación del pintor: "Por esta razón -la guerra contra Francia- y a causa de los grandes gastos ocasionados por los niños, que él ya no podía afrontar, cayó en un estado de melancolía tan profundo y sus fuerzas le abandonaron hasta tal punto, que en el plazo de día y medio cayó enfermo y murió".Jan Vermeer era enterrado el 15 de diciembre de 1675 en el panteón familiar de la Oude Kerk de Delft, dejando once hijos menores de edad y a una viuda en una pésima situación financiera, por lo que Catharina Bolnes hubo de solicitar ante el Tribunal Supremo de La Haya la renuncia de su herencia a favor de sus acreedores y la gestión de sus bienes. Antoni van Leeuwenhoek era nombrado administrador de los bienes de los Vermeer. El 24 de febrero del año siguiente, Catharina vendía uno de los dos cuadros que poseía de su esposo: el Arte de la pintura. En 1688 Catharina Bolnes fallecía sin poder contemplar la venta de la mayoría de los cuadros de su esposo, celebrada en una subasta en 1696, alcanzando precios muy elevados como los 200 florines por la Vista de Delft o los 150 florines de la Tasadora de perlas.

González Camarena, Jorge

2009-03-03T10:25:00.000-08:00

Jorge González Camarena (*24 de marzo, 1908 en Guadalajara, Jalisco - †1980 en Ciudad de México) fue un pintor, escultor y muralista mexicano.

En 1918 se trasladó a Ciudad de México, donde ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos en 1922. Al finalizar sus estudios tuvo sus primeras incursiones en el mundo artístico por medio de la publicidad.

En 1970 obtuvo el Premio Nacional de Artes.

Sus padres fueron Arturo González y Sara Camarena, ambos originarios de Arandas. Tuvo siete hermanos, entre ellos Guillermo inventor de la televisión a color y con quien frecuentemente se confunde al muralista.

De niño tallaba guijarros, hacía cerámica en un horno construido por él mismo y elaboraba tiras cómicas protagonizadas por personajes de su invención, los Chiquinitos, las cuales vendía a sus compañeros de la escuela. Cuando su familia se mudó a la ciudad de México, el maestro de primaria Francisco Zenteno le recomendó ingresar a la Academia de San Carlos. A los 14 años, González Camarena comenzó a asistir a ésta, donde pronto se convirtió en ayudante de Gerardo Murillo, Dr. Atl.

Participó activamente en el movimiento estudiantil para llevar a Diego Rivera a la dirección de San Carlos e integró el consejo de maestros y alumnos destinado a formar un plan de estudios más avanzado.

En 1932 se le comisionó para restaurar los frescos del siglo XVI del convento de Huejotzingo, Puebla. A raíz de ello publicó un estudio en la revista Futuro, descubriendo que en aquéllos muros trabajó el último pintor azteca Marcos Cipactli, quien, de acuerdo con González Camarena, también pintó el lienzo original de la Virgen de Guadalupe. ".[1] El pintor se integró a un cuarteto de música prehispánica en el pueblo de Huejotzingo, tocando la chirimía.

En 1939, pintó su primer mural, Alegoría de Zimapán, en el hotel Fundición, de Zimapán, Hidalgo.

En defensa de la obra, recuerda Marcel, “Salvador Novo comentó ‘no es si son morales o inmorales, sino si son murales o inmurales’. Finalmente, el temblor de 1957 le causó pequeñas grietas al edificio, pretexto suficiente para que las autoridades decidieran destruir la obra”.

En la Universidad de Concepción, en Chile, está Presencia de América Latina, obra hecha en 300 metros cuadrados y que se reprodujo en una estampilla postal que conmemoró el 75 aniversario de esa casa de estudios.

En 1978, dos años antes de morir, pinta su último mural: Trilogía de Saltillo, en el cubo de la escalera principal del edificio de la Presidencia Municipal de Saltillo, Coahuila.

Militó por la salvación del fuerte de San Juan de Ulúa, en Veracruz, cuando, en 1953, pretendían destruirlo para construir en su lugar unas bodegas y un muelle. Para ello fundó el Comité Pro Defensa y Restauración del Castillo de San Juan de Ulúa.

A partir del 23 de junio de 1966, fue miembro titular del Seminario de Cultura Mexicana.

Gracias a un concurso, realizó la representación pictórica del retrato escultórico de Michelangelo Buonarotti, obra que se encuentra en la casa natal del artista italiano en Caprese. Por este retrato, el gobierno de Italia le otorgó al pintor mexicano la condecoración al Mérito en Grado de Commendatore della Republica.

A finales de los años 70, el gobierno de México le encargó a González Camarena un obsequio para el pueblo búlgaro, un San Jorge. El maestro fue invitado a Bulgaria a develar el cuadro, y las autoridades de ese país, encantadas con el cuadro, le ofrecieron realizar una exposición itinerante que recorrería varios países durante un año, comenzando por su capital Sofía, y concluyendo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Murió el 24 de mayo de 1980 debido a un derrame cerebral. Fue velado en el Palacio de las Bellas Artes, donde se le rindió un homenaje nacional de cuerpo presente. Sus restos reposan en la cripta familiar en el panteón de Dolores.

La mayor parte de sus trabajos de caballete se encuentran en colecciones privadas, tanto nacionales como extranjeras, por ejemplo, el "Museo Soumaya", o el acervo del empresario estadunidense Henry Ford. Otros de sus cuadros se encuentran en el Museo de Arte Moderno y uno de sus grandes coleccionistas fue el ex presidente José López Portillo.

Técnica [editar]González Camarena elaboraba sus pinturas con pigmentos naturales, inspirado en las técnicas de los tlacuilos. Realizaba además investigaciones sobre arte prehispánico y popular, así como sobre el pensamiento mágico y las tradiciones de los antiguos mexicanos, elementos que le sirvieron para desarrollar su estilo.

Obra [editar]Entre sus principales obras se encuentran:

Historia de México 1955, Biblioteca del Tecnológico de Monterey, México.
Liberación 1959, Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México, México.
La conquista1960, Museo Nacional de Historia, Ciudad de México, México.
Las razas 1964, Museo Nacional de Antropología, Ciudad de México, México.
Presencia de América Latina (también conocido como Integración de América Latina) 300 m2, 1965, Casa del Arte, Universidad de Concepción, Concepción, Chile.
Alegoría de la ciencia y la tierra Instituto Politécnico Nacional (IPN).
Díptico de la vida, mural compuesto por dos tableros, pintado en el edificio Guardiola, de la ciudad de México. Esta obra desató polémica ya que contiene un hombre y una mujer desnudos.
La erupción del Xitle, mural al óleo-cera que se ubica en el museo de sitio de la zona arqueológica de Cuicuilco, en el Distrito Federal;
Bajorrelieve policromado en piedra, mosaico y pintura de hule realizado en el muro exterior de la Casa de Estudios del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey;
Mural Belisario Domínguez, de 130 metros cuadrados, pintado al óleo en el plafón, y los tres muros del cubo de la escalera del edificio del Senado de la República.
El artista también trabajó en la fachada del edificio que ocupó Televicentro, ahí realizó una obra de 900 metros cuadrados, titulada Frisos de la televisión, a base de relieves escultóricos en cemento policromado con incrustaciones de cerámica, mismos que tras las remodelaciones de Televisa fueron destruidos.

En 1950 hizo otra de sus grandes obras en el edificio del Instituto Mexicano del Seguro Social de Paseo de la Reforma: en el vestíbulo pintó el mural México, con técnica a la vinilita, donde representa la construcción de nuestro país. Además, en la entrada principal realizó dos grupos escultóricos, El Trabajo y Maternidad.

En el Museo Nacional de Antropología pintó el mural en acrílico Las Razas, que se utilizó para imprimir, el 12 de octubre de 1992, un sello postal en conmemoración de los 500 años del descubrimiento de América.

González Camarena pintó, además, más de 2 mil cuadros de caballete. A partir de 1929 escribió en Revista de Revistas y en Nuestro México.