RUFINO TAMAYO

Rufino Tamayo


(Oaxaca, 1899-México, 1991) Pintor mexicano. Estudió en la Academia de San Carlos de Ciudad de México. Simultaneó pronto sus actividades creadoras con las docentes. Residió veintiocho años fuera de su país, entre Nueva York y París. Su obra como muralista, ciclópea y hecha en el más puro «mexicanismo», culmina en el mural para el Museo Arqueológico de México, que simboliza la lucha entre el día (serpiente emplumada) y la noche (tigre). Otro de sus murales, quizás el de mayor envergadura, es el titulado América (1956). Del expresionismo de su primera época, y pasando por el cubismo, llegó a la abstracción. En la década de los cuarenta realizó varios retratos e introdujo en su obra el tema de la vida tropical mexicana, con su colorido claro y brillante. Pintó muchos cuadros de caballete de formas abstractas y superficies enriquecidas con distintas texturas: Bestia herida (1953), El hombre del teléfono (1956). Hacia los años setenta inició sus mixografías, grabados en altorrelieve y papel hecho a mano (Hombre con pipa, 1979), sin dejar la pintura mural.

CHAPA, MARTHA

Martha Chapa, la pintora de las manzanas, nació en Monterrey, Nuevo León, en 1946. Egresada de la Escuela de Pintura y Escultura La Esmeralda, fue alumna de, entre otros, Luis Sahagún, Eugenio Mingorance, Carlos Navarro y Jorge Vázquez Quiñones.

Comienza su trabajo artístico desde el inicio de la década de los 60, acompañada de la manzana, figura usada constantemente en su pintura.

El Nacimiento de las Manzanas
Según algunos especialistas en su obra, para la pintora la manzana puede referirse al anuncio religioso: lo mismo del comienzo que del fin del mundo, para otros es la sensualidad en donde habita el pecado.

Lo que ella misma ha comentado es que la importancia de tal fruta viene de cuando su padre le depositaba una manzana en su cuarto cada noche antes de dormir, como una muestra de su profundo cariño.

Chapa no precisa en qué momento la manzana se convierte en centro de su trabajo, lo que sí es que en alguna exposición que presentó en Estados Unidos se da cuenta de que un común denominador de casi todas sus obras era tal fruto.

La Gama Artística de Martha Chapa
La producción de Chapa comprende lo mismo el óleo, el dibujo y el trabajo gráfico; sus temas recurrentes, además de las manzanas, pueden ser el volcán Popocatépetl; las "inmaculadas", dedicadas a la virgen de Guadalupe; los cactus y magueyes, o incluso sus autorretratos, en los cuales es común que la artista se presente con cuerpo de muñeca, vestida de amplios holanes, o bien como si fuera un alebrije, con el cuerpo de algún animal imaginario.

El trabajo escultórico de Chapa en los primeros años del siglo XXI se ha enriquecido con materiales de desecho, que encuentra en los deshuesaderos: pedazos de muebles, tambos, charolas o láminas, se han integrado a su obra; la intención de trabajar con tales recursos es semejante a la de Gabriel Orozco, en tanto que intenta identificar el efecto misterioso de un determinado tiempo en el objeto; por otro lado, se trata también de la constante crítica que diferentes artistas han hecho al sistema consumista en que vive la sociedad actual.

Otros Renglones Relacionados con Chapa
Activista del arte, en el año de 2003 fue una de los 123 artistas que ocuparon los bastidores instalados sobre las rejas del Bosque de Chapultepec para protestar por la falta de espacios públicos y de museos para la exhibición del arte.

Su obra ha sido exhibida en 220 exposiciones individuales y mil 800 colectivas que ha realizado en México, Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. Destacadas personalidades han escrito sobre su obra, entre ellos están José Luis Cuevas, Germán Dehesa, Andrés Henestrosa, David Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo, Bertha Taracena y Xavier Moyssén, entre otros.

Además de ser reconocida como pintora, Martha Chapa destaca también por sus 22 libros publicados sobre temas gastronómicos.

Manet, Édouard

(París, 1832 - id., 1883) Pintor y grabador francés. Hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia, Édouard Manet fue un mediocre estudiante interesado únicamente en el dibujo. Ante la resistencia paterna a que iniciara una carrera artística, trató infructuosamente de ingresar en la Escuela Naval hasta que, tras un segundo intento fallido, su familia accedió a regañadientes a financiar sus estudios artísticos, que inició en 1850 en el taller del pintor clásico Thomas Couture.

Tras seis años de aprendizaje, Édouard Manet se estableció en un estudio propio. En esos primeros tiempos entabló relación con artistas y literatos como Henri Fantin-Latour, Edgar Degas y Charles Baudelaire. A principios de 1860 empezaron a ser reconocidas algunas de sus obras, que merecieron, entre otras, la cálida acogida del crítico y escritor Téophile Gautier.

En 1863, el Salón de Otoño le rechazó un lienzo que iba a resultar trascendental para la posterior evolución de la pintura: Almuerzo sobre la hierba, que fue doblemente criticado, tanto por su temática –muestra a una mujer desnuda flanqueada por dos jóvenes ataviados de forma contemporánea– como por la técnica empleada, revolucionaria lo mismo en el tratamiento de la perspectiva que en el de la representación del entorno natural, bañado en una luz fuerte y contrastada.

Ese mismo año Édouard Manet contrajo matrimonio con la holandesa Suzanne Leenhoff, con quien había tenido un hijo ilegítimo poco antes. En 1865 volvió a escandalizar con la obra Olympia, en la que repitió el tema del desnudo femenino y aumentó aún más la intensidad de la luz ambiental, al tiempo que diluía el contorno de figuras y objetos hasta lograr imágenes prácticamente bidimensionales. Denegada su inclusión en la exhibición pictórica que se realizó con motivo de la Exposición Universal de 1867, improvisó una exposición callejera de varias de sus obras más recientes que fue recibida con indiferencia.

En 1868, el joven novelista Émile Zola escribió una laudatoria recensión de su trabajo en la que identificaba a Manet con la figura romántica del artista incomprendido. Tras un breve lapso provocado por la guerra franco-prusiana de 1870-1871, en la que Manet combatió como oficial de la Guardia Nacional, el marchante Paul Durand-Ruel adquirió un número considerable de obras del fondo del artista. Mantuvo buenas relaciones con los jóvenes impresionistas, muy en especial con Claude Monet, aunque siempre se resistió a participar en las exposiciones independientes organizadas por éstos; prefería ofrecer sus obras al Salón y exponerlas en su propio estudio si eran rechazadas.

En su producción de finales de la década de 1870 acentuó el naturalismo de su temática, para otorgar el protagonismo de sus pinturas a prostitutas y coquettes sorprendidas bebiendo o seduciendo a sus jóvenes amantes, y al tratamiento expansivo de la luz. Por último, Manet abandonó su técnica tradicional, el óleo, para pasar al pastel. Paralelamente, su salud experimentó un creciente deterioro a causa de una enfermedad de origen infeccioso originada en su pierna izquierda.

A pesar de ello, en 1882 participó en una importante exhibición de arte francés realizada en Londres, para cuya ocasión presentó Bar del Folies-Bergère, la última de sus grandes composiciones. Al año siguiente se le declaró la gangrena en la pierna enferma y tuvo que ser amputada, operación de la cual no pudo recuperarse y que le acarrearía la muerte poco después. La exhibición póstuma de sus obras, celebrada en enero de 1884, marcó el nacimiento de un creciente reconocimiento de su talla como artista, al que la historia ha concedido el apelativo de padre del impresionismo.

MONET, CLAUDE

Claude Oscar Monet; París, 1840 - Giverny, 1926) Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Boudin en Le Havre, y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura.

Después del servicio militar en Argelia, regresó a París, donde en el estudio de Gleyre conoció a jóvenes artistas como Renoir, Sisley y Bazille, y en el popular café Guerbois contactó con un grupo de intelectuales, literatos y pintores como Zola, Nadar, Cézanne y Degas, que junto con Manet comenzaba a oponerse al arte establecido.

La pintura rápida como las pochades o études era, en aquella época, del agrado de la sociedad siempre que ésta se circunscribiera al tema del paisaje en pequeño formato. La temprana obra de Monet, La costa de Sainte-Adresse (1864, Institute of Arts, Minneapolis), recuerda a su iniciador Boudin, pero adquiere mayor alcance al aplicar la pintura directa a temas y formatos de mayor complejidad y tamaño.

Similar innovación puede apreciarse en Mujeres en el jardín (1866, Museo de Orsay, París), obra rechazada en el Salón de 1867, en la que tres mujeres se divierten en el campo bajo un sol tan intenso que sus vestidos alcanzan el blanco en estado de gran pureza, con escasas modulaciones intermedias y marcadas escisiones entre las zonas de luz y sombra. La instantaneidad de la escena se pone de manifiesto tanto por la precisión luminosa del momento como por el dinamismo de las figuras, correteando y girando caprichosamente alrededor de un árbol. Con esta ambiciosa obra, Monet se aleja del tratamiento tradicional que hasta entonces se dio al retrato -el retrato de su primera mujer, Camile, había sido ensalzado por Zola en el Salón de 1866- y se inclina por la integración de las figuras en la naturaleza.

Los serios problemas económicos y el nacimiento de su hijo ilegítimo, Jean, en 1867, condujeron a Monet a vivir una época de hambre y pobreza extremas, así como a un intento frustrado de suicidio. Durante la contienda franco-prusiana, el artista se refugió en Inglaterra, donde conoció a Pissarro y obtuvo el apoyo económico y la amistad de Paul Durand-Ruel. Allí se interesó mucho por la obra de Turner, que tanto influiría en su percepción de la luz y el color. Según Monet, el pintor que se coloca ante la realidad no debe hacer distinciones entre sentido e intelecto.

A partir de 1872, Monet se interesó por el estanque de Argenteuil como lugar idóneo para adaptar su técnica a la representación rápida del agua y la luz. La obra titulada Monet trabajando en su barco en Argenteuil (1874, Neue Pinakothek, Munich) representa esa especie de laboratorio náutico desde el que el artista podía navegar sobre el agua del estanque apreciando los cambiantes efectos luminosos de su superficie, que reproducía mediante diversas variaciones sobre un mismo tema. El barco-taller de Monet se oponía radicalmente a la idea de estudio que veinte años antes exaltaba Courbet en su obra El estudio del pintor, y suponía un pintoresco testimonio de las principales aspiraciones impresionistas.

Canaletto, [Antonio Canale]

(Venecia, 1697-id., 1768) Pintor italiano. Hijo de un pintor que trabajaba como escenógrafo, comenzó su carrera artística pintando decorados para el teatro. Un viaje a Roma en 1719 lo encaminó hacia el género de la veduta, que por entonces triunfaba de la mano de artistas como Pannini y Carlevaris.

De 1723 datan sus primeras vistas de Venecia, caracterizadas por intensos efectos de claroscuro que deben mucho a su anterior profesión de escenógrafo. Más tarde, su paleta se aclaró para dar vida a las obras que mejor caracterizan su creación artística, inundadas de luminosidad. Todos los rincones de la Venecia de la época aparecen retratados en las vistas de Canaletto con una precisión casi arqueológica y animados por la presencia de pequeñas figuras dedicadas a sus actividades cotidianas.

Había a la sazón una gran demanda de este tipo de obras, sobre todo por parte de ingleses adinerados que visitaban la ciudad y, en ocasiones, encargaban al artista toda una serie de vistas de igual tamaño o sobre el mismo tema. Uno de sus principales mecenas fue el cónsul inglés Joseph Smith, para quien realizó varias series de vistas y una excepcional colección de aguafuertes. En 1746, Canaletto se trasladó a Inglaterra, donde permaneció casi diez años pintando vistas de Londres.

Rivera, Diego

Guanajuato, 1886 - ciudad de México, 1957) Pintor mexicano, considerado uno de los principales muralistas de su país. Estudió por espacio de quince años (1907-1922) en varios países de Europa (en especial, España, Francia e Italia), donde se interesó por el arte de vanguardia y abandonó el academicismo.

Las obras de este período reflejan, por un lado, un acusado interés por el cubismo sintético (El guerrillero, 1915), asumido en su etapa parisina, y por otro, una gran admiración por los fresquistas del Quattrocento, (y en especial, por Giotto), lo que motivó su alejamiento de la estética cubista anterior.

Identificado con los ideales revolucionarios de su patria, Rivera volvió desde tierras italianas a México (1922), en un momento en que la revolución parecía consolidada. Junto con David Alfaro Siqueiros se dedicó a estudiar en profundidad el arte maya y azteca, que influirían de forma significativa en su obra posterior. En colaboración con otros destacados artistas mexicanos del momento (como el propio Siqueiros y Orozco), fundó el sindicato de pintores, del que surgiría el movimiento muralista mexicano, de profunda raíz indigenista.

Durante la década de los años 20 recibió numerosos encargos del gobierno de su país para realizar grandes composiciones murales (Palacio de Cortés en Cuernavaca, Palacio Nacional y Palacio de las Bellas Artes de Ciudad de México, Escuela Nacional de Agricultura en Chapingo) en las que Rivera abandonó las corrientes artísticas del momento para crear un estilo nacional que reflejara la historia del pueblo mexicano, desde la época precolombina hasta la Revolución, con escenas de un realismo vigoroso y popular, y de colores vivos. En este sentido, son famosas, por ejemplo, las escenas que evocan la presencia de Hernán Cortés en tierras mexicanas (por ejemplo, la llegada del conquistador a las costas de Veracruz, o su encuentro en Tenochtitlán con el soberano azteca Moctezuma II).

Artista comprometido políticamente, Rivera reflejó su adhesión a la causa socialista en sus propias realizaciones murales y fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano. Visitó la Unión Soviética en 1927-28, y, de nuevo en México, se casó con la pintora Frida Kahlo, que había sido su modelo.

En la década de 1930 marchó a Estados Unidos, donde puso su arte al servicio de la exaltación del maquinismo; realizó diversas exposiciones y pintó grandes murales en las ciudades de San Francisco, Detroit -decoración del Instituto de Arte de Detroit (1932)- y Nueva York -Rockefeller Center (1933), que fue rechazada por sus contenidos socialistas.

Izquierdo, María José

Nombre del personaje: María José Izquierdo
Fecha de nacimiento: 1902
Fecha de fallecimiento: 3 de diciembre de 1955
Origen: San Juan de los Lagos, Jalisco
Actividad: Pintora
Época: Contemporánea

María Izquierdo nació en la ciudad de San Juan de los Lagos, Jalisco, y aunque la mayoría de sus biógrafos aceptan que su nacimiento ocurrió en 1902, algunos otros establecen que fue en 1906.

Transcurrió una parte de su infancia en su ciudad natal. Más tarde, a la muerte de su padre, se trasladó con su madre a la ciudad de Torreón y se le encontró en la ciudad de México hasta el año de 1923.

En 1928 ingresó a la Academia de San Carlos donde fue discípula de Germán Gedovius, quien fue su maestro de óleo y Manuel Toussaint. Sin embargo la rutina imperante en el academicismo de la institución acabó por exasperar su espíritu inquieto y la condujo a abandonar los estudios al cabo de un año.

No obstante, María Izquierdo, no encontró mejor maestro que Rufino Tamayo, con quien compartió momentos muy gratos, este gran pintor la orientó y la acompañó durante sus estudios que fueron realizados de 1929 a 1933. Con el tiempo se reveló la notable influencia del pintor en la obra de la artista. En 1929, impulsada por Diego Rivera, con quien también estableció una estrecha relación, expuso por primera vez en la Galería de Arte Moderno de la ciudad de México. Al año siguiente, montó una nueva exposición con paisajes, estudios y retratos en el Art Center de Nueva York.

En 1932 comenzó a impartir clases en el Departamento de Bellas Artes de la Secretaría de Educación Pública pero esa actividad no le impidió continuar exhibiendo su obra en museos y galerías en México y otros países del continente americano, y en geografías tan lejanas como Tokio, París y Bombay.

María Izquierdo fue miembro de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios. Entabló amistad con Antonin Artaud, quien escribió varios artículos sobre ella y le ayudó a que expusiera en Francia, esta exposición se llevó a cabo en la encantadora ciudad de París. También, en 1944 viajó y expuso su arte ante la nación chilena. A partir de la pintura metafísica, trata el bodegón, el retrato y el paisaje, con tonos populares mexicanos fantásticos. Su obra recoge imágenes del circo, de las alacenas, del paisaje de México, de su universo de sueños; mantiene una producción de obras de fuertes colores sin brillo y siempre tendiente hacia una composición interiorista. Baste citar que fue admirada por Antonin Artaud su gran amigo.

En 1945, trabajó en el bosquejo de un mural para el Departamento del Distrito Federal, pero la junta evaluadora que reunía personalidades como Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, canceló el proyecto y el contrato que ella había firmado. En 1948, sufrió una hemiplejía que le dejó el brazo derecho paralizado, así como la mitad de su cuerpo, pero la artista fue capaz de sobreponerse a esa imposibilidad y continuó su obra trabajando con el lado izquierdo.

La obra de María Izquierdo se caracteriza por su expresión viva y espontánea. El costumbrismo de la vida regional y sus tradiciones queda plasmado en sus lienzos con un colorido que imprime realismo. Las escenas circenses forman también parte importante en la creación pictórica de la artista.

Murió en la ciudad de México, el 3 de diciembre de 1955, esta fue una gran pérdida para el principiante arte mexicano. Elegimos a esta pintora porque nos gusta mucho lo que es el arte y ella sobresalió en un medio y un momento en el que era muy difícil para la mujer tener éxito; al principio contó con el apoyo de grandes pintores, pero éstos al verse superados trataron y consiguieron frustrar su trabajo, pero no le impidió seguir adelante, se sobrepuso a una enfermedad que le imposibilitó usar su mano derecha y superó este obstáculo utilizando su mano izquierda. Por todo ello, la elegimos y nos sentimos orgullosos de haber podido conocer la vida de una gran mujer.