jueves, 30 de abril de 2009

Brondum Ancher, Kirstine Anna



(1859-1935)

Anna Kirstine Brøndum Ancher (Skagen, 18 de agosto, 1859 - 15 de abril1935), pintora danesa.

Estudió pintura en Copenhague y París en el taller de Pierre Puvis de Chavannes con Marie Triepcke, que se casaría con Peder Severin Krøyer. En 1880 se casó con su compañero, el pintor Michael Ancher.

Aunque la cultura imperante dictaba que las mujeres casadas debían dedicarse a las tareas domésticas, Anna continuó pintando casada, pintaba sobre todo escenas íntimas de mujeres y niños en las que destaca la riqueza de colores vivos.

Le otorgaron el Tagea Brandt Rejselegat en 1924.

miércoles, 29 de abril de 2009

LE BRUN, CHARLES



Biografía : Charles Le Brun (1619-1690)

Charles Le Brun nació en París, llamó la atención del canciller Séguier, quien, a los once años, le colocó en el taller de Simon Vouet. A los quince años Charles Le Brun recibió encargos del Cardenal Richelieu, en cuya ejecución mostró tanta habilidad que obtuvo generosas alabanzas de Nicolás Poussin.

Charles Le Brun pasó posteriormente a Roma, ciudad donde permanece entre 1642 y 1646.Charles Le Brun conoció la obra de Rafael, y sigue a Guido Reni y los maestros de la Escuela Boloñesa. Allí vivió gracias a una pensión del canciller. Charles Le Brun fue en Roma discípulo de Nicolás Poussin, cuyas teorías artísticas adoptó y que le influyó grandemente en su obra.

De vuelta a París, Charles Le Brun estuvo bajo la protección del cardenal Richelieu. Con Philippe de Champaigne, consiguió del rey la fundación de la Academia de Pintura y Escultura (Académie royale de peinture et de sculpture en el año 1648. De sus numerosos mecenas, el superintendente de las finanzas del rey, Nicolás Fouquet, fue el más importante; Fouquet encargó a Charles Le Brun la decoración del Palacio de Vaux-le-Vicomte (1656-1661). De su primera época la obra más importante es la decoración del Palacio del cardenal Richelieu, hoy perdido.

Entre 1650 y 1660 Charles Le Brun adquiere su madurez estilística, realizando una pintura de corte clasicista y elegante, cuyas mejores obras son: La Magdalena, el Cristo en el desierto y la Crucifixión, así como los ciclos decorativos del Hôtel Lambert, el castillo de Vaux-le-Vicomte, las Tullerías y sobre todo Versalles.

Por aquel entonces, Mazarino estaba enfrentando en secreto a Colbert contra Fouquet. La caída de Fouquet en 1661, Jean-Baptiste Colbert se hace cargo de las finanzas del rey. Colbert rápidamente reconoció el poder de organización de Charles Le Brun y lo unió a sus intereses.

La naturaleza de su talento enfático y pomposo estaba en armonía con el gusto del rey, quien, lleno de admiración por las pinturas de Charles Le Brun para su triunfal entrada en París en 1660 y sus decoraciones en el Palacio de Vaux-le-Vicomte (1661), le encargó que ejecutara una serie sobre temas de la historia de Alejandro. El primero, Alejandro y la familia de Darío, gustó tanto a Luis XIV que ennobleció a Charles Le Brun (diciembre de 1662), a quien nombró igualmente Premier Peintre du Roi (Primer Pintor del rey) en 1664 con una pensión de 12.000 libras, la misma cantidad que había recibido anualmente al servicio del magnífico Fouquet. El rey le había considerado «el artista francés más grande de todos los tiempos». En la serie sobre las Batallas de Alejandro Magno no perdió la oportunidad de poner de relieve la conexión entre la magnificencia de Alejandro y la del gran Rey Sol. Mientras trabajaba en las Batallas, el estilo de Charles Le Brun se hizo más personal, revelando su esencia conforme se iba apartando de los antiguos maestros que lo influyeron.

Charles Le Brun igualmente destaca como un magnífico retratista, con obras como El canciller Séguier y Luís XIV en adoración de Cristo resucitado.

Charles Le Brun , con Colbert, promovió un nuevo desarrollo a las artes industriales. En 1660 Charles Le Brun había contribuido a la creación de la Manufactura de los Gobelinos (Manufacture des Gobelins). A partir de 1663 Charles Le Brun actuó también como director de la manufactura. Al principio se dedicaban no sólo a los tapices, sino a todo tipo de mueble requerido para los palacios reales, incluidos espejos y porcelanas. Mandando en las artes industriales a través de los gobelinos, de los que era director, y de todo el mundo artístico a través de la Academia, de la que tuvo diversos cargos, Charles Le Brun imprimió su propio carácter en todo lo que se produjo en Francia durante su vida, y fue el creador del Estilo Luís XIV. Imprimió a las tendencias nacionales una dirección que perduró durante los siglos posteriores.

Desde esta fecha, todo lo que se hacía en los palacios reales fue dirigido por Charles Le Brun . En 1663, Charles Le Brun fue nombrado director de la Académie royale de peinture et de sculpture por Colbert, donde estableció las bases del academicismo, siendo Charles Le Brun el maestro indiscutible, más poderoso que nadie, del arte francés del siglo XVII. En 1666 fundaron la Academia de Francia en Roma, de la que fue nombrado director.

Las obras de la galería de Apolo en el Louvre se interrumpieron en 1677 cuando Charles Le Brun acompañó al rey a Flandes; a su regreso de Lille pintó varios cuadros en el Château de Saint-Germain-en-Laye. La gran obra de Charles Le Brun fue la decoración interior del Palacio de Versalles, que quedó inacabada a su muerte. Tuvo bajo sus órdenes a decenas de artistas y artesanos. Se reservó las Salas de la Guerra y de la Paz (Salons de la Guerre y de la Paix, 1686), la Escalera de Embajadores, y el Gran Salón de los Espejos (Galerie des Glaces, 1679-84, obra de Le Brun y Jules Hardouin-Mansart). La decoración de Charles Le Brun no es sólo una obra de arte, es el monumento definitivo a un reinado.

A la muerte de Colbert, le sucedió su enemigo François Michel Le Tellier de Louvois, Marqués de Louvois como superintendente en el departamento de obras públicas. Louvais no mostró ningún favor a Charles Le Brun , el favorito de Colbert, y a pesar del continuo apoyo del rey Charles Le Brun sintió un cambio amargo en su posición. Esto contribuyó a la enfermedad que determinó su muerte en París el 22 de febrero de 1690 en su mansión privada. Charles Le Brun fue inhumado en la iglesia de Saint-Nicolás-du-Chardonnet.

Legado de Charles Le Brun

Charles Le Brun se convirtió en el principal intérprete del fasto y el prestigio político de la Francia de Luís XIV. Por este motivo fue menospreciado por los pintores románticos del siglo XIX y poco conocido por el gran público. Se ha señalado por algunos historiadores que Charles Le Brun fue un déspota que usó su poder para ejercer una tiranía artística sobre el siglo XVII, lo cual es discutido por otros

Charles Le Brun trabajó principalmente para el rey Luís XIV, para quien hizo grandes retablos y cuadros sobre batallas. Las pinturas más importantes de Charles Le Brun se encuentran en Versalles (pinturas murales del techo de la Galería de los Espejos) y en el Louvre (decoración del techo de la Galería de Apolo).

Además, destaca la decoración de Charles Le Brun del palacio de Vaux-le-Vicomte: la cámara del rey Le temps enlevant au Ciel la Vérité; y la cúpula del pabellón de la Aurora en el palacio de Sceaux.

El número de obras que hizo para corporaciones religiosas y patrones privados es enorme. Charles Le Brun fue también un buen retratista y un excelente dibujante. Pero no gustaba especialmente ni del retrato ni de la pintura de paisajes, que le parecían meros ejercicios para desarrollar su maestría técnica. Lo que le importaba era una composición estudiada, cuya última finalidad era alimentar el espíritu. La base fundamental en la que el director de la Academia basaba su arte era incuestionablemente hacer que su pintura hablara, a través de una serie de símbolos, ropajes y gestos que le permitían sutilmente añadir a sus composiciones los elementos narrativos que dotaban a sus obras una hondura particular. Para Charles Le Brun , un cuadro representaba una historia que uno podía leer. Casi todas sus composiciones se han reproducido por celebrados grabadores.

Los cuadros más destacados de Charles Le Brun son: El sueño del niño Jesús y El canciller Séguier (y su séquito), ambos en el Museo del Louvre, así como los lienzos con la Historia de Alejandro Magno.

En su tratado, publicado póstumamente, Méthode pour aprendre à dessiner les passions (1668) promovió la expresión de las emociones en pintura. Influyó grandemente en la teoría del arte durante los dos siglos siguientes.

Muchos de los dibujos de Charles Le Brun están en el Louvre y en la colección real de Mónaco.

Entre las decenas de personas que trabajaron a las órdenes de Charles Le Brun en un momento u otro, cabe destacar: Claude I Audran, Jean-Baptiste de Champaigne, Charles de la Fosse, René-Antoine Houasse, Jean Jouvenet y Hyacinthe Rigaud.

martes, 28 de abril de 2009

Alt, Rudolf Von



Rudolf Ritter von Alt (28 de agosto de 1812, Viena; †12 de marzo de 1905, Viena) fue un paisajista y pintor arquitectural austriaco. Nacido como Rudolf Alt, se llamó a sí mismo von Alt y llevó el título de Ritter (caballero) después de ganar nobleza en 1882.

Era el hijo del famoso litógrafo Jakob Alt (1789-1872). Estudió en la Akademie der bildenden Künste en Viena. Los viajes de senderismo por los Alpes austriacos y el norte de Italia despertaron en él el amor por los paisajes, y comenzó a pintar con pincel utilizando acuarelas en un estilo muy realista y detallado. En 1833, inspirado por una visita a Venecia y ciudades vecinas, también hizo una serie de pinturas arquitectónicas.

Alt demostró un notable talento para expresar ciertas peculiaridades en la naturaleza. Logró pintar la naturaleza auténticamente centrando la atención en las diferentes tonalidades del cielo, el tono de color del aire y la vegetación. Sus obras más tarde se acercaron al Impresionismo. Sus perspectivas sobre la arquitectura son interesantes, y escogió a menudo los objetos cotidianos como modelos para sus pinturas. La pintura de vistas interiores también se convirtió en uno de sus puntos fuertes, dándole notoriedad en Viena.

Visitó y trabajó durante un tiempo en Roma y Nápoles. También visita los lagos de Lombardía, Galitzia, Bohemia, Dalmacia, Baviera, volviendo varias veces a Italia. En 1863 se trasladó a Crimea a pintar algunas vistas de una finca de la emperatriz, y en 1867 va a Sicilia.

Su hermano menor Franz Alt, (n. 1821 en Viena) fue también pintor.

La mayoría de sus pinturas están en manos de diversos museos de Viena. La Albertina en Viena organizó una exposición retrospectiva de septiembre de 2005 a enero de 2006.

lunes, 27 de abril de 2009

Carpani, Ricardo




Nació en Tigre, Provincia de Buenos Aires, en 1930. En 1950 se radica en París, donde inicia sus estudios de pintura. Regresa a Buenos Aires y continúa esos estudios en el taller de Emilio Pettoruti. Expone por primera vez en 1957, junto con Juan Manuel Sánchez y Mario Mollari. Con ellos y con los pintores Elena Diz , Pascual Di Bianco, Sessano y Bute, fundan el Grupo Espartaco. Con Di Bianco se separan del grupo en 1961. Realizan murales en Sindicatos.

Su labor gráfica, ejecutada en su mayor parte para el movimiento obrero y organismos de defensa de los derechos humanos, constituye, junto con su actividad muralística, un aspecto destacado de su obra. Hay ejemplares de sus afiches políticos en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.




Expone regularmente en Argentina y participa en muestras colectivas ; entre otras: "Primera Exposición Internacional de Arte Moderno Argentina 1960" en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires ; "Joven Pintura Argentina" en el M.A.M. de México ; "Arte Argentina Contemporanea" en M.A.M. de Rio de Janeiro, " Arte Moderno Rioplatense" en Museo Sívori de Buenos Aires; " Pintura Argentina " en Palazzo delle Esposizioni de Roma , "Modern argentine Painting & Sculpture" exposición itinerante exhibida en la Scottish National Gallery of Modern Art , de Edimburgo y Glasgow ; en el London Institute of Contemporany Art , y en museos de Gotteburg y Estocolmo.

En 1974 fija su residencia en España.

Expone , en forma individual, en: Roma , Estocolmo , Hamburgo , Palma de Mallorca , Barcelona , Madrid , Bilbao , Rotterdam , y otras ciudades europeas . Y también participa de muestras colectivas : " Museo Internacional de la Resistencia" , en Madrid ; " Arte y Solidaridad " en el Museo D' Arte Moderna Di Ca' Pesaro - Venecia. En América Latina: en San Juan de Puerto Rico , La Habana - colectivas e individuales - y en Quito, una exposición antológica , en el Museo Augusto Rendón.

Regresa a Bs As en 1984. A partir de allí realiza exposiciones individuales en la Fundación Banco Patricios , en galerías privadas -La Cuadra , Van Eyck,etc. ; en museos : Museo Municipal de Bellas Artes de La Plata ; una antológica : "Carpani 1954-1994" en el Palais de Glace - Salas Nacionales ; Museo Provincial de San Luis , en la Argentina . En el exterior : en Caracas ,Venezuela ; y en La Paz y Cochabamba , Bolivia . Ha participado en muestras colectivas , entre otras : "Abstracción y Figuración" organizada por MAM de Buenos Aires para la Galería Nacional de Praga , Checoslovaquia , "50 Años de Pintura Argentina : 1930/1980" , Museo Municipal de Bellas Artes Juan b. Castagnino de Rosario ; " Los Pintores Evocan a Carlos Gardel " Galería Praxis , San Pablo , Brazil, " 2da. Muestra de Arte Latinoamericano " en Lima , Perú ; " Arte Argentino en las Décadas '20, '40 y '60" en el Museo Sívori; " La Semana del Tango " Concejo Deliberante ; " Este Es el MAM " y " El Grabado Social y Político en la Argentina del s.XX " , ambas en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires ; "El Espíritu de Grecia" , Palais de Glace ; " El Ojo " en Casa FOA .

Invitado en 1994 al Premio TRABUCCO . Se realiza la escenografía del show musical "TANGO PASIÓN" , que actualmente recorre Europa , en base a imágenes suyas.

Se publican sus libros : "Carpani" , con textos del Dr Rafael Squirru y de Manuel Vicent ; y "Carpani : Gráfica política" , con textos de Ernesto Laclau y Luis Felipe Noé.

Realiza murales murales en ciudades del interior , en el Aeropuerto de Viedma , y para la CASA ROSADA (Casa de Gobierno).

domingo, 26 de abril de 2009

IZQUIERDO, MARIA

María Izquierdo (1902-1955) fue una pintora mexicana nacida en 1902 en San Juan de los Lagos (Jalisco) con el nombre de María Cenobia Izquierdo Gutiérrez. Aunque la mayoría de sus biógrafos aceptan como fecha de nacimiento 1902, algunos otros establecen que fue en 1906. Fue la primera pintora mexicana en exponer sus obras fuera del país en el año 1930. Su primera exposición tuvo lugar en el Art Center de la ciudad de Nueva York. Murió en la Ciudad de México, el 3 de diciembre de 1955.

Sus inicios [editar]A los cinco años de edad perdió a su padre y desde pequeña, su educación fue delegada a sus abuelos, hasta que su madre se casó nuevamente. La infancia de María Izquierdo es probablemente la razón de sus fuerzas libertarias como artista. En sus primeras obras, las que comprenden el período de 1927 a 1930 muestran su entorno más inmediato: retratos de sus seres queridos y amigos, como el Retrato de Belem (1928), o Niñas durmiendo (1930), el cual es el retrato de su hija Amparo y una sobrina; así como, naturalezas muertas y paisajes. Los paisajes revelan mucho del entorno que la envolvió en su tránsito desde su infancia rural y la vida adulta en la ciudad de México. En algunas de sus obras aparecen incluso algunas industrias, las cuales existían contundentemente en el entorno y que de esa manera, en 1930 llevó a cabo una composición de la cementera La Tolteca, con la que participó en un concurso artístico convocado por la misma empresa y que le otorgó una mención honorífica especial del jurado.

En 1927 ingresó a la Academia de San Carlos en donde estudió durante un año. En ella tuvo a algunos maestros como Germán Gedovius y a Manuel Toussaint, aunque cabe mencionar que la influencia más profunda la obtuvo de Rufino Tamayo.

Aún siendo una niña, migró a Aguascalientes y después a Saltillo, Coahuila. Se casó con un hombre mayor, y ahí hubo de convertirse en mujer y madre. De este matrimonio hubo razones lógicas por las que se separó y escapó para después establecer una relación sentimental con Cándido Posadas Izquierdo.


Su proyección al mundo [editar]Hacia finales de los años 20, ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes, en enero de 1928, y se mantuvo como alumna de la antigua academia de San Carlos hasta junio de 1929; Fue ahí donde se matriculó en la clase de pintura de German Gedovius, el cual impartía la clase de colorido y composición, y años más tarde en pintura de figura. Cursó historia del arte con Antonio Caso y dibujó con Alberto Garduño. Tomando en cuenta que María Izquiero llevaba relativamente poco tiempo en la Academia, comenzó a asistir a cursos avanzados siendo que era una novata; incluso el maestro Germán Gedovius le concedió permiso para no asistir a la escuela y pintar y estudiar desde su casa ya que como el decía: "la muchacha tenía mucha cabeza para la pintura".

En el Palacio de Bellas Artes de la ciudad de México, había una galería de arte la cual estaba atendida por los pintores Carlos Mérida y Carlos Orozco Romero. En esa galería se llevó a cabo la primer exposición de María Izquierdo, la cual fue muy comentada por las publicaciones de la época. La introducción al catálogo fue escrita por Diego Rivera, el cual era ya Director de la Escuela Nacional de Bellas Artes. En ese texto plasmó el gran desarrollo que había tenido la joven pintora, a la cual definió como una de las personalidades más atrayentes del panorama artístico y uno de los mejores elementos de la academia, considerándola "un valor seguro; seguro y concreto".

También surgieron muchas reseñas periodísticas sobre sus trabajos. Retrato de Belem, el cual es de sus primeras obras de las que se tiene conocimiento, es un retrato en el cual abandonaría el uso de la perspectiva académica, explorando y proponiendo en el terreno de lo compositivo.

Sin duda llevar a cabo este tipo de acciones significó cuestionar lo que había aprendido con su maestro German Gedovius, el cual le exigió un esfuerzo técnico totalmente distinto. Muchas de sus composiciones, realizadas por María en 1929, rememoran en buena medida los trabajos de las escuelas de pintura al aire libre, las cuales visitaba frecuentemente. Otra gran influencia que tuvo en esta época fue la del pintor mexicano Rufino Tamayo, el cual impartía clases en la Escuela Nacional de Bellas Artes y tenía afinidad con los proyectos de Diego Rivera. Entre María Izquierdo y Rufino Tamayo hubo una relación profesional y afectiva que duró mas, a pesar de que Rufino abandonara la institución. Existen semejanzas entre sus pinturas en el período de 1929 a 1933, aunque cabe mencionar que Rufino Tamayo nunca fue dado a formar discípulos.

Al año siguiente (1930), en el Arts Center Gallery de Nueva York se celebró su primera exposición individual en los Estados Unidos, colocándola como la primer expositora mexicana en ese país. Su exposición contemplaba catorce óleos que incluían naturalezas muertas, retratos y paisajes. En ese mismo año la American Federation of Arts presentó en el Metropolitan Museum of Art una exposición de arte popular y pintura mexicana que incluyó obras de Rufino Tamayo, María Izquierdo, Diego Rivera y Agustín Lazo, entre otros.

Actualmente la mayoría de sus obras se encuentran en manos de extranjeros y muchos de sus restantes trabajos se encuentran perdidos. Su obra se caracteriza por el uso de intensos colores, y temáticas que van desde autorretratos, paisajes, naturaleza, hasta surrealismo

viernes, 24 de abril de 2009

TOBAR HENRY, PABLO



Pablo nació en la ciudad de Guatemala el 27 de mayo de 1940.

Su inclinación y dedicación al arte se inicia con las enseñanzas de su señor padre, quien como profesor en educación y autodidacta en el dibujo y la pintura, encuentra en él a los 7 años, un natural talento en dibujar con facilidad.

Se propone entonces a enseñarle a temprana edad, las técnicas del dibujo a lápiz y crayón, y además, el manejo del pincel para realizar pinturas en acuarela y óleo.

Ingresa como alumno regular a los 14 años, en la Escuela de Artes Plásticas de Guatemala y dedica toda su juventud a trabajar intensamente con el fin de perfeccionarse y profesionalizarse en todas las técnicas del dibujo y la pintura.

Se hace maestro de educación en la Escuela Normal Central para Varones y posteriormente ingresa a trabajar como dibujante e ilustrador de libros de texto educativos, para el Servicio Cooperativo Interamericano de Educación. Cuatro años después es llamado por el Servicio Cooperativo de Salud Pública, para trabajar como editor e ilustrador de libros de texto altamente especializados en Educación Sanitaria Rural.

Pasa a trabajar en al Oficina Regional para Centro América y Panamá "ROCAP" como maestro especializado en preparación e ilustración de libros de texto educativos para las escuelas prmarias de la región centroamericana; en un amplio programa de Alianza para el Progreso, con sede en la ciudad de San Salvador, El Salvador, en las oficinas de la Organización de Estados Centroamericanos ODECA.

En 5 años de estancia en San Salvador, expone sus paisajes al oleo en los salones del Club Salvadoreño en dos oportunidades, con gran aceptación de su obra.

De vuelta a Guatemala, continúa exponiendo en diferentes galerias de Arte de la ciudad, por ejemplo en el Hotel Camino Real con Rosita de Botrán, Hotel las Américas con César Izquierdo, etc.

Viaja a Estados Unidos en donde expone en galerías de Houston y Massachussets, dándole alto crédito al arte guatemalteco.
Su obra se ha cotizado en Estados Unidos, Centró América, Holanda, España, Africa del Sur, hasta donde ha llegado y se ha apreciado la calidad y profesionalismo de su trabajo.

Domina también en alto grado, las técnicas de acrílico, acuarela y crayón pastel; y es un excelente retratista.

jueves, 23 de abril de 2009

GRIS,JUAN



Juan Gris, es considerado uno de los más grandes exponentes del cubismo. Su gran versatilidad, le permite cruzar las fronteras que separan a los cubistas mayores de los menores, codificando o simplificando sus pinturas, ya sea para dejarlas al alcance de un espectador pasivo, o de aquel que realmente toma parte en el desafío de encontrar la pintura detrás de la pintura.

Nació en 1887, en Madrid bajo el nombre José Victoriano González Pérez, en el seno de una familia de clase baja, su niñez no abundó en recursos pero tampoco debió pasar necesidades económicas.

Pronto comenzó sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios, hasta que en 1904 deserta de la misma y da sus primeros pasos en la pintura de la mano del académico José Moreno Carbonero, especializado en paisajismo y género. Entra en relaciones con los pintores George Kars y Daniel Váquez Díaz. De esta primer etapa es destacable la influencia que recibe del movimiento Jugendstil, y que llega a través de su amistad con Willy Geiger, un joven pintor alemán colaborador de la revista “Jugend”.

Entregado de lleno a la pintura, alquila un estudio propio. En 1906, ilustra “Alma América. Poemas indo-españoles”, del poeta peruano José Santos Chocano.

Adopta el nombre de Juan Gris y comienza a publicar ilustraciones en la revista “Blanco y Negro”.

Siguiendo los consejos de su amigo Vázquez Díaz y su hermana Antonia, quien le proporciona ayuda económica, se deshace de sus pertenencias y viaja a París, para entonces lugar de confluencia de artistas jóvenes, que replantean los fines y medios del arte.

En París se aloja en el Hotel Caulincourt, en Montmatre, donde lo espera Vázquez Díaz. A través de éste, conoce a Pablo Picasso en su estudio del “Bateau Lavoir”. Gris también pasa a vivir y pintar en este edificio.

Se trata con Braque, considerado junto a Picasso y Gris los máximos exponentes del cubismo, escritores como Guillaume Apollinaire y Max Jacob, y el crítico Maurice Raynal, uno de sus mejores amigos.

Sus principales ingresos provienen de la publicación de dibujos en revistas satíricas españolas.

En 1908 le es presentado el marchant alemán Daniel-Henry Kahnweiler, quien luego adquiriría los derechos para toda su obra futura, y pasaría a ser el principal sostén económico de Gris, explotando su arte. Es contratado por varios periódicos franceses para publicar dibujos.

En 1909 nace Georges, hijo de Juan Gris y su amante Lucie Belin. Al tornarse insostenible la relación de la pareja, el niño es enviado a España de común acuerdo, para ser educado por los hermanos de Gris.



En 1911 se vuelca al cubismo. Es en este año que logra la venta de su primer cuadro “El libro, la Botella y la Jarra” a Clavis Sagot, que le ha sido presentado por Picasso, de quien comienza a distanciarse lentamente, quizás con motivo de haberse acoplado a la ola cubista y tomar su relación un espíritu de competencia.

Al año siguiente, Gris realiza su primer exposición, en la Galería Sagot de París. Ese mismo año se da también su primer exposición en su país natal, en una muestra cubista de las Galerías Dalmau de Barcelona.

Para 1914, Gris, siguiendo el estilo marcado por Picasso y Braque, comienza a a trabajar casi exclusivamente a la realización de collages, añadiendo trozos de periódicos, revistas y cartón a sus cuadros, en un intento por incorporar la realidad a la obra.

Entabla amistad con Alfred Maquet y Henri Matisse, con el que tendrá lugar encendidos debates sobre pintura.

En 1916 Léonce Rosenberg intenta convencer a Gris para que le venda directamente sus cuadros. De esta manera, y luego de conversarlo con Kahnweiler, rescinde el contrato que lo mantenía atado a este.

Su condición de ciudadano español y el pesado ambiente fruto de la Primer Guerra Mundial lo alejan del ámbito nacionalista y exaltado de Montmatre. Abandona París con su pareja, Josette, y se refugia en el pequeño pueblo costero Collioure. En febrero termina de pintar “Nature morte au Compotier”, considerada una de sus mejores obras.

Producto quizás de la investigación policial que se le sigue por su condición de extranjero, expresa su voluntad de ser clasificado como pintor contemporáneo francés y no español.

Se aboca al diseño de montajes escénicos para ballet y folletines teatrales. Pero luego de un tiempo renuncia a esta tarea, abrumado por la frivolidad imperante en ese ambiente.

Para el año1927, Gris sólo pinta y dibuja algunas horas al día. De su primer período de adopción del cubismo, con formas geométricas pero dulcificadas, pasa a una etapa de naturalismo, con frecuentes temas de naturalezas muertas y ventanas.

El asma que se le ha diagnosticado cada vez se presenta en ataques más fuertes y frecuentes.

En abril realiza su última obra “Femme au panier”. Mientras se enfrenta a la muerte, lo acompañan sus amigos: Picasso, Beaudin, Suzanne Roger, Raynal, Elie Lascaux y Kahnweiler.

El 11 de mayo, Juan Gris muere en Boulogne-sur-Seine. Dos días después se da sepultura a sus restos en el cementerio de la localidad. Encabezan el duelo, su hijo Georges, Kahnweiler, Picasso, Lipchitz y Raynal.

martes, 21 de abril de 2009

Aertsen, Pieter



Pieter Aertsen (Ámsterdam, 1508-1575), pintor neerlandés activo entre Amberes y Ámsterdam. Conocido por su altura como Lange Pier (Pierre el largo), se especializó en composiciones de bodegones que influyeron en el joven Velázquez.

Junto con su sobrino Joachim Beuckelaer, fue uno de los primeros pintores de bodegones o naturalezas muertas, aunque también tocó otros temas como las escenas religiosas, si bien muchas se destruyeron en las revueltas que asolaron los Países Bajos en 1566.

Su primera producción fueron pinturas religiosas, donde la acción se ambientaba en la actualidad, en línea con las recomendaciones de la Contrarreforma religiosa, que defendía la presentación de los relatos bíblicos con sencillez para aproximarlos a la mentalidad popular. Así, no se intentaba recrear la estética de la época de Cristo, sino que se vestía y enmarcaba a los personajes a la moda del momento. Caravaggio proseguiría este criterio

En las pinturas de Aertsen fue ganando protagonismo un elemento hasta entonces considerado secundario: los accesorios que ayudaban a ambientar los espacios, como mobiliario, enseres cotidianos, y especialmente comestibles, animales y vajillas de cerámica y metal. Su habilidad técnica le permitió plasmar estos objetos con asombrosa fidelidad, y a medida que alcanzaba el éxito comercial, Aertsen insistió en dicha faceta. Para ello, eligió temas bíblicos y cultos que propiciasen la inclusión del bodegón, y fue desplazando el argumento a un plano secundario, destinando el protagonismo a los objetos en primer término. De esta forma, Aertsen dignificó el bodegón como especialidad artística, hasta entonces considerado propio de pintores imitativos sin inventiva. Estos «bodegones a lo divino» influyeron de manera determinante en Velázquez, ya que algunos de ellos fueron llevados a Sevilla (Asunción de la Virgen, Museo de Bellas Artes de Sevilla) por comerciantes flamencos.

lunes, 20 de abril de 2009

BRACQUEMOND, MARIE




Marie Bracquemond ,pintora impresionista, nace como Marie Quiveron en Morlaix, Bretaña en 1840 y muere en Sèvres en 1916.

Siendo alumna del taller de Ingres, conoce en 1869 al grabador y pintor Félix Bracquemond, con el que se casa ese mismo año. Marie se entusiasma por el impresionismo y participa en 1879, 1880 y 1886 en las exposiciones del grupo.




El crítico Gustave Geffroy la consideró en su tiempo como una de las tres grandes damas del impresionismo, junto a Mary Cassatt y Berthe Morisot.

Casada con Félix Bracquemond, que tenía celos de su obra, vivió casi como una reclusa. Expuso en diversas muestras impresionistas, hasta que abandonó la pintura en 1890 mortificada por la severa crítica y comentarios adversos de su marido.

Aquellas mujeres que se aventuraban a hacer carrera como pintoras tuvieron que sufrir los numerosos prejuicios sociales, que consideraban este tipo de actividades como esencialmente "masculinas" y, por tanto, impropias de una mujer. Destacar profesionalmente era subversivo e, incluso, peligroso.

domingo, 19 de abril de 2009

CARMEN MONDRAGON



Carmen Mondragón o Nahui Ollin (8 de julio de 1893 - 23 de enero de 1978) fue una poetisa y pintora mexicana, nació y murió en la Ciudad de México.

Junto a Guadalupe Marín, Antonieta Rivas Mercado, Frida Kahlo, Tina Modotti, Lupe Vélez y María Izquierdo, Mondragón formó parte de ese grupo de talentosas mujeres que durante las décadas de los 1920 y 1930 produjo uno de los períodos más activos y fascinantes de la cultura y el arte en México.

Hija del general Manuel Mondragón, recibió una educación privilegiada en México y Francia. Todos sus contemporáneos describieron su hipnótica y erótica belleza, la cual puede ser fácilmente constatada por las muchas fotografías que de ella existen.

Casó con el militar y pintor Manuel Rodríguez Lozano, y vivió con él en Francia y España por ocho años, pero a la larga la bisexualidad de Rodríguez Lozano implicó el fin del matrimonio, pues hay razones para creer que Mondragón era ninfómana. También se dice que ella asesinó al hijo de ambos, lo que causó la separación de la pareja.

De regreso en México Mondragón se sumerge en la vida artística del país, desayuna con José Vasconcelos y cena con Xavier Villaurrutia platicando del "Ulises", el teatro que habían fundado Rivas Mercado, Salvador Novo y el mismo Villaurrutia. También posó para Diego Rivera. Poco tiempo después inició una intensa y tormentosa relación con el pintor Gerardo Murillo, también conocido como Dr. Átl, el cual la bautizó con el nombre de Nahui Ollin, símbolo de renovación azteca. La relación terminó con la misma intensidad con la que inició, salvo que al final el odio logró desplazar al amor.

Si bien varias de sus pinturas y poemas no carecen de talento, Carmen Mondragón debe su celebridad más a su biografía que a sus trabajos. Fue la primera mujer que usó una minifalda en México y siempre gozó y exaltó su sexualidad. En Hollywood posó desnuda para el fotógrafo Edward Weston, en lo que es quizás la mejor serie de retratos del estadunidense.

A los cuarenta años Mondragón, luego de tener y abandonar a varios amantes, se retira de la vida pública. Las siguientes décadas las pasaría en el centro de la ciudad, siguiendo una vida modesta, sola y rodeada de gatos. Hacia el final de su vida su lucidez se deterioró.

Al igual que con Frida Kahlo, en México existe un reciente y renovado interés por la vida y obra de la hermosa Nahui Ollin.

FUENTE: wikipedia.org

viernes, 17 de abril de 2009

Adler, Jankel



Jankel Adler nació el 7.º hijo de un total de diez en Tuszyn, un suburbio de Łódź. En 1912 empezó a formarse como grabador con su tío en Belgrado. Se trasladó en 1914 a Alemania, donde vivió durante un tiempo con su hermana en Barmen. Allí estudió en la escuela de artes y oficios con el profesor Gustav Wiethücher.

Desde 1918-1919 estaba de regreso en Łódź, donde fue cofundador de un grupo de artistas de vanguardia. En 1920 regresó brevemente a Berlín; en 1921 volvió a Barmen, y en 1922 se trasladó a Düsseldorf. Allí se hizo profesor en la Academia de Arte, y conoció a Paul Klee, quien influyó su obra. Una pintura de Adler recibió una medalla de oro en la exposición «Arte alemán en Düsseldorf» en 1928.

En 1929 y 1930 hizo viajes de estudio por Mallorca y otros lugares de España. Durante la campaña electoral de julio de 1932 publicó con un grupo de artistas e intelectuales izquierdosos una llamada urgente contra la política de los nacionalsocialistas y por el comunismo. Como artista moderno, y especialmente como judío, se enfrentó a la persecución en el régimen de Hitler que asumió el poder en 1933. En aquel año, dos de sus pinturas se mostraron en el Centro de Arte de Mannheim por los nazis como ejemplo de arte degenerado, y Adler abandonó Alemania, permaneciendo en París, donde consideró su exilio conscientemente como resistencia política contra el régimen fascista en Alemania. En los años que siguieron, hizo numerosos viajes a Polonia, Italia, Yugoslavia, Checoslovaquia, Rumanía y la Unión Soviética. En 1937, veinticinco de sus obras fueron confiscadas de las colecciones públicas por los nazis y cuatro de ellas se mostraron en la exposición Entartete Kunst (arte degenerado) de Múnich.

Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939, se ofreció voluntario al Ejército polaco que se había reconstruido en Francia; en 1941 fue despedido por razones de salud y vivió posteriormente en Kirkcudbright en Escocia. En 1943 se trasladó a Londres, donde murió el 25 de abril de 1949, a los cincuenta y tres años de edad y con el amargo conocimiento de que ninguno de sus nueve hermanos y hermanos habían sobrevivido al Holocausto.


Obra

Adler estaba fuertemente influido por Picasso y Léger. Disfrutaba experimentando con materiales, por ejemplo mezclas de arena. A menudo pintó temas judíos, y pintó unas pocas composiciones abstractas.

miércoles, 15 de abril de 2009

Iba Ndiaye




(San Luis de Senegal, 1928) pintor francosenegalés.

Con 15 años, asistió al Lycée Faidherbe y pintaba los carteles de los cines y de la ciudad.

Se fue a París en 1948, a aprender "el arte de la pintura", como él la describe. donde frecuenta clubes de jazz y comienza arquitectura en la École des Beaux-Arts.

El escultor Zadkine le descubre la escultura tradicional de África y viaja por Europa.

La independencia de Senegal le hace regresar en 1959 y participa en la creación de la École des Arts du Sénégal, donde realiza una exposición en 1962 y es docente hasta 1966.

Fue en el taller de la Ruche donde nace su serie de óleos sobre el sacrificio del cordero que expone en 1970 en Sarlat, y en 1974 en Amiens.

En 1981, expone en Nueva York, en 1987, en el Museum für Völkerkunde de Múnich, en 1989 en los Países Bajos, en 1990 en Tampere (Finlandia), en 1996 en el Museum Paleis Lange Voorhout de la Haya, en 2000 en su ciudad natal, etc.


Iba N'Diaye de Saint-Louis, Senegal, se trasladó a Europa en 1948 a aprender "el arte de la pintura", como él la describe.

A pesar de que ha vivido y pintado en Francia desde hace casi cincuenta años, sus vínculos con su patria siguen siendo fuertes, y que ha pasado largos periodos de tiempo en el Senegal. El más notable de ellos fue cuando fue llamado a casa en 1959 por el Presidente Senghor, a fundar una nueva escuela de arte, de la Escuela Nacional de Artes. Se quedó hasta 1967.



La obra de N'Diaye refleja toda una vida de estudio de las exploraciones en la forma, estilo y tema, que tejen dentro y fuera en lugar de avanzar en forma lineal simple. Temas comunes en su obra son los retratos, las mujeres en el mercado, los músicos de jazz, el courtryside, y "el grito del continente."

martes, 14 de abril de 2009

Claude Gellee. Claude Lorrain



Nacionalidad: Francia
Nancy 1600 - 1682
Pintor
Estilo: Barroco Francés

Claudio de Lorena, nombre por el que se conoce en España al gran paisajista del Barroco francés Claude Gellée, apodado Le Lorrain, nació en el castillo de Chamagne, cerca de Nancy, en 1600. Dicen que trabajó como pastelero de niño, pero a los trece años se trasladó a Italia, trabajando para el Cavaliere d´Arpino en Roma, el mismo que protegió a Caravaggio. Después se marchó a Nápoles, regresando a Roma a los dos años para convertirse en el ayudante del paisajista Agostino Tassi. Al finalizar la década de 1630, Lorena tenía una excelente reputación, realizando unos paisajes muy románticos, inspirados en los manieristas italianos y nórdicos como Elsheimer.

Los paisajes de Lorena consiguen unos maravillosos efectos poéticos gracias a la atmósfera con dorada niebla producida por la luz solar. Normalmente, son muy similares, siguiendo una composición predispuesta, muy idealizada. Sus composiciones resultan sumamente equilibradas, y sientan el modelo que se tomará durante todo el paisajismo posterior, especialmente en la pintura inglesa y alemana. Su estructura es la de un horizonte bajo, a un tercio, con dos tercios de cielo, lo cual le permite grandiosos efectos atmosféricos de luz y agua (nubes, reflejos, mar).

Para dotar de simetría y equilibrio a las imágenes colocaba en el centro geométrico del lienzo un claro de luz, provocado por el sol o el mar, al cual rodeaba de masas oscuras: nubes, masas vegetales a los lados, y tierra abajo.

Su obra tendrá mucha influencia en Turner. Su fama mundial provocó la aparición de múltiples falsificaciones de sus obras, por lo que el propio Lorena inició una carpeta de dibujos en la cual recogía todas sus composiciones. Esta carpeta se conoce como el Liber Veritatis, y no se publicó hasta 1777. Claudio de Lorena falleció en 1682.

lunes, 13 de abril de 2009

PINTURA AFRICANA



Al haber recurrido al arte africano como medio de inspiración y experimentación de diferentes formas de expresión, los movimientos de arte europeos modernos como el cubismo y el expresionismo, ayudaron, sin pretenderlo, a crear un mayor interés por esas artes antes descoocidas. El carácter abstracto del arte africano inspiró a pintores modernos como Pablo Picasso y Henry Moore. Picasso, que negó al principio esta relación, después admitió la gran influencia que el arte africano tenía en una parte importante de su obra. Artistas americanos como Meta Warrick Fuller y Martin Puryear se inspiraron en creaciones del arte tradicional centroafricano, y el americano Renée Stout, en 1990 presentaba su exposición de esculturas basadas en figuras creadas por el pueblo Kongo.

En general, la pintura, hasta mediados del siglo XX, había tenido un carácter accesorio, utilizándose para la decoración de máscaras y esculturas. sin que sirviera para la creación artística de manera autónoma. Es, fundamentalmente, tras la independencia de los paises cuando surgen diversas escuelas (Poto-Poto en Brazzaville, el movimiento Set Setal en Senegal, Lubumbashi, Dakar, Maputo, Harare, Rorke’s Drift en Suráfrica, Oshogbo en Nigéria, Cyrene en Bulawayo, Zimbabwe, etc.) de donde irán saliendo la mayoría de los artistas renombrados de la actualidad.

A finales de los años 30 del pasado siglo XX, llegaron a Europa a cursar sus estudios de arte los primeros africanos subsaharianos. Tal vez, el ghanés Oku Ampofo fue el primero de ellos, que fue a Inglaterra para estudiar medicina y, en 1932, comenzó sus estudios de arte. Muchos otros llegarían después, como Iba Ndiaye (Sénégal), en 1948, Gerard Sekoto (Sudáfrica) en 1947, Afewerk Tekle (Etiopia) en 1948, Kofi Antubam (Ghana) en 1946, Ben Enwonwu (Nigéria) en 1944 y Viteix (Angola) en 1953.

Cuando Faidherbe, gobernador de Senegal en el s.XIX, prohibió toda actividad de proselitismo al dirigente musulmán Cheikh Amadou Bamba, no sabía que estaba ayudando al nacimiento de un movimiento pictórico original que perdura en la actualidad. Efectivamente, sus adeptos, para soslayar la prohibición, comenzaron a transmitir su mensaje, su exilio o sus milagros a través de pinturas hechas sobre vidrios recuperados. Aquella técnica se fue transmitiendo y , hoy, podemos ver estas pinturas sobre vidrio retratando desde escenas de la vida cotidiana, a la devaluación del Franco CFA.

En cada pais, las tendencias en la pintura van pasando por periodos de nacionalismo, etnicismo, o apegados al momento político por el que pasa el pais. Así, hasta la caida del apartheid en Sudáfrica, los artistas de los paises de la llamada Linea del Frente (Sudáfrica, Angola, Zimbabwe, Mozambique y Zambia) no pueden evitar ser transmisores de la lucha política que en ese momento mantenían sus paises contra el racismo del gobierno sudafricano.

En Botswana, en 1990, se crea en la misión D'Kar, el Proyecto Cultural Kuru que con la finalidad de buscar salidas económocas a grupos Khoisan inicia un taller de pintura. Trabajan sobre telas y tableros y, salen del taller creaciones innovadoras que recuerdan las pinturas rupestres que sus antepasados han realizado durante miles de años. Cuatro de estos artistas San--dos hombres y dos mujeres--han logrado que el Museo Nacional de Arte en Gaborone adquieran y exiban parte de su obra.

A pesar de la influencia que los primeros pintores africanos educados en europa ejercerán sobre las generaciones siguientes, ninguno de ellos crea escuela y puede decirse que ateniéndose a los cánones técnicos y temáticos europeos no trasmitieron una continuidad con las formas de expresión de sus lugares de origen. Esta situación comienza a cambiar después de la segunda guerra mundial, cuando artistas europeos, generalmente surrealistas, creen que es posible enseñar las técnicas pictóricas sin alterar en nada la forma de expresión de los alumnos.

A partir de aquí comenzarán a surgir estilos nuevos en los pintores africanos, en su mayoría considerados como expresionistas. Estos estilos se manifiestan incluso en la llamada pintura neotradicional, correspondiente con los movimientos de la "negritud" anteriores o posteriores a la independencia de los paises africanos. Los estilos expresionistas tienen relaciones formales estrechas con un arte africano antiguo, en particular en la escultura, ya que el expresionismo europeo han asimilado profundamente las influencias fundamentales de Africa en materia de volumen, de estilización y en los cánones de proporciones (la " distorsion sistemática "). El arte abstracto tiene sus raices africanas en la decoración geométrica o en las artes islámicas.

Las escuelas de Lubumbashi, Potopoto y Dakar han producido obras muy decorativas en tonos ocres o de colores muy vivos siguiendo los cánones cloniales sobre lo que debe ser el arte popular. Cada escuela tenía normalmente varios estilos pero todos respondían a características similares. Siendo la produccuión comprada por los europeos, la frontera entre el arte por el arte y el arte para los turistas quedaba establecida.

En Mozambique, en Harare y sobre todo en Nigéria, la evolución fue muy diferente. El primer pintor mozambiqueño, Valmente Malangatana, influenciado por la escuela revolucionaria del fresco mejicano, ha producido un arte de formas totalmente diferentes. Dominan en él, escenas dramáticas, imágenes de brutalidad y de angustia, siendo éstas una temática común a la mayría de los artistas del Africa austral. Sus preocupaciones sociales y su predilección por la pintura mural han quedado como señales distintivas del arte de Maputo. En Harare, la esculptura está muy próxima del expresionismo alemán (en particular Barlach) y a penas si ha evolucionado desde 1961.

El taller de Oshogbo ha producido estilos y artistas de una diversidad espectacular qui están siempre muy activos y trabajan para una clientela de expatriados o para empresas públicas de su pais. Los temas predominantes son de carácter fantástico, tratados en estilos surrrealistas locales con cualidades decorativas, mezclando a veces materiales diversos. La mayoría son pintores. Hay pocos escultores, lo que es sorprendente si se tiene en cuenta la gran tradición escultórica yoruba.

sábado, 11 de abril de 2009

ART NOUVEAU



Fechas: 1.893 - 1.905

El Art Nouveau se liga a la producción industrial, con un gran sentido de adaptación a la vida moderna. Es por ello que se desarrolló singularmente en dos variables: la arquitectura y el diseño gráfico. Los primeros ejemplos son paralelos a los cuadros de Munch, Gauguin y Van Gogh, pintores simbolistas de raíz expresionista que formalmente ofrecieron mucho al nuevo estilo.

Pero se limita a la conexión estética, puesto que su hondo dramatismo no tiene nada que ver con los diseños escurridizos, ondulantes, curvilíneos de mera intención decorativa que ofrece el Art Nouveau. El nombre le vino dado al movimiento a raíz de una exposición de Munch en París, el año 1896, en la galería "Art Nouveau". Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época: es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo. Por ello utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión...

Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial. Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.

jueves, 9 de abril de 2009

Bravo, Claudio




Claudio Bravo es uno de los pintores Chilenos vivos, más prestigiosos en el mundo.Su pincel exhaustivo en el hiperrealismo, lo han catapultado al mundo entero.

Claudio Bravo nació el 8 de Noviembre de 1936,en la ciudad Chilena de Valparaíso.

Entre los años 1945 y 1954 estudia en el Colegio Jesuíta San Ignacio en Santiago, logrando entrar al estudio Miguel Venegas Cifuentes, donde estudió algún tiempo.Con apenas 17 años realiza su primera exposición individual en el Salón Trecem en Santiago.Hacia 1955 Bravo alternaria su vida entre Santiago y Concepción.

El artista combinaría, para ese entonces, la poesía y la pintura. Del mismo modo, baila profesionalmente en la Compañia Ballet de Santiago y el Teatro Nacional.

Hacia 1959 se trasladaría a Concepción, conociendo al filósofo Luis Oyarzún, de quien recibiría enseñanzas que impactarían su vida intensamente.

Su éxito como pintor, le llevaría a un éxito económico, que le permitiría adquirir un avión, con el cual recorrerió el país entero. Poco tiempo después, cambió las alas por pasajes a Madrid, donde se establecería. Sus primeros años en España los ocuparía en el desarrollo exhaustivo del retrato y a conocer las obras del Prado.Diego Veásquez y Zurbarán fueron los artistas que influirían en la visión artística de Claudio Bravo.




En 1963, Bravo tiene su primera exposición en la Capital Española, teniendo vitrina durante casi todo los años sesenta.

En 1968 trabajó en Filipinas, donde retrató a la sociedad y las figuras políticas Filipinas.

En 1970 realiza su primera exposición en la Gran Manzana, Nueva York.

En 1972 Abandona España , trasladándose a Marruecos.

Hacia 1981 Realiza su primera exposición en la Marlborough Gallery, donde sigue exhibiendo continuamente.

En 1994 Realiza su primera exposición individual en el Museo Nacional de Bellas Artes, en Santiago.

En 1996 Recibe condecoraciones a su trabajo en Nueva York.

miércoles, 8 de abril de 2009

Bril,Paul



Paul Bril (1554 – 1626) fue un pintor flamenco. Residió la mayor parte de su vida en Roma, donde se estableció en 1575. Pintor paisajista, acusó la influencia de Adam Elsheimer y Annibale Carracci, aglutinando el estilo fantasioso del manierismo flamenco del siglo XVI con el paisaje clásico italiano del XVII.

Realizó vistas de Roma para el comercio turístico, y destacó especialmente en el género de las marinas, ejerciendo una notable influencia sobre Agostino Tassi y su discípulo Claude Lorrain. Su hermano Mattheus Brill (1550 – 1583) también fue pintor afincado en Roma, siendo a veces difícil distinguir la obra de ambos.

Fuente: Wikipedia

martes, 7 de abril de 2009

Appiani, Andrea



Andrea Appiani (Milán, 31 de mayo de 1754 - Ibídem, 8 de noviembre de 1817), fue un pintor neoclásico italiano.

Nacido en Milán, estaba previsto que siguiera la carrera de su padre en medicina, pero en lugar de ello entró en la academia privada del pintor Carlo Maria Giudici (1723–1804).

Recibió formación en dibujo, copiando principalmente a partir de esculturas y láminas. Luego se unió a la clase del pintor de frescos Antonio de' Giorgi, que impartía en la galería de pinturas Ambrosiana de Milán. También frecuentó el estudio de Martin Knoller, donde profundizó su conocimiento de pintura al óleo; y estudió anatomía en el Ospedale Maggiore de Milán con el escultor Gaetano Monti.

Su interés en temas estéticos fue estimulado por el poeta clásico Giuseppe Parini, a quien dibujó en dos buenos retratos realizados con lápiz. En 1776 entró en la Accademia di Belle Arti di Brera para seguir los cursos de pintura de Giuliano Traballesi, de quien recibió enseñanza magistral sobre la técnica al fresco.

Sus mejores obras se encuentran en la iglesia de San Maria presso San Celso y en el Palacio Real de Milán, rivalizando casi con las de su maestro.

Fue artista pensionado por el Reino de Italia por Napoleón, pero perdió este ingreso después de los acontecimientos de 1814 y cayó en la pobreza.

Durante su período como pintor de corte retrató a Napoleón y los principales personajes de su régimen. Entre sus óleos más logrados se encuentran Venus y Amor y Rinaldo en el jardín de Armida. Es conocido como «el Viejo» para distinguirlo de su sobrino-nieto Andrea Appiani, un pintor de historia en Roma. Otros pintores con el mismo apellido fueron Niccolò Appiani y Francesco Appiani.

VIDEO: FRIDA KAHLO

lunes, 6 de abril de 2009

KAHLO,FRIDA




Magdalena del Carmen Frida Kahlo Calderón, mejor conocida como Frida Kahlo (n. Coyoacán, Ciudad de México; 6 de julio de 1907 - 13 de julio de 1954) fue una destacada pintora mexicana.

Nació en Coyoacán, al sur de la Ciudad de México, el 6 de julio del 1907. A pesar de ello, Frida decía haber nacido en 1910, año del inicio de la Revolución Mexicana: "Nací con la Revolución" , porque quería que su vida comenzara con el México moderno. Este detalle nos muestra su singular personalidad, caracterizada desde su infancia por un profundo sentido de la independencia y la rebeldía contra los hábitos sociales y morales ordinarios, movida por la pasión y la sensualidad. Orgullosa de su mexicanidad y de su tradición cultural, se enfrentó a la reinante penetración de las costumbres estadounidenses, todo ello mezclado con un peculiar sentido del humor.

Frida fue la tercera hija de Guillermo Kahlo, fotógrafo de origen germano-húngaro, de religión judía con su segunda esposa, la mexicana Matilde Calderón y González, de ascendencia española e indígena de religión católica.

Sin embargo, de acuerdo al estudio de Gaby Franger y Rainer Huhle,formaba parte de la leyenda, no pocas veces instigada por la propia Frida, que Guillermo Kahlo tuviera raíces húngaras o judías. Estos autores sostienen que probablemente el fotógrafo nació en Pforzheim, pequeña ciudad del estado de Baden-Wurtemberg y que sus abuelos y resto de antepasados pertenecieron a la burguesía local y eran de religión luterana.

Su vida quedó marcada por el sufrimiento físico que comenzó con la poliomielitis que contrajo en 1913 y continuó con diversas enfermedades, lesiones, accidentes y operaciones. Esta primera enfermedad le dejó una secuela permanente: la pierna derecha mucho más delgada que la izquierda.

En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México, la más prestigiosa institución educativa de México, la cual empezaba por primera vez a admitir chicas como alumnas. Allí sus travesuras la convirtieron en la cabecilla de un grupo mayoritariamente formado por chicos rebeldes con los que realizó innumerables trastadas en la escuela teniendo generalmente como víctimas a sus profesores. Fue precisamente en esta escuela donde entraría en contacto con su futuro marido, el conocido muralista mexicano Diego Rivera, a quien le había sido encargado pintar un mural en el auditorio de la escuela.

En 1925 aprendió la técnica del grabado con Fernando Fernández Domínguez. El 17 de septiembre de ese mismo año un accidente de tranvía la dejó con lesiones permanentes debido a que su columna vertebral quedó fracturada y casi rota, así como diversas costillas, cuello y la pelvis, su pie derecho se dislocó, su hombro se descoyuntó y un pasamanos le atravesó el vientre, introduciéndosele por el costado izquierdo. La medicina de su tiempo la torturó con operaciones quirúrgicas (32 a lo largo de su vida), corsés de distintos tipos y diversos mecanismos de "estiramiento".

El aburrimiento que le provocaba su postración la llevó a empezar a pintar: en 1926, todavía en su convalecencia, pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie en la cual expresará los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama y en el baño. Sin embargo su gran fuerza y energía por vivir le permitieron una importante recuperación.

Tras esa recuperación, que le devolvió la capacidad de caminar, una amiga íntima la introdujo en los ambientes artísticos de México donde se encontraban, entre otros, la conocida fotógrafa, artista y comunista Tina Modotti y el futuro marido de Frida Diego Rivera.

La artista contrajo matrimonio con Rivera el 21 de agosto de 1929. Su relación consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio y un divorcio en 1939 que solamente duró un año.

Poco después de su divorcio con Diego Rivera, Frida Kahlo terminó un autorretrato constituido de dos personalidades: Las Dos Fridas. Con este cuadro, asimila la crisis marital, a través de la separación entre la Frida en traje de tehuana, el favorito de Diego, y la otra Frida, de raíces europeas, la que existió antes de su encuentro con él. Los corazones de las dos mujeres están conectados uno al otro por una vena, la parte europea rechazada de Frida Kahlo amenaza con perder toda su sangre.

Al matrimonio lo llegaron a llamar la unión entre un elefante y una paloma, pues Diego era enorme y obeso mientras que ella era pequeña y delgada. Por otra parte; Frida, debido a sus lesiones, nunca pudo tener hijos, cosa que tardó muchos años en aceptar.

A pesar de las aventuras de Diego con otras mujeres (que llegaron a incluir a la propia hermana de la pintora), ayudó a Frida en muchos aspectos. Él fue quien le sugirió a Frida que vistiera con el traje tradicional mexicano consistente en largos vestidos de colores y joyería exótica. Esto, junto a su semblante cejijunto, se convirtió en su imagen de marca. Él amaba su pintura y fue también su mayor admirador. Frida, a cambio, fue la mayor crítica de Diego.


Frida Kahlo con Malu Block y Diego Rivera.La creciente reputación de Rivera en los Estados Unidos los llevó entre 1931 y 1934 a pasar la mayor parte del tiempo en Nueva York y Detroit.

Entre 1937 y 1939 el revolucionario ucraniano León Trotsky vivió exiliado en su casa de Coyoacán junto a su mujer. Allí tendrá un romance con el líder comunista para, tras su asesinato a manos del miembro de la NKVD estalinista Ramón Mercader, ser acusada como autora del mismo. Esto la llevó a estar arrestada pero finalmente fue dejada en libertad al igual que su marido.

En 1938 el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón califica su obra de surrealista en un ensayo que escribe para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. No obstante, ella misma declara más tarde: "Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad".




En 1939 expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con el pintor malagueño Picasso y a aparecer en la portada del Vogue francés. Por entonces Frida era conocida en el mundo entero. A partir de 1943 dio clases en la escuela La Esmeralda del México D.F.


La Casa Azul, Museo Frida Kahlo.En la primavera de 1953 la Galería de Arte Contemporáneo de esta misma ciudad le organizó, por primera vez, una importante exposición. La salud de Frida era muy mala por entonces y los médicos le prohibieron el asistir a la misma. Minutos después de que todos los invitados se encontraran en el interior de la galería se empezaron a oír sirenas desde el exterior. La muchedumbre enloquecida se dirigió al exterior, allí estaba una ambulancia acompañada de una escolta en motocicleta. Frida Kahlo había sido llevada a su exposición en una cama de hospital. Los fotógrafos y los periodistas se quedaron impresionados. Ella fue colocada en el centro de la galería. La multitud fue a saludarla. Frida contó chistes, cantó y bebió la tarde entera. La exhibición había sido un éxito rotundo.

Ese mismo año le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infección de gangrena. Esto la sumió en una gran depresión que la llevó a intentar el suicidio en un par de ocasiones. Durante ese tiempo, debido a que no podía hacer mucho, escribía poemas en sus diarios, la mayoría relacionados con el dolor y remordimiento.

Murió en Coyoacán el 13 de julio de 1954. No se realizó ninguna autopsia . Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista mexicano, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacán, lugar que la vio nacer.

Sus últimas palabras en su diario fueron: "Espero que la marcha sea feliz y espero no volver jamás".

A los cuatro años de su muerte, la Casa Azul se convirtió en el Museo Frida Kahlo.

Varios museos le han dedicado retrospectivas: el Instituto Nacional de Bellas Artes del ciudad de México (1977), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1980), la Whitechapel de Londres (1982), la Tate Modern de Londres (2007) y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (2007).

viernes, 3 de abril de 2009

Buonarroti, Michelangelo



Nacionalidad: Italia
Caprese 1475 - Roma 1564
Pintor, escultor y arquitecto
Estilo: Renacimiento Italiano
Escuela: Cinquecento

Miguel Ángel es el artista con mayúsculas; pintor, escultor y arquitecto, su personalidad es tan fuerte que define los cánones del genio. Michelangelo Buonarroti nació en Caprese, cerca de Arezzo, el 6 de marzo del año 1475. Pertenecía a una familia acomodada - su padre Lodovico di Leonardo di Bounarroto Simone era "podestá" de Florencia en esa localidad - que se trasladó a la capital de Toscana a las pocas semanas de nacer el pequeño. La madre, Francesca di Neri di Miniato del Sera, confió la alimentación del pequeño a una nodriza, hija y mujer de canteros, dato que será considerado por el artista como fundamental para su formación.

Cuando Miguel Ángel tiene seis años fallece su madre; en esos momentos conoce al pintor Francesco Granicci, un mozo de 12 años que le anima a pintar, lo que no será del agrado de Lodovico Buonarroto. Tras algunos años de "lucha" entre padre e hijo, Lodovico da su brazo a torcer - él deseaba que su pequeño realizara una carrera administrativa o comercial más satisfactoria que la pintura - y Miguel Ángel ingresa con trece años en la "bottega", el estudio, de Domenico Ghirlandaio con quien aprendería las técnicas del fresco y desarrollaría su extraordinaria capacidad como dibujante. Tras una corta estancia en la "bottega" - que parece abandonar por discrepancias con su maestro - inicia estudios de escultura en el Jardín de los Médici, bajo el patronazgo de Lorenzo "Il Magnifico" y la dirección artística del donatelliano Bertoldo di Giovanni. Estos años serán de gran felicidad para el joven ya que es acogido como hijo adoptivo por el Magnífico en el palacio Médici, donde vivía con los más destacados miembros del humanismo: Poliziano, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola. Sus primeros trabajos escultóricos se realizan en estos años bajo la protección de los Médici. La caída de la familia gobernante de la ciudad, a la que contribuyó decididamente la actuación del clérigo Girolamo Savonarola, provocó la huida del joven artista, primero hacia Venecia y después a Bolonia, donde estudió las obras de Jacopo della Quercia.

En el invierno de 1495-1496 regresa a Florencia, donde trabaja para Pierfrancesco de Médici, también simpatizante del gobierno popular dirigido por Savonarola al igual que Miguel Ángel. En estos años juveniles manifiesta ya una profunda admiración hacia la anatomía que le llevará a acudir casi todas las noches al depósito municipal de cadáveres para practicar disecciones que le permitieran conocer mejor la estructura interna del cuerpo humano. En sus obras escultóricas de estos momentos - especialmente la Centauromaquia - muestra un dominio del movimiento y de la anatomía que no había sido conseguido por Donatello.

En el mes de julio de 1496 se traslada a Roma por primera vez. En la Ciudad de los Papas recibirá el encargo de su famosa Pietà del Vaticano, mostrando su manera de trabajar en un Baco y un Cupido esculpidos para el banquero Jacopo Galli. De regreso a Florencia realizó el David y la decoración de la Sala del Consejo del Palazzo della Signoria, siendo el encargado de elaborar la Batalla de Cascina que compitiera con la Batalla de Anghiari encargada a Leonardo. En el boceto demuestra una vez más su obsesión por el desnudo, que será modelo de un buen número de artistas jóvenes por aquellas fechas. Ambas obras han desaparecido por desgracia. En 1505 el poderoso papa Julio II reclama a Miguel Ángel que regrese a Roma ya que le va a encargar una tumba con cuarenta figuras, digna de tan elevado personaje. Pero el magno proyecto se vio reducido a la realización del Moisés y los Esclavos. Los caracteres del Papa y del artista eran tan diferentes que los enfrentamientos, a pesar de la mutua y profunda admiración que se manifestaban, no tardaron en aparecer. El propio Miguel Ángel denominará a ese encargo la "Tragedia del Sepulcro". Será el mismo Julio II quien también le encargue su obra maestra: el techo de la Capilla Sixtina, a cuya decoración dedicará cuatro años, entre 1508 y 1512.

El trabajo fue agotador ya que no contaba con ningún ayudante y puso de manifiesto el fuerte carácter del maestro agravado por su insatisfacción característica, la escasez de honorarios y las numerosas demandas de ayuda que recibe de su familia, especialmente de su hermano Buonarroto. Es significativo el texto de una carta que escribe a su padre en enero de 1509: "Hace un año que no recibo un céntimo del papa y no lo pido porque mi trabajo no va adelante como creo que merece. Esta es la dificultad del trabajo y el no ser mi profesión. Pierdo tiempo sin provecho. Dios me asista". En una nueva carta se reafirma en sus opiniones al manifestar: "Sigo aquí disgustado y no muy sano, con gran trabajo, sin gobierno y sin dineros".

Tras el fallecimiento de Julio II en 1513, sus herederos reducen el proyecto de sepulcro, lo que supondrá un importante varapalo para el maestro. Los viajes son continuos y tienen como punto de destino Carrara, donde se sentía tranquilo y sosegado junto a la familia con la que se crió. El papa León X le encarga la decoración de la fachada de san Lorenzo en Florencia - obra que quedará inconclusa -, realizando también los planos de la Biblioteca Laurentina y las Capillas Mediceas, donde se alojarían las tumbas de Giuliano y Lorenzo de Médici con las famosas estatuas de la Aurora y el Crepúsculo y la Noche y el Día. Estos años trabajará para el gobierno de la República de Florencia como ingeniero militar, siendo nombrado en 1529 "gobernador general de las fortificaciones" y trasladándose a Pisa, Livorno y Ferrara para comprobar el estado de sus murallas. En 1534 Miguel Ángel se instala definitivamente en Roma, donde realizará el Juicio Final, en la Capilla Sixtina, por encargo del papa Paulo III, quien le nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano. En el Juicio Final, Miguel Ángel exhibirá su admiración hacia la anatomía que le llevará a desnudar al propio Cristo, anticipando con sus figuras el Barroco.

Pero la reacción moral no se hizo esperar y ya en vida del maestro se empezaron a tapar los cuerpos, siendo Volterra uno de los encargados. Los pleitos con los herederos de Julio II para la ejecución de la tumba se suceden llegando a situaciones límite de las que salió airoso gracias a la ayuda del papa. Llevará a cabo los frescos de la Capilla Paolina inmediatamente después de acabar con el Juicio, una vez resueltos sus problemas con los herederos de Julio II, consintiendo éstos en la renuncia del maestro a la ejecución de los trabajos y admitiendo la colocación del Moisés en el nuevo proyecto. Desde 1546 Miguel Ángel se dedica especialmente a la arquitectura; tras fallecer Antonio da Sangallo asume la dirección de las obras de la basílica de San Pedro del Vaticano, compaginando los trabajos con el diseño de la escalinata del Capitolio y el Palacio de los Conservadores. En estos años mantendrá una encendida amistad con la poetisa Vittoria Colonna, mujer de místico temperamento que llevará a Miguel Ángel a expresar en sus obras y escritos una dolorosa fe, manifestando un ineludible deseo de penitencia.

La fama del maestro alcanzó elevadas cotas en los últimos años de su vida, siendo nombrado "jefe" de la Academia de Dibujo de Florencia. Vasari, en sus famosas "Vidas", y Ascanio Condivi, con su biografía, le encumbrarán. El artista de la "terribilità", que definiría el último Cinquecento, fallecía en Roma el 18 de febrero de 1564 a la edad de 89 años. Su sobrino Leonardo llevará en secreto el cadáver del genio hasta Florencia en el mes de marzo, celebrándose solemnes funerales por su alma en la iglesia de San Lorenzo, antes de ser enterrado en Santa Croce. La ajetreada vida de Miguel Ángel fue llevada a la novela por Irving Stone en "El tormento y el éxtasis" sirviendo de base a una película con el mismo título.

jueves, 2 de abril de 2009

Siquieros Alfaro, David




(Chihuahua, México, 1896 - Cuernavaca, id., 1974) Pintor y muralista mexicano. Activo políticamente desde muy joven, interrumpió sus estudios de arte para alistarse en el ejército de Venustiano Carranza. Al finalizar el conflicto, se trasladó a Europa para continuar sus estudios.

Tras su regreso a México en 1922 participó en la elaboración de los murales de la Escuela Nacional Preparatoria. Durante toda su vida viajó por varios países, sobre todo Estados Unidos, Rusia, Argentina y Chile, a veces por motivos profesionales y otras por motivos políticos. Estuvo dos veces en la cárcel en México, la primera en 1930 y la segunda en los años sesenta.

Siqueiros fue, junto con Rivera y Orozco, uno de los padres de la escuela muralista mexicana. Al igual que ellos, compartió su fervor por la revolución y la exaltación del pasado precolombino, siempre desde un enfoque nacionalista y marxista, que plasmó en un arte de dimensiones monumentales y gran fuerza dramática.



Buena muestra de sus frescos está expuesta en el Sindicato de Electricistas y en el Palacio de Bellas Artes de México, en la ciudad de Chillán (en Chile) y en la Chouinard School of Art de Los Ángeles. Dos de sus títulos más conocidos son Proceso al fascismo (1939) y Muerte al invasor (1940), este último dedicado a la conquista de América.

Su obra se caracteriza por el dinamismo y la movilidad compositiva, así como por una búsqueda de efectos dramáticos mediante el uso de la luz y el tratamiento escultural de las figuras y los fondos. Contiene, además, una fuerte componente didáctica, capaz de reunir pintura, escultura y arquitectura en pos de una nueva dimensión artística cuyo punto de partida es la realidad. Su anhelo por conseguir una reciprocidad entre las diferentes técnicas pictóricas y la más moderna tecnología, le llevó a crear un taller experimental de arte en Nueva York.

miércoles, 1 de abril de 2009

CAMBIASO, LUCA



Luca Cambiaso (1527 - 1585) fue un pintor italiano.

Con tan sólo 17 años, Luca Cambiaso recibió el encargo de decorar con frescos el Palacio Doria de Génova, lo cual le convirtió en uno de los artistas más jóvenes e influyentes en esta importante república italiana.

Cambiaso adaptó sus conocimientos de matemática y geometría a sus composiciones y figuras, que pueden llegar a asimilarse a ciertas concepciones del espacio y el volumen del cubismo. Heredero de la tradición monumental de Miguel Angel, que él combina con la suavidad del Correggio, su fama trascendió las fronteras.

De este modo, recién terminado El Escorial, Felipe II le hizo llamar a España para que decorara al fresco seco algunas de sus paredes, en 1583. Desgraciadamente, murió a los dos años de su llegada a la Corte escurialense. Su puesto y su estilo fueron ocupados en el monasterio madrileño por otros dos italianos, Zuccaro y Tibaldi.


Entre los frescos que se conservan en el Escorial destacan la Coronación de la Virgen (en la bóveda de la Capilla Mayor), la Gloria (en la bóveda del coro) y escenas de Cristo resucitado (rellano de la escalera).

Fuente: Arte y historia